Las atmósferas de William Turner

octubre 31, 2016

Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) es uno de los precursores más importantes de la pintura abstracta, tanto moderna como contemporánea. En su tiempo manejó el óleo y la acuarela libremente, usando los recursos del color como una coreografía de estructura pictórica para componer sus cuadros.

La obra de su último periodo presenta una forma de pensamiento artística que se adelantaba a su época. Turner sintetizó y economizó recursos para mostrar sensaciones y hacer reflexiones sobre la naturaleza de la pintura y de la vida misma. Construyó su pintura utilizando como sustento tres aspectos formales distintos: la forma, la composición y el color. Previo al pensamiento impresionista, produjo abstracciones donde privilegió las masas de color y el trazo por encima de la precisión realista de los objetos representados, adelantándose con ello incluso a Monet y a cualquier otro de sus contemporáneos. No sería hasta ya avanzada la segunda mitad del siglo XIX que muchos otros pintores abrevarían del estilo pictórico de este pintor inglés, en búsqueda de una nueva pintura.

 

?Rochester Castle and Bridge circa 1830 Joseph Mallord William Turner 1775-1851 Accepted by the nation as part of the Turner Bequest 1856 http://www.tate.org.uk/art/work/D25474

William Turner, Rochester Castle and Bridge (Castillo y puente de Rochester), h. 1830, http://www.tate.org.uk/art/work/D25474

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Cursos de Invierno 2016

octubre 24, 2016

 

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Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas imprescindibles de tinta y acuarela. Lunes 28 de Noviembre al Jueves 1 de Diciembre de 2016 De 10:00 a 14:00 Hr. $3600.00 (incluye materiales)
Se sabe que las tintas han sido utilizadas tanto en la escritura como en la pintura artística desde el siglo IV antes de Cristo. La invención de las mismas es atribuida a los chinos, sin embargo no es la única cultura de la antigüedad que las utilizara. Los emperadores romanos firmaban sus edictos con una tinta púrpura muy costosa, hecha con una secreción de un molusco.

Las variedad mas antiguas de tintas que se conocen incluyen tintas hechas a base de nueces, hollín y pigmentos extraídos de animales marinos, como las sepias. Muchas de las tintas orientales que aún se utilizan, continúan produciéndose con este tipo de pigmentos naturales que han sido empleados desde hace siglos para su elaboración. Así mismo, distintas tintas artísticas actuales emplean tanto los materiales tradicionales como otros añadidos que permiten producir gran variedad de efectos y acabados.

Pese a que actualmente, gracias al mercado, muchos artistas están acostumbrados a pensar que la tinta es sólo de un tipo y con una función, acuarelistas y dibujantes de distintas épocas han usado muchos tipos de tintas con diferentes tendencias tonales para lograr diferentes objetivos. Artistas como Rembrandt, Leonardo y Turner, entre otros, utilizaron distintos tipo de tintas cubrientes, transparentes,  fluidas, densas, opacas o brillantes, entre otras. La elección de la tinta dependía del uso que deseaban darles, y más importante aún, de los efectos visuales que deseaban conseguir con las mismas.

Hoy en día existen diferentes tipos de tintas para hacer múltiples variaciones ópticas en los proceso plásticos, así como diferentes procesos de aplicación. Las tintas pueden ser utilizadas como medio dibujístico o como una técnica de pintura, ya sea como único medio o como técnica mixta.

En este curso exploraremos distintos tipos de técnicas y tintas, así como los anexados que se les pueden hacer para alterar sus respuestas al trazo sobre el lienzo para transformar la apariencia final de nuestros trabajos. Exploraremos técnicas y procedimientos de distintas épocas y tradiciones pictóricas, como la china o la barroca Europea, analizando a su vez distintos medios con los cuales la tinta de alcohol es capaz de formar técnicas mixtas ideales. Trabajaremos con tintas de agua y tintas de aceite en distintas versiones, así como en conjunto con acuarelas y gouache, a la manera de la escuela inglesa. También revisaremos técnicas de tinta de distintas culturas, como Japón y otras regiones de oriente; analizaremos sus variables en cuanto a medios y lo que cada uno de ellos produce.
Objetivos generales del curso:

  • Analizar distintos soportes de papel y telas.
  • Tintes y pigmentos de origen vegetal y animal.
  • Gomas, resinas, aceites, adhesivos de tipos animales, vegetales y sintéticos.
  • Efectos dispersantes y saturantes.
  • Transparencia y opacidad.
  • Efectos mixtos de tintas grasas y de agua.
  • Demostraciones didácticas durante el taller, para la realización de obras figurativas y abstractas.
  • Ejercicios figurativos y abstractos donde quienes asistan al curso puedan aplicar lo aprendido en el taller.
2 Las atmósferas de William Turner. Lunes 28 de Noviembre al Jueves 1 de Diciembre de 2016 De 15:30 a 19:30 Hr. $3600.00 (incluye materiales)
Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) es uno de los precursores más importantes de la pintura abstracta, tanto moderna como contemporánea. En su tiempo manejó el óleo y la acuarela libremente, usando los recursos del color como una coreografía de estructura pictórica para componer sus cuadros.

La obra de su último periodo presenta una forma de pensamiento artística que se adelantaba a su época. Sintetizó y economizó recursos para mostrar sensaciones y hacer reflexiones sobre la naturaleza de la pintura y de la vida misma. Turner construyó su pintura utilizando como sustento tres aspectos formales distintos: la forma, la composición y el color. Previo al pensamiento impresionista, produjo abstracciones donde privilegió las masas de color y el trazo por encima de la precisión realista de los objetos representados, adelantándose con ello incluso a Monet y a cualquier otro de sus contemporáneos. No sería hasta ya avanzada la segunda mitad del siglo XIX que muchos otros pintores abrevarían de su estilo pictórico en búsqueda de una nueva pintura.

Los poderes de las fuerzas de la naturaleza fueron el motivo primordial de las obras de Turner y su principal interés fue capturar los humores del mar, el vapor, la luz en movimiento y la actividad humana dentro de los mismos. William Turner logró desarrollar técnicas mixtas en acuarela y óleo que le facilitaron conseguir sus intereses plásticos, mostrando efectos dinámicos, gestualidad, evanescencia y una dramática expresión plástica. Gracias a que Turner es un pintor que dejó muchísimos cuadros sin terminar y gran cantidad de cuadernos de trabajo, los pintores de hoy tenemos la posibilidad de estudiar a detalle —en su obra inconclusa— sus medios y procesos de trabajo. Sus procedimientos técnicos mixtos ofrecen una poderosa alternativa para los artistas de hoy; una alternativa que la maestra Luz García intentará poner a su alcance a través de este curso.

