Diferencias y similitudes entre el dibujo y la pintura

febrero 13, 2020

Al momento de pintar, dependiendo del tipo de obra y estilo que quieras expresar, un dibujo acorde a tus intenciones podría proporcionarte una ayuda extra. Si bien algunos pintores no consideran el dibujo necesario, como fué el caso de Caravaggio quien es famoso por no dibujar, hay momentos en los que dibujar es esencial. 

En este artículo te hablaré de cómo el dibujo puede ser beneficioso al momento de crear una pintura. Aunque no es una condición restrictiva para pintar, saber dibujar, te permitirá tener una estructura sólida y mayor libertad en tu obra. Así, podrás pintar en cualquier estilo, desde dibujos animados hasta hiperrealismo, contribuyendo a enriquecer tu arsenal de herramientas artísticas.

Definición del Dibujo y la Pintura

Fundamentalmente, dibujar y pintar no son lo mismo, pero tampoco es que sean tan lejanos.

Por un lado, el dibujo puede ser definido como el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos, tonos claros y obscuros.

La clave para entender conceptualmente el dibujo tiene que ver con la palabra gráfica, que es empleada también en áreas no relacionadas con el arte. En cierta forma graficar quiere decir sintetizar drásticamente algo a los elementos esenciales que requiere para ser comprendido. Eso es en cierta forma el dibujo.

Por otra parte la pintura muchas veces va más allá de los elementos esenciales requeridos para la representación gráfica de algo.

Sus diferencias

Las herramientas utilizadas en ambas disciplinas en algunas ocasiones son las mismas. Sin embargo la forma de representar es diferente. Por un lado, el dibujo es por lo general la delineación en una superficie, habitualmente de papel. En la pintura generalmente se recurre a la mancha, mientras que para el dibujo se utiliza la línea. Es decir, la diferencia principal entre ambos se encuentra en el recurso comunicativo que cada uno usa.

Por otra parte, la relación entre ambos es muy estrecha, ya que la pintura es generalmente la ejecución o acabado del dibujo mediante la inserción de de más colores y materialidad. Además, el dibujo también es considerado como un subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, sin embargo, hay quien considera que no forma parte de la pintura como técnica de representación.

Relación entre el Dibujo y la Pintura

El vínculo entre el dibujo y otras formas de arte es muy estrecho.  Existe un estado de dependencia mutua en particular entre la pintura y el dibujo, sobre todo en el caso de bocetos y estudios preliminares para la composición de una pintura. 

El dibujo prepara el camino para la pintura al proporcionar una idea preliminar y una predeterminación del concepto del artista de una obra determinada. Muchos dibujos que ahora se consideran de alto valor artístico, fueron originalmente creados para los fines de la pintura o la escultura. Sin embargo, estos dibujos son completos, autónomos y estéticamente satisfactorios.

Libro de bocetos de Leonardo da Vinci. Se detallan dibujos de la famosa obra La ultima cena

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Título: La última cena. Autor: Leonardo da Vinci. Fecha: 1495-1498. Técnica: Temple y óleo sobre yeso. Dimensiones: 880 cm × 460 cm. Colección: Santa María de la gracia, Milán, Italia

La estrecha relación entre el dibujo y la pintura se evidencia por las características estilísticas que son comunes en ambos. Coinciden en muchos detalles de contenido y forma: 

  • Mediciones
  • Proporciones de figuras
  • Relación de las figuras con el espacio circundante
  • Perspectiva y planos
  • La distribución del tema dentro de la composición según el orden estático, la simetría y el equilibrio de las masas o según los contrastes
  • Los puntos de fuga excéntricos y la sobre acentuación de elementos individuales
  • Representación de planos y perspectiva por color en base a valores tonales y contrastes
  • El orden rítmico en unidades pictóricas separadas en contraste con el flujo continuo de líneas
  • Uso del claroscuro los valores tonales para generar volumen

Todos estos criterios son aplicables a ambas formas de arte. 

El carácter estilístico uniforme compartido por el dibujo y la pintura a menudo se expresa menos severamente en el dibujo. Esto es debido al flujo espontáneo del trazo del artista sin restricciones, o la “escritura a mano”, y de la lucha por la forma registrada en los pentimenti (indicaciones en el dibujo donde el artista cambia de opinión y modifica su formulación original). 

¿Es importante saber dibujar para poder pintar?

Esta pregunta aún hoy en día se continúa debatiendo. Sin embargo, en mi opinión muy personal, considero que no hay una respuesta categórica para esta pregunta, “depende” me parece una respuesta más adecuada. 

Dibujar es un paso que se debe implementar para algunos tipos de pintura, pero de ninguna manera es necesario para todo tipo de pintura.  Ciertamente puede ayudarte a ser un “mejor” artista, pero no implica que debas verte paralizado por no poder dibujar.

Saber dibujar o no para pintar dependerá básicamente de lo que quieras pintar. Si lo que te interesa es pintar algún objeto, persona o estructura concreta entonces saber dibujar te será de gran utilidad. Por el contrario, si el tema que te interesa representar es más abstracto dibujar no es tan importante.

Artista: JULIÃO SARMENTO. Titulo: Barnett Newman Fecha: 2018. Técnica: Suite of 3 aquatints on Hahnemuehle 350g paper. Dimensiones: 15.00 x 12.50 in 38.1 x 31.8 cm

La Pintura antes del Dibujo 

La pintura es un arte que implica expresión y descubrimiento. Puede tratarse de color y textura. Implica saber qué diferentes pigmentos y materiales pueden combinar juntos en el lienzo y cómo manipularlos para crear el efecto deseado. Por lo tanto,  aprender a pintar primero, te proporcionará una gran ventaja en cuanto a la composición y el patrón. Sin embargo, el inconveniente se presenta en a la hora de representar las formas, que podrían tener diversos fallos de proporción al no tener experiencia con el dibujo.

Título: Nenúfares y puente japonés. Artista: Claude Monet. Fecha: entre 1897 y 1899. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 89,7 cm x 90.5 cm. Colección: Museo de Arte de la Universidad de Princeton

Ventajas de saber Dibujar antes de Pintar

A continuación te hablaré de cuáles son las ventajas que te proporciona saber dibujar al momento de realizar una pintura:

  • Tu obra tendrá una estructura sólida y creíble, desde dibujos animados hasta pinturas hiperrealistas.
  • El acto de dibujar crea “flujo” y facilidad de expresión. Además de “afinar” tus ojos para observar y asimilar detalles y proporciones. Puedes tomarlo como un ejercicio de calentamiento realmente útil antes de comenzar a pintar. 
  • Si tu meta es aprender todos los conceptos y técnicas relacionados a los términos de valor tonal, línea, bordes, precisión de representación y composición, es mucho más fácil aprender y aplicar toda esta información sin la complejidad extra de la pintura. 
  • El acto de dibujar una escena antes de pintarla te hace pensar realmente en términos de luz, sombra, color, composición y los mejores materiales para usar. Simplemente pintar a partir de una fotografía realmente no funciona y te lleva a la trampa de copiar y retratar de manera idéntica cada detalle.
  • Los errores de perspectiva involuntarios en las pinturas realmente pueden arruinar el disfrute de los espectadores.  Los cambios de perspectiva previstos pueden crear intriga y dinamismo y normalmente son el resultado de muchos pensamientos y dibujos previos.
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Patrón de líneas en la famosa obra The Virgin and Child with Saint Anne

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Título: The Virgin and Child with Saint Anne. Artista: Leonardo da Vinci. Fecha: 1503–19. Técnica: Óleo sobre madera. Colección: The Louvre, Paris, Francia.