Objetivos generales:

  • Analizar y practicar con los procedimientos técnicos que utilizó Turner, para lo cual acondicionaremos fluidos y corporeidad en los medios y en las capas de pintura. Trabajaremos con capas yuxtapuestas que en la obra producirán distintos efectos, muchos de los cuales son de dinámica presencia envolvente.
  • Analizar y adoptar el uso de cargas. Aplicaremos la composición por color a la manera en que Turner la empleaba en sus atmósferas, que eran parte esencial en sus sistema de composición por color.
  • Realización de un cuadro por alumno con la técnica de este gran maestro de la pintura.
3 La Luz en la Pintura a la Manera de Sorolla Viernes 2 y Sábado 3 de Diciembre de 2016 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $4000.00 (incluye materiales)
Joaquín Sorolla consideraba que la pintura lo era todo; para él pintar era vivir, una función vital tan importante como la respiración. Pintaba al aire libre y pintar de cualquier otra forma le parecía un engaño. Trabajó algún tiempo como fotógrafo, lo que le hizo comprender a fondo la composición y, a su vez, enamorarse de la luz. Su obsesión por la luz lo seguiría a lo largo de su carrera y la misma le llevaría a trabajar sin descanso hasta conseguir capturarla con precisión en sus telas. Trabajó incansablemente durante 20 años antes de lograr pintar como él quería y su obra es el resultado de esa intensa búsqueda.

Para lograr pintar como deseaba, Sorolla tuvo que analizar a profundidad cómo se pintaba un cuadro desde las capas profundas, la fase que en algún tiempo fue conocida como grisalla. Se dio cuenta de que debía observar la naturaleza de las luces para poder determinar la manera correcta de comenzar sus cuadros. Investigó a profundidad cómo distintas maneras de trabajar la pintura en las capas internas de un cuadro tenían resultados distintos en las capas superiores. Por ejemplo, empezar por las luces en los cielos diurnos, las marinas u otros cuadros con agua tiene un resultado muy distinto que comenzar por los medios tonos, como generalmente se hace en ambientes de luz intermedia.

Sorolla desarrolló un sistema de pintura que, si bien no era nuevo del todo, sí lo era en cuanto a la forma en que él lo utilizaba y en relación a los temas y motivos que retrataba con el mismo. En él utilizó veladuras de pintura yuxtapuestas, con colores y densidades pensadas para que las capas superiores de pintura interactuarán con las capas previas; esto conseguía que se produjeran efectos de luz o sombra exaltada, según la imagen que estuviera pintando con las mismas. Pese a que esta técnica era reminiscente del claroscuro de los pintores venecianos y los barrocos, tuvo que ser completamente repensada por Sorolla, ya que al pintar escenas completamente distintas —a pleno rayo del sol—, no podía ser trabajado ni de la misma forma, ni con la misma paleta que empleaban los pintores barrocos.

En un ambiente determinado, cada personaje u objeto tiene una luz específica en relación a la atmósfera de este ambiente en cuestión, sin embargo, en una pintura un objeto puede representarse bajo cualquier iluminación dispuesta por quien lo pinta. Esto quiere decir que el pintor puede trabajar, a partir de su mente y su dominio del color y la técnica, una exaltación luminosa inexistente, si así lo desea, o exaltar más de la cuenta la realidad: éste es el caso de Sorolla. En toda pintura intervienen mínimo dos factores: el color (la luz) y la forma. Sorolla se dedicó a observar los valores de luz, los valores de sombra y los valores de las luces reflejadas, y cómo el exaltar o disminuir los contrastes, tanto tonales (blanco, negro y tonos de gris) como de croma (color), alteraban la sensación lumínica de las imágenes representadas. A partir de su estudio y posterior dominio de estas variaciones, en conjunto con el conocimiento de las capas de pintura, obtuvo la libertad de la cual sus lienzos son testigos y la capacidad de conmovernos a los espectadores de la forma en que sólo la luz lo logra.

 

Objetivos del taller:

  • Analizaremos cómo observar la luz.
  • El color y contraste en la práctica pictórica.
  • La iluminación solar y su representación en el color.
  • Las capas sucesivas.
  • Cada alumno realizará un ejercicio en la técnica de Sorolla durante el taller.
4 La Luz en el Dibujo Lunes 5 al Jueves 8 de Diciembre de 2016 De 10:00 a 14:00 Hr. $3600.00 (incluye materiales)
Alberto Durero (1471 – 1528), gran dibujante, pintor y grabador alemán, ideó en su momento algunos aparatos para resolver las problemáticas que le presentaban las dimensiones y la perspectiva de los temas que dibujaba. Estos inventos le permitieron tener mayor precisión sobre las formas de los objetos en sus representaciones y, por tanto, controlar las proporciones, los escorzos y las perspectivas de los mismos elementos en sus obras.

Si bien muchos de aquellos instrumentos ya habían caído en desuso con el pasar de los siglos, durante el siglo XX fueron prácticamente legados al olvido. No obstante, aún hoy la perspectiva, la forma, el trazo, la calidad de línea, la composición y las proporciones, entre otros, siguen siendo de gran importancia para nosotros los dibujantes contemporáneos.

Aquello que concierne a la línea no es lo único importante del dibujo, de hecho podríamos decir que es exclusivamente la mitad de la historia. La intensidad de la iluminación, en cuanto a los objetos, es el segundo elemento importante a considerar. Ésta implica, entre otros factores, el cómo producir la ilusión de volumen y, por lo tanto, el uso de contrastes —factor que incluso en el dibujo abstracto es esencial. El dibujo trata principalmente sobre las formas y la luz que éstas reciben y así ha sido estudiado a través del tiempo por gran cantidad de artistas. Tener control de la luz permite determinar la sutileza, teatralidad, exaltación, emoción, la atmósfera y el dramatismo de un dibujo. Bien podríamos decir que tener una clara intención de iluminación en una imagen bidimensional es tan importante que, en muchas ocasiones, es de eso de lo que depende el estar más cerca de bien lograr un dibujo o una pintura.

Cuando se estudia la luz en el dibujo, es necesario analizar las formas básicas tridimensionales presentes, semipresentes y ocultas entre los objetos. Éstas las podemos encontrar entre las formas o personajes que se desean representar en el dibujo y sirven de estructura fundamental para representar nuestras ideas. Así mismo, se deben analizar las diversas texturas que componen los elementos para lograr la representación asertiva de luces, brillos y reflejos. Cuando incide la luz sobre los cuerpos, se producen patrones dibujísticos diferentes que estimulan la creatividad expresiva del artista para ser plasmados en diversas formas, desde en un dibujo sugerente, hasta en la más precisa representación tridimensional.

Si ejercitamos las líneas de las formas y sus volúmenes, en conjunto con la iluminación, es posible llegar a dominar efectos luminosos únicamente accesibles a la mente de los artistas a través de la imaginación. Es con ese dominio que adquirimos la capacidad de representarlos mediante el dibujo.

Distintos pintores de todas las épocas han dejado dibujos, frases, textos y libros completos donde hablan de lo valioso de la geometría en relación al dibujo, no sólo en cuanto a la estilización de la forma, sino también en relación a la comprensión de la luz. Hokusai, Salvador Dalí, Leonardo da Vinci, Rubens, Cézanne, entre otros, se han valido de la geometría para enriquecer, tanto sus dibujos y su pintura, como la de sus alumnos.

 

Objetivos del taller:

  • Estudiar la relación entre geometría y volumen.
  • Volumen y saturación de materiales.
  • Volumen en luces y sombras.
  • Intensidad de iluminación.
  • Cuerpos y texturas opacos, pulidos y brillantes.
  • Alto, medio y bajo contraste.
  • Elaboración de un ejercicio tridimensional, por alumno, con un controlado manejo de la luz.
5 El desnudo al óleo con modelo. Lunes 5 al Jueves 8 de Diciembre de 2016 De 15:30 a 19:30 Hr. $3600.00 (incluye materiales)
A lo largo de la historia de la pintura han existido distintas técnicas empleadas por los pintores para retratar la figura humana: acuarela, encausto, lápiz, caseína, carboncillo, entre otras. Sin embargo, hay una diferencia entre todas estas técnicas, y es que cada uno de estos medios exige una manera propia de aproximarse a la representación pictórica. Es imposible retratar un modelo con carboncillo de la misma manera que se haría con acuarela, o inclusive con lápiz. Los diferentes medios no sólo nos exigen formas distintas de trabajo, sino que, gracias a sus características diversas, también nos ofrecen posibilidades pictóricas distintas.

El óleo tiene la cualidad de poder ser utilizado tanto de forma fluida como empastada, otorgando al pintor una gran cantidad de posibilidades que son particularmente interesantes al trabajar el cuerpo humano. Nuestro cuerpo tiene muchas particularidades que, así como le hacen sumamente atractivo, le vuelven una temática pictórica bastante compleja. Para retratar la figura humana con precisión, y sacar el mayor partido de sus características, se requiere un medio que permita explorar sus diversos aspectos.

El cuerpo humano posee por un lado estructura, por otro, movimiento, tridimensión y por último, la piel. Para ser captados asertivamente, la estructura y el movimiento requieren de un medio fluido y de un dibujo preciso, el medio debe tener la capacidad de responder ante la acción del artista y el óleo es un medio que tiene la capacidad de hacerlo. Otra ventaja del óleo es que, así como en su estado fluido tiene la capacidad de registrar la libertad del trazo, es también capaz de exaltar el volumen del cuerpo representado. El volumen se genera por medio de la corporeidad misma del material, ya que sobre el lienzo es la densidad la que se convierte en la materialidad misma del cuerpo representado. Artistas de distintas épocas como Rembrandt, Tiziano, Van Gogh, Baselitz, junto con otros grandes pintores del pasado y el presente, hicieron uso de estas cualidades del óleo en los cuerpos y rostros que retrataron.

Otra característica importante del cuerpo humano es su colorido, mismo que —debido a las características inherentes a la carne— es considerablemente complejo de representar. Un medio que nos permita explorar con profundidad la encarnación en la pintura debe tener la capacidad de producir veladuras de distintos grosores: algunas sutiles que permitan la transparencia y, a la vez, otras que puedan producir gran opacidad para jugar libremente con el color y la luz física. Son estas características las que consiguen que se logren representar las difíciles calidades de la piel que requieren tan diversos tonos.

Una de las técnicas capaces de satisfacer todas estas diversas necesidades, y que ha sido durante varios siglos la preferida por grandes pintores de la figura humana, es el óleo. Una buena técnica de óleo nos permite trabajar de forma sumamente fluida y espontánea, pastosa, densa y texturada, a la vez traslúcida u opaca, con diversas calidades de brillo y diferentes tipos de glaseados, dependiendo de nuestros intereses y necesidades pictóricas. Todos estos pasos permiten obtener, no sólo un retrato, sino un retrato tridimensional; un cuerpo que no sólo sea una imagen sobre una tela, sino que habite el espacio y aparezca frente a nosotros, no como una ilustración de algo, sino como una entidad en sí misma que nos confronta.

 

Objetivos del curso:

  • Elaboración y manejo didáctico del óleo fluido, semifluido y saturado.
  • Barnicetas y cargas. Características y sus aplicaciones.
  • La estructura ósea.
  • Construcción volumétrica y muscular.
  • El desnudo y la elección de la paleta cromática.
  • La iluminación y el pelo humano.
  • Brillos y reflejos.
  • Realización de un cuadro de retrato al óleo por alumno.
6 Procedimientos técnicos de Degas para la pintura al pastel. Viernes 9 y Sábado 10 de Diciembre de 2016 De 10:00 a 14:00 Hr. y 15:30 a 19:30 Hr. $3600.00 (incluye materiales)
Edgar Degas (1834 – 1917) fue un artista francés famoso por sus pinturas, esculturas, grabados y dibujos. Se le identifica por su uso particular de la técnica de gis al pastel y por sus múltiples trabajos en los que retrató bailarinas, ya que más de la mitad de su obra posee esta misma temática. Es reconocido como uno de los fundadores del impresionismo, sin embargo él siempre se consideró a sí mismo un pintor realista.

La técnica de gis al pastel que Degas tanto utilizó en su tiempo, fue mencionada por primera vez por Leonardo da Vinci en 1495. Durante el siglo XVII esta técnica alcanzó su edad de oro y durante el siglo XVIII alcanzó la apoteosis. En esa época, ésta se solía usar como una técnica mixta con gouache y era la técnica de moda para pintar retratos. Los pintores Quintin de Latour y Jean Simone Chardin fueron grandes exponentes de la misma, aunque prácticamente cayó en desuso después de la revolución francesa en beneficio del óleo. Pese a que este medio nunca volvió a tener el gran auge que en algún momento tuvo, fue utilizado posteriormente por grandes artistas, entre ellos Edgar Degas.

“El arte es un vicio, no se cansa uno con él de la vida” —Edgar Degas.

La pintura de Degas marcó profundamente el arte de la segunda mitad del siglo XIX, separando la figuración de la representación preciosista y haciendo un uso más expresivo y emocional de la pintura. El resultado de sus exploraciones fue una pintura con alta precisión cromática, profundamente figurativa, mas no mimética; una pintura que dejaba siempre a la vista su proceso, incluso la agitación constante del color y la ejecución nerviosa del trazo. La pintura de Degas es una pintura llena de luces centelleantes, contrastes estridentes y un determinado intento de deshacer las formas, explorando la superficie del lienzo y permitiendo y conservando los accidentes, manteniendo un ritmo al hacerlo.