El Dibujo como Estructura para la Pintura

La pintura es un arte bidimensional debido a su soporte, el cual suele ser plano. Sin embargo también se debe a que el patrón plano de líneas y formas o dibujo, es un aspecto importante del diseño, incluso para aquellos pintores preocupados por crear ilusiones de gran profundidad. Por otra parte, cualquier marca hecha en la superficie de una pintura puede ser percibida como una declaración espacial.

Las formas en una pintura pueden equilibrarse entre sí como unidades de un patrón plano, y considerarse al mismo tiempo como componentes en un diseño espacial.

Las formas y masas geométricas son a menudo las unidades básicas en el diseño de dibujos, pinturas bizantinas e islámicas, y “composiciones escultóricas” como cuadros de figuras barrocas y neoclásicas. Los cuadrados, círculos y triángulos planos y superpuestos que crean el patrón de un mural románico, por ejemplo, se convierten en los componentes cúbicos, esféricos y piramidales entrelazados que encierran las figuras agrupadas y las características circundantes en una composición renacentista o neoclásica.

Artistas Famosos que dieron gran importancia al dibujo

Vincent Van Gogh

Vincent van Gogh dibujaba miles de imágenes para mejorar sus habilidades y para pasar el tiempo libre. Van Gogh dibujo por 7 años antes de comenzar a pintar formalmente. Muestra de su avidez por el dibujo se encuentra en las cartas que le envió a su hermano Theo.

Vincent van Gogh's Hombre joven con una pipa Drawing
Título: Hombre joven con una pipa. Artista: Vincent Van Gogh. Fecha: 1884. Dimensiones: 38 x 30 cm. Técnica: Lápiz y acuarela transparente sobre papel. Colección: Museo Van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos.


Pablo Picasso

Entre los elementos más interesantes en la obra de Pablo Picasso se encuentran sus dibujos de un trazo. En ellos demuestra su grandísima capacidad de sintesis y habilidad para dar vida con un único recorrido del lápiz.

Este tipo de dibujos no solo son un placer para la vista de quien las observe, sino que con estos ejercicios Picasso demuestra que el dibujo enseña a observar y pensar. Incluso,  cuando él quería analizar una obra de arte, primero recorría sus líneas esenciales con el dedo.

Título: Tête de Femme. Artista: Pablo Picasso. Fecha: 1985. Técnica: Lápiz sobre papel. Dimensiones: 27 x 21 cm . Colección: Desaparecido.

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Dibujar la figura humana: elementos a considerar para hacerlo con éxito

Guía para comprender la teoría del color y la luz en la pintura

febrero 5, 2020

El color es la impresión producida por una onda de luz en los órganos visuales. Por lo tanto, ambos conceptos, luz y color, se encuentran estrechamente vinculados entre sí. 

A continuación, te comparto una guía resumida de los conceptos más importantes a considerar en cuanto a luz y color en la pintura. Un estudio más detallado de estos temas te ayudará a mejorar tu capacidad de percepción y por lo tanto incrementar tu creatividad al pintar.

Relación entre el Color y la Luz

La relación entre la luz y el color tiene connotaciones físicas múltiples. Sin embargo, hoy estudiaremos aquellas más esenciales relacionadas con el espectro de luz humanamente perceptible. Es decir a la región del espectro electromagnético que el ojo humano es capaz de percibir.

A menudo solemos pensar que los objetos tienen colores fijos. Una manzana, por ejemplo, es roja. Pero en realidad, el color de un objeto resulta de la forma en la que se refleja la luz que cae sobre él.

En realidad, bajo luz blanca la manzana se ve roja porque refleja la luz en la fracción roja del espectro visible y absorbe la luz de las otras longitudes de onda.

Representación de las longitudes de ondas absorbidas y reflejadas en una manzana.

La Teoría del  Color      

La teoría del color consiste en un conjunto de principios que proporcionan orientación sobre la relación entre los colores, el porqué los mismos aparecen en la naturaleza bajo ciertas circunstancias y los impactos fisiológicos, y psicológicos de ciertas combinaciones de colores. 