La técnica pictórica de Degas es una que busca producir efectos intimistas. El adecuó los ambientes a las necesidades de su obra, transformó la emoción mediante el colorido y exaltó la luz de sus ambientes. Luz azul, caras verdes, vestidos rojos con luces amarillo limón y sombras moradas. Degas enfatizaba las atmósferas para conseguir emociones por color. Valiéndose de la fotografía para plantear las composiciones de sus cuadros, construyó todo un sistema propio de trabajo basándose en la técnica ya existente de gis al pastel y explorándola en conjunto con otros medios. Degas construía su pintura a partir de acuarela, pastel, tinta y carboncillo, a lo que también añadió una mezcla de gises y temples, volviéndola parecida en algunos casos a lo que después se llamaría gis oleoso.

La técnica de pastel a la manera de Degas, es una técnica mixta en la que se trabaja con pigmentos aplicados sobre un fondo áspero, con la cual se logra gran expresividad y un sistema de trabajo veloz y espontáneo. Ésta técnica posee gran frescura e inmediatez y aún pasando décadas, e incluso siglos, no presenta amarilleo ni resquebrajamiento.

Objetivos del taller:

 

  • Preparación del papel.
  • Elaboración de gises, medios fluidos y fijadores.
  • Entonado y saturación de color.
  • Sistema de yuxtaposición de colores.
  • Acentos de luces y veladuras.
  • Elaboración de un cuadro con la técnica pictórica de Edgar Degas.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832.

Todos los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma que cada alumno debe traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $600.00.

Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Todos los cursos son impartidos en Nuestro taller.

Informes: (55) 5373-1059, [email protected]

La pintura minimalista de Frank Stella

octubre 24, 2016

En el año 2015, el museo Whitney de arte estadounidense dedicó su primera gran retrospectiva al pintor minimalista Frank Stella, con la intención de engalanar su reciente apertura. En el mismo año, este artista fue considerado por muchos como uno de los artistas vivos mas influyentes e importantes del 2015.

Frank Stella (12 mayo 1936) es el pintor minimalista por excelencia; fue uno de los primeros pintores en enfatizar la pintura como objeto y no sólo como imagen. Su frase “lo que ves es lo que ves” se convirtió en el grito de batalla del arte minimalista y su famosa serie de cuadros negros, hechos con pintura de casa en gran formato, e inspirados en la arquitectura, le ganaron un lugar especial en la historia del arte del siglo XX.

 

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Frank Stella, Club onyx steven steps (Club Onix siete pasos), 1967, litografía, 38.1 x 55.9 cm.

 

Durante el siglo XX la pintura se volvió mucho más reflexiva, quizá como nunca antes en su historia. Durante el modernismo y épocas posteriores, el vínculo de la pintura con la filosofía y la teoría artística se estrechó profundamente. Los pintores se comenzaron a dedicar, ya no sólo a pensar sobre color, forma, trazo y técnica, sino también a reflexionar sobre las implicaciones que posee el acto mismo de pintar -como acción y como lenguaje- y sobre la pintura, no sólo como imagen, sino como objeto.

Uno de los más prominentes teóricos del arte del siglo XX, el estadounidense Clement Greenberg, fue de los que impulsó con más fuerza la transición hacia un arte más filosófico. Greenberg habló sobre este suceso como una necesidad intrínseca y esencial del pensamiento artístico moderno:

“La esencia del modernismo yace, como yo lo veo, en el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar dicha disciplina en sí misma – no para subvertirla, sino para establecerla con mayor firmeza en su área de competencia.”

 

Ad Reinhardt: Abstract Painting no. 4, 1961

Ad Reinhardt, Abstract Painting no. 4 (Pintura abstracta no. 5), 1961.

 

También el pintor Ad Reinhard, uno de los que más se involucraron con esta corriente de pensamiento en la misma época, mencionó al respecto:

 

La temática más importante de los últimos cien años de arte moderno es la atención que el arte ha puesto sobre sí mismo, la preocupación del arte respecto a sus propios procesos y medios, su propia identidad y particularidades, su propio sentido y sus declaraciones, así como su creciente conciencia respecto a su propia evolución, historia y destino encaminado a la libertad. La atención que el arte ha dado a su propia dignidad, su propia esencia, sus propias razones, su propia moral y su propia conciencia.

 

Durante el modernismo, e incluso antes de éste -desde mediados y finales del siglo XIX-, distintos artistas comenzaron a cuestionarse con mayor detenimiento qué es el arte. Es por esta razón que se formularon, tanto de manera conceptual como formal, preguntas como: ¿Es una pintura, simplemente por ser una pintura, una obra de arte? ¿Qué hace de una pintura una obra de arte? ¿Dónde yace realmente la obra de arte? ¿Qué hace que una pintura sea una pintura? ¿Qué hace que una escultura sea una escultura? ¿Qué hace que un objeto artístico sea un objeto artístico?

Durante los primeros años de la segunda mitad del siglo XX, uno de los artistas que hicieron comentarios más atinados respecto a algunas de estas preguntas fue el pintor Frank Stella, particularmente a través de su serie de pinturas negras.

 

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Frank Stella, Emperatriz de India, 1965, polvo metálico polimerizado en emulsión sobre lienzo, 198 x 569 cm.

 

En sus pinturas negras, Frank Stella entabló un diálogo con la filosofía del crítico Clement Greenberg y los pintores expresionistas abstractos, enfatizando aspectos de esta misma ideología de una forma completamente distinta de aquellas que otros habían considerado previamente.

El crítico Clement Greenberg abogaba por una pintura libre de referencias externas, que no tuviera que actuar como vehículo de la literatura y subordinarse a ésta y sus narrativas, que fuera una pintura autónoma que, no sólo no necesitaba de representación, sino que nunca la había necesitado. Pero la autorreferencialidad implícita de esta postura no había sido explorada conceptualmente del todo en el expresionismo abstracto, hasta la llegada de Frank Stella.

Bien podríamos decir que, pese a que las obras de los expresionistas abstractos no se limitaron a la representación, el interés de muchos de aquellos pintores se situaba en la manifestación de la emoción humana. Aunque no la manifestaran a través de la representación y narrativa, sí lo hacían mediante el color, el trazo y la materialidad. En oposición a estos intentos y en su aspecto formal, las pinturas negras de Frank Stella hicieron que no necesitar referencias externas en la realización de una obra de arte tomara una aproximación conceptual completamente contraria a la visceralidad que los expresionistas abstractos habían enfatizado con el mismo fin.