La importancia de comprender la teoría del color supera con creces el simple hecho de saber mezclar los colores. Por lo tanto, comprender dicha teoría es uno de los aspectos imprescindibles de la pintura.  Principalmente, lo que necesitas comprender es la aplicación general de la teoría del color, la relación entre los colores y cómo los percibimos.

Circulo cromático

Términos Importantes de la Teoría del Color             

Existen un conjunto de términos en la teoría del color que a su vez se utilizan con regularidad en el arte. Sin embargo, en muchas ocasiones estos conceptos pueden confundirse y malinterpretarse. Parte de la razón por la que esto ocurre es que la teoría del color es muy amplia y no toda se relaciona de forma obvia con la pintura.

La teoría del color ha sido en realidad desarrollada por científicos, pensadores y artistas. Sin embargo, los lenguajes que distintas ramas del pensamiento utilizan no siempre es el mismo o bien se refieren por los mismos nombres a distintas cosas. Esta circunstancia puede traer consigo ciertos malentendidos. A continuación, repasaremos cada uno de ellos:

Los colores primarios

La frase colores primarios puede ser un poco confusa para algunas personas. Principalmente porque existen dos modelos básicos de colores primarios. Estos dos modelos de color son:

  • Color primario en luz (rojo, verde, azul)
  • Color primario de pigmento (cyan, magenta, amarillo)

Colores Primarios Aditivos (Luz)

El rojo, el verde y el azul ultramar son los colores primarios de la luz. Es decir, al combinarlos en diferentes proporciones se pueden crear los demás colores. Por ejemplo, la combinación de la luz roja con la luz verde da como resultado una luz amarilla. 

Este sistema de color primario aditivo es utilizado para fuentes de luz. Por ejemplo: televisores y monitores de computadora. Por lo tanto, a partir de la luz se pueden crear una amplia gama de colores. Cuando diferentes proporciones de luz roja, verde y azul ingresan a tu ojo, tu cerebro es capaz de interpretar las diferentes combinaciones como diferentes colores.

Cuando los tres colores primarios de luz se unen se crea como resultado luz blanca.

Colores primarios aditivos

Colores Primarios Sustractivos (pigmentos)

Existe otro conjunto de colores primarios con los que seguramente estás más familiarizado. Los colores primarios de pigmentos, también conocidos como primarios sustractivos, generalmente mencionados como rojo, azul y amarillo. Estos se usan cuando se producen colores a partir de la luz reflejada. Por ejemplo, al mezclar pintura o usar una impresora a color.

Los pigmentos son sustancias químicas que absorben longitudes de onda selectivas. Esto implica que evitan que ciertas longitudes de onda de luz se transmitan o reflejen. Debido a que las pinturas contienen pigmentos, cuando la luz blanca (que se compone de luz roja, verde y azul) impacta la pintura de color, solo se reflejan algunas de las longitudes de onda de la luz. Por ejemplo, la pintura cian absorbe la luz roja pero refleja la luz azul y verde; la pintura amarilla absorbe la luz azul pero refleja la luz roja y verde. 

Tradicionalmente se nos enseña en la escuela que los colores primarios son rojo, azul y amarillo. Sin embargo, al descubrirse cada vez más sobre el color espectral y cómo funcionan las longitudes de onda con las superficies (reflexión / absorción) y el ojo humano, el modelo azul-rojo-amarillo ha cambiado al modelo cyan, magenta, amarillo. Sin embargo, aun hoy en día se utiliza el modelo azul, rojo y amarillo para mezclar pinturas, y es la rueda de color más común que podrás encontrar en las tiendas de arte.

Colores primarios sustractivos

La Temperatura de los Colores                      

En relación a las pinturas, la temperatura del color se refiere a nuestra percepción de un color como cálido o frío. A muchos artistas les gusta dividir la rueda de colores en colores cálidos y fríos, como se muestra a continuación:

Rueda del color con los colores fríos y cálidos

Así, los rojos, naranjas y amarillos generalmente se consideran colores cálidos, y los azules y verdes generalmente se consideran colores fríos.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que la temperatura de color de nuestras pinturas es solo perceptual. Es decir que depende de la luz, la percepción, la perspectiva y otros muchos aspectos circunstanciales.

La realidad es que las pinturas no tienen ninguna temperatura de color intrínseca o fija. Simplemente se asocia ciertos colores como cálidos o fríos según sus circunstancias.

Como artista, es preferible pensar en la temperatura del color en términos relativos en lugar de términos absolutos. Esto se debe a que los colores no pueden existir por sí mismos. Es decir, solo serás capaz de identificar un color si y solo si tienes otro color para compararlo.

Decir que el azul es un color frío no es una declaración útil. Claro, cuando se compara con el rojo, parece ser un color frío. Pero eso no quiere decir que siempre lo sea. Los colores siempre son cálidos o fríos en relación a otros colores.

Cuando comiences a pensar en la temperatura del color (y el color en general) en términos relativos, verás una gama mucho más amplia de posibilidades para usar la temperatura del color en tus pinturas. 

En lugar de tratar de contrastar un color cálido como el rojo contra un color frío como el azul, verás oportunidades para crear contrastes mucho más sutiles de temperatura, o a la inversa contrastes muy radicales. Es decir, podrías realizar variaciones sutiles que pasarán de un azul cálido a un azul frío por ejemplo; o transiciones drásticas que pasen de un amarillo rojizo, a un morado azuloso. Así es como podrás ir logrando impresionantes vibraciones de color dentro de una pintura.  

Como dato curioso, pintores impresionistas y postimpresionistas como Monet y Van Gogh otorgaron gran atención a esto. Aprendieron a emplear la temperatura del color y el contraste para acentuar el color, la luz y la emoción en sus pinturas.

La Temperatura del Color y la Luz

Si pintas bajo la luz de una puesta de sol, los colores que verás serán muy diferentes a los colores que vería bajo la luz de un día nublado.

Claude Monet realizó su serie de pinturas sobre la Catedral de Rouen, así como otras muchas series para estudiar y dominar esta circunstancia. Esta estructura arquitectónica fue pintada por Monet en distintas horas del día, por lo tanto la luz y el color en cada uno de los cuadros de esta serie es diferente.

Título: Series Catedral de Ruan . Artista: Claude Monet. Fecha: 1892. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 107 cm x 73 cm. Colección: Musée d’Orsay, Francia.

Entonces, si la luz que ilumina a tu modelo es la luz naranja de una puesta de sol, deberás elegir los colores adecuados para generar la ilusión de ese ambiente. 

Si deseas saber más cobre el color y la temperatura revisa nuestro texto sobre temperatura de color y volumen.

Distintas impresiones de la Catedral de Ruan en diversos momentos del día capturados por Monet

Otros conceptos esenciales de la teoría del color

A continuación mencionaremos otros de los conceptos más importantes de la teoría del color. Tener una comprensión considerable de estos conceptos te será de utilidad en cualquier tipo de pintura y a todos los niveles de tu desarrollo artístico.

Saturación o croma

La saturación es la medida de la pureza o intensidad de un color. Es posible reducir la saturación de un color agregando blanco, gris o un color en el lado opuesto de la rueda de colores. 

Si elimináramos poco a poco la saturación de los colores de la rueda de color, daría como resultado lo expuesto a continuación:

Desaturación del círculo cromático

Tono o matiz

Tono es un término ampliamente incomprendido. Incluso, muchos artistas no están completamente seguros de lo que significa a pesar de que se usa con bastante frecuencia. Esta confusión surge en español debido a que utilizamos el término tono para referirnos a dos cosas diferentes.

Por un lado está el tono que generalmente se refiere a la longitud de onda dominante del color de los doce colores en la rueda de colores. Por ejemplo, el tono del mar es azul y el tono de la savia es verde. Este tono también puede sustituirse por el término matiz.