 

Frank Stella, Zambezi, 1959, pigmento metálico polimerizado sobre lienzo.

Frank Stella, Zambezi, pigmento metálico polimerizado sobre lienzo, 1959.

 

Stella fue uno de los primeros pintores en replantear el dinamismo del expresionismo abstracto en composiciones angulares y planos de colores lisos. Una de las características de la pintura de Frank Stella es su amplio uso de patrones y simetría. Si bien los expresionistas abstractos utilizaban la línea, la forma y el trazo para transmitir emociones a partir del gesto, el uso de patrones dibujísticos en la pintura de Stella pareciera intentar borrar la mano del pintor y su psique de las telas. Ciñéndose exclusivamente a reproducir un patrón específico de forma idéntica sobre el lienzo, Stella acentuaba la objetualidad de los lienzos, emancipándolos de su instrumentalidad como simples vehículos de narrativas determinadas.

“Lo que ves es lo que ves”, solía decir Frank Stella respecto a sus cuadros, y al relacionarnos con ellos como espectadores no nos estamos relacionando con el alma de un artista puesta sobre un lienzo, como podrían alegar algunos expresionistas abstractos. Nos relacionamos con un objeto, haciendo que la relación espectador-pintura tome un rumbo distinto al que las artes visuales habían sostenido durante muchos siglos con sus espectadores. Este cambio permitió que el arte comenzara a adentrarse en un terreno que había sido explorado más ampliamente por la arquitectura que por artistas.

 

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Frank Stella, Nunca pasa nada, 1959,

 

Uno de los elementos más significativos del arte minimalista es el peso que pone sobre la relación entre el cuerpo del espectador y el objeto artístico, la cual se inspira en la relación cuerpo – objeto – espacio en la arquitectura. En este sentido, la forma de observar una obra minimalista implica prestar atención a la sensación que produce la dimensión de la obra, en conjunto con todos sus otros elementos. Una pintura de 3 metros produce una sensación muy distinta que una de 10 metros o una de 20 cm, y eso sin tomar aún en cuenta su forma y composición u otros aspectos de la misma. Debido al énfasis que el minimalismo puso sobre el vínculo de la obra de arte con el cuerpo del espectador, no sólo se acentuó en este movimiento la materialidad de las obras, como ocurriera también en el expresionismo abstracto, sino también su objetualidad.

Frank Stella fue el primer artista en plantear exitosamente en su obra, tanto de manera formal como conceptual, la relación entre objeto y espectador que existe en toda obra de arte, y como tal es uno de las artistas más influyentes de la segundo mitad del siglo XX. Por medio de su serie de pinturas negras, fue Stella quien abrió la puerta a la exploración plástica – conceptual de muchos otros artistas, tanto minimalistas como posteriores, indispensable para que fuera posible el desarrollo que tuvo el arte desde entonces y hasta tiempos actuales.

La técnica de pintura a la caseína

octubre 17, 2016

La caseína (del latín caseus, “queso”) es el nombre que se le da a una familia de fosfoproteínas relacionadas, empleada por distintos pintores a lo largo de la historia como medio para pintar o fijar materiales en sus pinturas. Este compuesto se encuentra comúnmente en la leche de diversos mamíferos, así como también en la sangre de distintos animales. La caseína posee una gran variedad de usos, desde ser uno de los componentes principales del queso, hasta sus ya mencionados usos como pegamento o medio para fabricar pintura.

La caseína ha sido utilizada como medio para pintar desde hace varios siglos. Incluso podríamos decir que ha sido empleada desde hace milenios, ya que los pintores de las cavernas inconscientemente hicieron uso de sus cualidades como fijador, al pintar con sangre, leche u otros fluidos animales que la contienen. En épocas mas cercanas a la nuestra -más cercanas que la época de las cavernas-, la caseína fue utilizada por artesanos que fabricaban cartonería, o por pintores que hacían trabajos en papel o pergamino, como las ilustraciones de manuscritos de la Edad Media. En el caso de los manuscritos, algunas de sus ilustraciones se realizaban con temple de leche, el cual por las características brillantes y fijantes de la caseína, era ideal para adherir los pigmentos a las páginas de tal forma que aguantaran el movimiento que implica pasar las páginas al leer los libros, sin caerse con el tiempo.

 

Descent of the Holy Spirit, The Black Hours, c. 1475

Descenso del Espíritu Santo, The Black Hours (Libro negro de las horas), c. 1475.

 

La caseína como medio de pintura fue también ampliamente utilizada en Egipto, a manera de temple de caseína. Como muchos sabrán, la pintura al temple es una que utiliza huevo como medio principal, para pegar los pigmentos al soporte. El temple de caseína posee las mismas características del temple de huevo tradicional, que son una gran luminosidad en el color y ventajas para ser trabajado a manera de veladuras; a esto se suman las características de la caseína, que son un pegado mucho más fuerte al soporte que el que permite el temple por sí solo, así como la capacidad de cargar una mucho mayor cantidad de pigmentos, por la propia adherencia del medio.

Otra importante ventaja que la caseína le presta al temple al ser mezclado con éste, es el hecho de que la caseína con el tiempo se vuelve insoluble al agua e impermeable, ayudando así a dar una solución parcial a problemas que el temple tiende desarrollar, debido a su sensibilidad al exceso de humedad del ambiente. La pintura de caseína y de temple de caseína son ideales para ser utilizadas sobre papel, muros, maderas, piedras, etcétera, debido al impresionante anclaje que ésta posee. Lo que se trabaja con ella tiene la gran virtud de poder sobrevivir a sus creadores por varios siglos, gracias a su impactante capacidad de pegado y a su cualidad de volverse insoluble al agua.

 

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Fresco en la tumba de Nebamun, fragmento de una pintura policrómática, Egipto, h. 1350 A.C.

 

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Retrato de un hombre joven, de los retratos mortuorios de El Fayum, temple con cera sobre madera, principios del siglo III D.C.

 

Una gran virtud que presenta la pintura de caseína es su capacidad de ser utilizada en conjunto con técnicas de cera, a manera de técnica mixta. Esta cualidad se la da el hecho de que la pintura de caseína, una vez evaporada el agua que contiene, es una pintura muy seca y absorbente. La caseína es un pegamento sumamente fuerte, por lo que no es necesaria una gran cantidad para pegar volúmenes grandes de cargas o pigmentos sobre un soporte. Esta particularidad la vuelve una técnica que, una vez seca, produce superficies sumamente absorbentes, que tienen la misma textura de los polvos y pigmentos que se usaran para pintar sobre el soporte.