Los colores a continuación son tonos o matices.

Tonos

Por otro lado está el tono que se refiere al valor del color dentro de una escala de grises. A este nos referiremos a continuación.

Valor tonal

El valor, valor tonal o tono se refiere en esta circunstancia a qué tan claro u oscuro es el color en una escala de negro a blanco. Este término es uno de los más ampliamente considerados como una de las variables más importantes para el éxito de una pintura.

Si al momento de pintar deseas aclarar u oscurecer el valor de un color solo debes realizar estos dos sencillos pasos:

  • Para aumentar (aclarar) el valor de un color, deberás agregar blanco y / o algún color de valor tonal claro, como el amarillo.
  • Para disminuir (oscurecer) el valor de un color, deberás agregar negro, un color complementario y / o un color de valor obscuro, como el azul ultramar o algún morado.

El valor debe ser simple de entender, sin embargo, la inclusión del color puede convertirlo en un concepto difícil de percibir sin entrenamiento previo. Esto se debe a que es posible que tengas colores visiblemente diferentes pero con el mismo valor, ello dificultará distinguirlos.

Por ejemplo, si eliminas el color de la siguiente imagen, te quedarás con un rango de colores negros y blancos. En dicho rango el color negro será el valor más bajo, mientras que  el color blanco será el valor más alto. 

Título: Impression soleil levant. Artista: Claude Monet. Fecha: 1872. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 48 cm x 63 cm. Colección: Musée Marmottan Monet, Paris, Francia.

Esta es una de las razones por las cuales el dibujo es tan apreciado para mejorar la capacidad de pintar. El dibujo facilita la comprensión del concepto de valor sin tener que preocuparse por la inclusión del color.

El valor es considerado por muchos artistas como un concepto mucho más importante que el color en la pintura. Esto se debe a que el valor realmente establece la estructura de tu pintura en términos de luz, contraste e incluso composición.

¿Qué papel juegan los Valores Blanco y Negro?      

Si bien puede parecer lógico que para aclarar un color le agregues blanco y que para oscurecerlo agregues negro, esto es una simplificación excesiva. 

El blanco reduce la saturación, por lo que aunque aclara el color, puede eliminar su vitalidad. Por otra parte el negro no solo agrega oscuridad sino que ensucia los colores. En determinados casos el negro es especialmente útil, por ejemplo, la amplia gama de verdes que se puede producir cuando se mezcla con amarillo. Sin embargo hay colores que aparentan ser oscuros a la vez que muy puros. En estas circunstancias el negro no nos ayudará a recrearlos.

Te recomiendo que desarrolles tus habilidades en la mezcla de colores para producir tonos de intensidad variable. Por ejemplo, para aclarar un rojo, prueba agregar un poco de un color más claro como el amarillo y observa lo que ocurre. En otra circunstancia agrega blanco y observa lo que ocurre. Distintas formas de aclarar tus colores te serán útiles en distintos momentos.

Clave alta versus clave baja

Por ultimo, el valor tonal también nos sirve para producir ciertos tipos de contrastes. Es común escuchar o leer en el medio artístico cuadros descritos como de “clave alta” o “clave baja”. Esto se refiere a la escala de valor general utilizada en la pintura. Una pintura de clave alta tiene una escala de alto valor (claro) mientras que una pintura de clave baja usa una escala de bajo valor (oscura).

También existen cuadros de claves intermedia. Ello se refiere por un lado a que tan clara u obscura es la totalidad de la obra, pero también da pie a distintas formas de emplear el contraste dentro de distintas obras.

Clave mayor alta, intermedia y baja


Clave menor alta, intermedia y baja

Estos fueron algunos de los conceptos más importantes con respecto a la teoría del color. Si deseas conocer más sobre ellos te recomendamos los siguientes textos de nuestro blog.

Los colores como valores dentro de la escala de grises

Cuales son y como seleccionar tus colores primarios