El tipo de superficies producidas por la pintura de caseína son ideales para posteriormente ser trabajadas con materiales que requieren de gran absorción para estimular su adherencia y secado, como podrían ser las técnicas de cera como el jabón de cera, el temple de jabón de cera y la técnica de encausto. La técnica mixta de cera y caseína fue también ampliamente utilizada en Egipto, y la podemos encontrar en trabajos como los retratos mortuorios del Fayum. Hoy en día, la caseína suele utilizarse para realizar imprimaturas óptimas para la técnica de encausto.

 

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Gustave Klimt, Frizo de Beethoven, caseína sobre muro, 1901.

 

Si bien la técnica de caseína ha caído en desuso en últimos tiempos, fue ampliamente utilizada en distintos oficios, aún hasta mediados de los años 50 del siglo XX. Gracias a lo barato que puede ser pintar en técnica de caseína, a la posibilidad que ella permite de preparar fácilmente grandes cantidades de pintura y a su cualidad de volverse insoluble al agua con el tiempo, la pintura de caseína fue utilizada considerablemente durante el siglo XIX como pintura para muros y también como técnica mural. Un buen ejemplo de la técnica de caseína utilizada en pintura mural es el Frizo de Beethoven, pintado por el pintor Gustave Klimt en 1901.

Otro uso común que tuvo la pintura de caseína, aún hasta mediados del siglo XX, fue su uso como medio para ilustración, uso que sería sustituido posteriormente por el acrílico, conforme éste fue aceptado por el mercado.

 

Edvard Munch, The Scream, 1893

Edvard Munch, El grito, óleo, temple de caseína, pastel y crayon sobre tabla, 1893

 

Pese a que la caseína no es actualmente un medio tan conocido como lo son el óleo, la acuarela o el acrílico, múltiples pintores famosos han hecho un uso extensivo de este medio en su pintura, ya sea como medio para pintar o como fijador de materiales. La famosa pintura El Grito de Edvard Munch fue realizada con temple de caseína, Degas usó la caseína para fijar sus pinturas de pastel, Turner la utilizó en muchos de sus apuntes, Matisse trabajó con caseína en algunos de sus trabajos y Klimt la utilizó en el Frizo de Beethoven, así como en partes de algunas de sus otras obras.

 

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Edgar Degas, pintura con pastel.

 

Edgar Degas y su técnica de pintura al pastel

octubre 10, 2016

Edgar Degas (19 Julio 1834 – 27 Septiembre 1917) fue un artista francés, famoso por sus pinturas, esculturas, grabados y dibujos. Se le identifica por su uso particular de la técnica de gis al pastel y por sus múltiples trabajos en los que retrató bailarinas, ya que más de la mitad de su obra posee esta misma temática. Es reconocido como uno de los fundadores del impresionismo. Sin embargo, él siempre se consideró a sí mismo un pintor realista.

 

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Edgar Degas.

 

La técnica de gis al pastel que Degas tanto utilizó, fue mencionada por primera vez por Leonardo da Vinci en 1495. Durante el siglo XVII esta técnica alcanzó su edad de oro y durante el siglo XVIII, alcanzó la apoteosis. En esa época, ésta se solía usar como una técnica mixta con gouache y era la técnica de moda para pintar retratos. Los pintores Quintin de Latour y Jean Simone Chardin fueron grandes exponentes de la misma, aunque cayó prácticamente en desuso después de la revolución francesa, en beneficio del óleo. Pese a que este medio nunca volvió a tener el gran auge que en algún momento tuvo, fue utilizado posteriormente por grandes artistas, entre ellos Edgar Degas.

 

“El arte es un vicio, no se cansa uno con él de la vida”   Edgar Degas.

 

 

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Edgard Degas, Gis al pastel sobre papel, 1898.

 

La pintura de Degas marcó profundamente el arte de la segundo mitad del siglo XIX. En cierto sentido, podríamos pensar su obra como un conciliador entre el pasado y el presente, debido a que consigue una manera distinta de ver los grandes motivos del pasado, renovados a través de una profunda síntesis estilística. Alejándose con el cambio del naturalismo y augurando la liberación de la pintura, Degas separó en su obra la figuración de la representación preciosista, haciendo un uso más expresivo y más emocional de la pintura.

El resultado de sus exploraciones fue una pintura con alta precisión cromática, profundamente figurativa, mas no mimética: una pintura que dejaba siempre a la vista su proceso, incluso la agitación constante del color y la ejecución nerviosa del trazo; una pintura llena de luces centelleantes, contrastes estridentes y un determinado intento de deshacer las formas. Su modo de pintar muestra líneas más sintéticas y menos descriptivas, que exploran la superficie del lienzo, permitiendo y conservando los accidentes y manteniendo un ritmo al hacerlo. Por medio de su pintura, Degas y otros impresionistas transformaron el juego plástico de la pintura para siempre.

 

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Edgar Degas, Después del baño, Gis al pastel sobre papel.

 

La técnica pictórica de Degas es una que busca producir efectos intimistas. Él adecuó los ambientes a las necesidades de su obra, transformó la emoción mediante el colorido y exaltó la luz de sus ambientes. Luz azul, caras verdes, vestidos rojos con luces amarillo limón y sombras moradas. Degas enfatizaba las atmósferas para conseguir emociones por color.

Fotógrafo aficionado, se valió extensivamente de este instrumento en las composiciones de sus cuadros. Así mismo, construyó todo un sistema propio de trabajo, basándose en la técnica ya existente de gis al pastel y explorándola en conjunto con otros medios. Degas elaboró su pintura a partir de acuarela, pastel, tinta y carboncillo, a lo que también añadió una mezcla de gises y temples, volviéndola parecida -en algunos casos- a lo que después se llamaría técnica de gis oleoso.

 

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Edgar Degas, Baño de Asiento, Gis al pastel sobre papel.

 

La técnica de pastel a la manera de Degas es una técnica mixta en la que se trabaja con pigmentos aplicados sobre un fondo áspero, con lo cual se logra gran expresividad y un sistema de trabajo veloz y espontáneo. Lo primero para trabajarla es teñir el sustrato, para luego hacer que el fondo se vuelva áspero. De esta forma, los pasteles se adherirán fácilmente al papel para luego fijarse. Ya fijos los pasteles, se pueden utilizar sobre ellos veladuras en las partes superiores. En su sistema de trabajo, Degas usaba capas sucesivas de pastel y, entre ellas, caseína, que es un medio adherente que posteriormente permite entonar los pasteles, si así se desea, usando otros medios. Ésta técnica posee gran frescura e inmediatez y aún pasando décadas, e incluso siglos, no hay amarilleo ni resquebrajamiento en ella.

 

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Edgar Degas, Dos bailarinas entrando al escenario, pastel sobre papel.

 

Los pintores de la época de Degas y de los otros impresionistas tienen la característica de poseer una enorme riqueza técnica gracias al conocimiento de los antiguos maestros, sumada a una impresionante libertad, que en gran medida se dio a partir de la revolución francesa, la industrialización y el nacimiento de la fotografía, entre otros sucesos de su contexto. Debido a estos importantes sucesos históricos, los pintores cuestionaron los paradigmas dentro de los cuales la pintura existía y, entre otras cosas, liberaron su uso del color y su trazo, así como también sus métodos de trabajo. Es por esa razón que en la pintura de Degas y la de otros de sus contemporáneos encontramos el uso de materiales conjuntos, los cuales de forma tradicional se utilizaban sólo por separado.

Entre estos artistas, que experimentaron y produjeron nuevas formas de aproximarse a la pintura y el arte, encontramos a Degas y su legado.

Curso: Técnicas para Dibujo y Pintura de Gustav Klimt, CDMX y Monterrey

octubre 4, 2016

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Curso Fecha Horario Precio
Técnicas para Dibujo y Pintura de Gustav Klimt –
Ciudad de México
Viernes 21 y Sábado 22 de Octubre de 2016 De 10 am a 2 pm y de 3:30 pm a 7:30 pm $3600.00 (Incluye la mayoría de los materiales)
Técnicas para Dibujo y Pintura de Gustav Klimt, Segundo Módulo –
Monterrey
Sábado 12 y Domingo 13 de Noviembre de 2016 Sábado de 10:00 a 20:00 hrs., domingo de 10:00 a 19:00 hrs. $3,700.00 (materiales por separado)
La obra de Gustav Klimt (1862-1918), uno de los artistas más destacados de la historia del arte moderno es la fusión de distintos géneros artísticos y metodologías de trabajo provenientes del arte, del diseño y del oficio que heredó de su padre.

Fue formado en el lenguaje del pintor, diseñador y decorador Hans Makart con un estilo técnico minucioso entre el naturalismo y el simbolismo, con cargas alegóricas pertenecientes a mundos como la música y el teatro. Asimismo su obra fue influida por el Art Nouveau, Art Deco y Jugendstil que asimilados por Klimt detonaron en sugerencias y misterios en su obra

Desde temprana edad aprendió con su padre varias técnicas artísticas que analizaremos y practicaremos, tales como realces blancos para papel, lápiz graso, aplicaciones de oro, pintura sobre metal, relieves, y esgrafiados para imprimaturas texturadas, técnicas mixtas de gouache, acuarela, jabón de cera, y óleo. Complementó sus estudios en la escuela de artes aplicadas y en el museo austriaco imperial de arte donde aprendió dibujo y pintura figurativa.

Con esta amplia variedad de técnicas y procedimientos la obra de Gustav Klimt muestra una muy personal, consistente y rica técnica pictórica, que puede beneficiar los resultados plásticos de los artistas de hoy.

  • Analizar recursos técnico y materiales empleados por el pintor para texturar, anexar oro en sus cuadros y sus procedimientos para aplicar las capas de pintura.
  • Elaboraremos un ejercicio con la técnica de Gustav Klimt.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. La mayoría de los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Informes: (55) 5373-1059 y (55) 5373-8888 ext. 101, [email protected]

Informes Monterrey: (cel) 045-81-8287-4429, [email protected]

Clases de pintura los sábados

octubre 4, 2016

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Existen varias razones por las cuales tomar clases de pintura; las artes son actividades que enriquecen tanto la vida de sus creadores como la de sus espectadores. Nos obligan a reflexionar y nos estimulan intelectualmente, de igual modo que nos sensibilizan abriendo puertas a distintas formas de ver el mundo.

Estudiantes de pintura, pintores aficionados y profesionales se acercan a nuestro taller con la intención de profundizar más en el conocimiento de las técnicas y los materiales de la pintura, o bien para entender más sobre el color, la luz, el dibujo y las capas de pintura. La intención es encontrar nuevas posibilidades que puedan explorar en su propia obra.

En muchas ocasiones también se acercan a nosotros personas de otras carreras, como fotografía, música y arquitectura, entre otras, para encontrar posibilidades artísticas distintas o expandir las mismas que ya poseen y traer sus descubrimientos a su propio campo de trabajo.

 

Curso Fecha Horario Precio
Clases libres de pintura y dibujo Días sábados Dos horarios: de 10 AM a 2 PM y de 3:30 pm a 7:30 pm $1500.00 mensual, $600.00 inscripción única
Las clases de pintura de los sábados son clases prácticas de taller, lo que quiere decir que lo que más se hace en ellas es pintar y dibujar, afinando tanto técnicas como procedimientos pictóricos -sean simples o complejos-, dependiendo de las necesidades de los alumnos. Aunque estas clases son principalmente prácticas, también damos atención a la teoría y a la historia del arte, la mayoría de las veces desde un punto de vista enfocado a la práctica o con el fin de enriquecer la labor creativa misma. Con esta exploración no sólo buscamos abrir nuevas posibilidades intelectuales y de diálogo, sino principalmente aportar beneficios a la obra personal de quienes forman parte de los talleres.

Objetivos generales:

  • Exploración y análisis desde técnicas básicas de pintura hasta procedimientos complejos, todo según los intereses de los alumnos y su experiencia.
  • Estudio de distintos aspectos de teoría e historia del arte con los cuales enriquecer el acto mismo de pintar.
  • Análisis de diversos aspectos de la teoría del color con los cuales enriquecer las posibilidades plásticas y los resultados que se logran en los cuadros.

 

Horarios y fechas:

Las clases se imparten los días sábados en dos horarios de los que los alumnos pueden escoger el que más les convenga o, en caso de desearlo, tomar ambos.

  • De 10 am a 2 pm.
  • De 3:30 pm a 7:30 pm.

Precio:

El costo de inscripción es de $600 pesos (pago único). La tarifa mensual es de $1,500 pesos, y contempla 4 clases sabatinas semanales de 4 horas. En caso de que el alumno no pueda asistir a alguna de las clases, ésta podrá ser repuesta en otra ocasión sin costo adicional. Sólo se repone una clase por mes.

No todos los materiales que serán utilizados durante el curso están incluidos en la tarifa mensual, ya que dependerán de los intereses y el desarrollo de cada alumno.

Curso impartido por el maestro Jorge A. González García. Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y ayudante desde 2005 de la maestra Luz García, fundadora del taller Ttamayo.

Informes: (55) 5373-1059 y (55) 5373-8888 ext. 101, [email protected]

Curso de Técnicas y Materiales – Enero 2017

octubre 4, 2016

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La maestra Luz García Ordóñez impartirá el siguiente curso en el mes de enero de 2017:

Curso Fecha Horario Precio
1 Técnicas y Materiales en la Pintura Artística Viernes 13 y sábado 14 de Enero de 2017 De 10 am a 2 pm y de 3:30 pm a 7:30 pm $3600.00 (Incluye la mayoría de los materiales)
A través de la historia de la pintura, los pintores han utilizado diversos soportes medios y materiales cuyas características otorgan a los colores cohesión y anclaje así como distintas calidades ópticas: transparencia, opacidad, saturación, brillo, etc. Las técnicas pictóricas, tales como el temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc., dotan de personalidad única a los colores mediante el uso de diversos medios.

Es en “la cocina del artista” —como se le suele nombrar al trabajo de taller— en donde se experimenta con las técnicas y donde se utilizan, producen y comprenden las esencias, barnices, aceites, resinas, gomas, ceras, antifungales, secativos, acrilatos, cargas y pigmentos, entre otros muchos materiales.

Objetivos generales:

  • Brindar información practico-didáctica para preparar soportes con diferentes imprimaturas, elaborar barnices, barnicetas, óleos, encausto, acuarelas, gouache, gises al pastel, pintura acrílica, a la caseína, al jabón de cera, al temple y mixtas.
  • Demostrar procedimientos varios para el uso práctico de las diferentes técnicas de pintura.

Se ofrece un 10% de descuento para estudiantes y maestros con credencial vigente.

Todos los cursos incluyen Diploma con valor curricular S.E.P. Reg. 832. La mayoría de los cursos incluyen materiales (excepto pinceles, espátulas, cuaderno de apuntes, lápiz, goma y pluma, que cada alumno deberá traer por su cuenta).

Puedes apartar tu lugar con un anticipo de $1000.00. Por favor mándanos un email a [email protected] para brindarte el número de cuenta.

Informes: (55) 5373-1059 y (55) 5373-8888 ext. 101, [email protected]

El desnudo al óleo con modelo.

octubre 3, 2016

A lo largo de la historia de la pintura han existido distintas técnicas a través de las cuales los pintores han retratado la figura humana: acuarela, encausto, lápiz, caseína, carboncillo, entre otras. Sin embargo, hay una diferencia entre todas estas técnicas, y es que cada uno de estos medios exige una manera propia de aproximarse a la representación pictórica. Es imposible retratar un modelo con carboncillo de la misma manera que se haría con acuarela, o inclusive con lápiz.

Los diferentes medios no sólo nos exigen formas distintas de trabajo, sino que gracias a sus características diversas también nos ofrecen distintas posibilidades pictóricas. Dependiendo de si conocemos estas posibilidades o no, y de si las dominamos e incluso de si nos interesan, tendremos la oportunidad de exaltarlas en nuestra obra de forma consciente, si así lo deseamos.

 

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Velazquez, La Fragua de Vulcano, óleo sobre tela, 1630.

 

Algunos medios son delgados y fluidos como la acuarela; otros son pastosos como el encausto. En este texto me enfocaré en el uso del óleo en relación con la figura humana. El óleo tiene la cualidad de poder ser utilizado tanto de forma fluida como empastada, otorgando al pintor una gran cantidad de posibilidades que son particularmente interesantes al trabajar el cuerpo humano. Nuestro cuerpo tiene diversas características que, así como le hacen sumamente atractivo, le vuelven una temática pictórica bastante compleja. Para retratar la figura humana con precisión, y obtener el mayor partido de sus características, se requiere un medio que permita explorar sus diversos aspectos.

El cuerpo humano posee, por un lado estructura, por otro, movimiento, tridimensión y por último, la piel. Para ser captados asertivamente, la estructura y el movimiento requieren de un medio fluido y de un dibujo preciso. Necesitan que el pintor conozca desde adentro el cuerpo, los huesos y los músculos, y que tenga la capacidad, no sólo de copiarlos, sino de reproducirlos con libertad y espontaneidad. Para esto, el medio debe tener la capacidad de responder ante la acción del artista y el óleo es un medio que tiene la capacidad de hacerlo. Otra ventaja del óleo es que, así como en su estado fluido tiene la capacidad de registrar la libertad del trazo, es también capaz de exaltar el volumen del cuerpo representado. Cuando hablo aquí de volumen, no sólo me refiero al que se produce a través de la ilusión de luces y sombras, sino a aquel que se genera por medio de la corporeidad misma del material, ya que sobre el lienzo es ésta la que se convierte en la materialidad misma del cuerpo representado.

El óleo es un medio sumamente interesante para trabajar la figura humana, debido a que el propio cuerpo del medio tiene la capacidad en sí mismo de convertirse en el cuerpo del objeto representado sobre el lienzo, gracias a sus características. Artistas de distintas épocas como Rembrandt, Tiziano, Van Gogh, Baselitz y otros grandes pintores del pasado y el presente hicieron uso de esta cualidad del material en los cuerpos y rostros que retrataron.

 

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Baselitz, Hotplate fa caldo (Ofenplatte fa caldo), 2015.

 

 

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Rembrandt, Bathsheba con la carta de David, óleo sobre tela, 142 x 142 cm, 1654.

 

Otra característica importante del cuerpo humano es su colorido, el cual -debido a las características de la carne- es considerablemente complejo de representar. Un medio que nos permita explorar con profundidad la encarnación en la pintura debe tener la capacidad de producir veladuras de distintos grosores: algunas sutiles que permitan la transparencia y, a la vez, otras que puedan producir gran opacidad para jugar libremente con el color, el medio y la luz física para lograr las difíciles calidades de la piel que requieren tan diversos tonos.

Una de las técnicas capaces de satisfacer todas estas diversas necesidades y que ha sido durante varios siglos la preferida por grandes pintores de la figura humana, es el óleo. No obstante, cuando hablo de óleo no me refiero únicamente al óleo que apretamos de un tubo y esparcimos con un pincel sobre un lienzo. Me refiero a una técnica de óleo que implica más elementos, particularmente cargas y distintas barnicetas para trabajar de manera óptima. Una buena técnica de óleo nos permite trabajar de forma sumamente fluida y espontánea, pastosa, densa y texturada, y a la vez traslúcida u opaca, con diversas calidades de brillo y diferentes tipos de glaseados, dependiendo de nuestros intereses y necesidades pictóricas. Todos estos pasos permiten obtener, no sólo un retrato, sino un retrato tridimensional, un cuerpo que no sólo sea una imagen sobre una tela, sino que habite el espacio y aparezca frente a nosotros, no como una ilustración de algo, sino como una entidad en sí misma que nos confronta.

 

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Lucian Freud, Retrato sobre cobertor blanco, óleo sobre tela, 2003.

 

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Jenny Saville, Desnudo.