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El método paranoico crítico de Dalí

julio 21, 2019

El método paranoico crítico es una técnica surrealista desarrollada por Salvador Dalí a principios de los años treinta. Lo empleó en la producción de pinturas y otras obras de arte, especialmente en aquellas que involucraban ilusiones ópticas y otras imágenes múltiples. La técnica consiste en que el artista invoca un estado paranoico. La paranoia es un temor de que el yo esté siendo manipulado, dirigido o controlado por otros. El resultado es una deconstrucción del concepto psicológico de identidad, de modo que la subjetividad se convierte en el aspecto principal de la obra de arte.

Orígenes

Los surrealistas relacionaron las teorías de la psicología con la idea de la creatividad y la producción de arte. A mediados de la década de 1930, André Breton escribió sobre una “crisis fundamental del objeto”. El objeto comenzó a ser pensado no como un objeto externo fijo sino también como una extensión de nuestro yo subjetivo, que se relaciona con el concepto de sincronicidad de Carl Jung. Uno de los tipos de objetos teorizados en el surrealismo fue el objeto fantasma.

Según Dalí, estos objetos tienen un mínimo de significado mecánico, pero cuando se ven, la mente evoca imágenes fantasma que son el resultado de actos inconscientes.

La crítica paranoica surgió de experimentos surrealistas similares con la psicología y la creación de imágenes como el frottage de Max Ernst o la decalcomania de Óscar Domínguez. Ambas son técnicas surrealistas, que implicaban frotar lápiz o tiza sobre una superficie texturizada e interpretar las imágenes fantasmas visibles en la textura sobre el papel.

Decalcomanía. Oscar Dominguez

Descripción del método paranoico crítico

El aspecto de la paranoia en el que estaba interesado Dalí y que ayudó a inspirar el método fue la capacidad del cerebro para percibir los vínculos entre las cosas que racionalmente no están vinculadas. Dalí describió el método paranoico-crítico como un “método espontáneo de conocimiento irracional basado en la objetividad crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones de los fenómenos delirantes”.

Uso del método

El uso del método al crear una obra de arte utiliza un proceso activo de la mente para visualizar imágenes en el trabajo e incorporarlas en el producto final. Un ejemplo del trabajo resultante es una imagen ambigua que se puede interpretar de diferentes maneras.

André Breton elogió el método, diciendo que era un “instrumento de importancia primordial” y que “se mostró inmediatamente capaz de aplicarse por igual a la pintura, a la poesía, al cine, en la construcción de objetos típicos surrealistas, la moda, escultura, historia del arte e incluso, si es necesario, todo tipo de exégesis”.

 

10 obras de Dalí y el método paranoico crítico

La persistencia de la memoria, 1931.

Constituye la pintura de surrealismo más popular en el mundo, aunque para entonces Salvador Dalí ya no era parte del movimiento artístico, La Persistencia de la memoria continúa ofreciendo numerosas representaciones, significados, símbolos e interpretaciones. Las imágenes inolvidables de los relojes que se derriten, la roca conocida en el Cap de Creus en Cataluña que parece una cabeza, el olivo sin hojas, el enjambre de hormigas, los paisajes desiertos de Cadaqués y su querida patria, todos los elementos que El artista usaría a lo largo de toda su carrera están allí presentes.

A menudo se piensa que la obra de arte es un autorretrato en un estado de sueño, en el que los relojes de fusión simbolizan el paso del tiempo cuando uno lo experimenta mientras duerme. Otra opinión popular sugiere que Dalí estaba incorporando una comprensión del mundo introducida por la teoría de la relatividad especial de Albert Einstein. Al preguntársele si este era el caso, Dalí respondió que los relojes blandos estaban inspirados meramente por la percepción surrealista de un “queso Camembert suave, extravagante, solitario, paranoico-crítico del espacio y el tiempo” que se funde al sol.

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Persistencia de la memoria (1931). Salvador Dalí

La desintegración de la persistencia de la memoria, 1954.

Tan pequeña en tamaño como La persistencia de la memoria, que mide solo 25,4 x 33 cm (10 x 13 pulgadas), la secuela de la famosa pintura cobró vida unos 23 años después, mostrando el paisaje bien conocido que se desintegra en átomos. Mientras que el primer trabajo se creó bajo la fuerte influencia de Freud y su análisis de sueños, el segundo reflejó la fascinación de Dalí por la ciencia de la era atómica y el mundo exterior de la física, guiado por el físico teórico Dr. Heisenberg.

El paisaje original se ha inundado de agua, rompiendo lo que está debajo y por encima de su superficie. El suelo ahora está dividido en formas de ladrillos, flotando bajo los misiles atómicos que sugieren que la humanidad podría provocar su propia destrucción. El artista agregó otro reloj de fusión, posiblemente provocado por el agua, y una imagen de un pez, como un símbolo de la vida. En cierto modo, la pintura representa la pérdida de interés de Dali por el surrealismo y el anuncio de su interés recientemente descubierto en la física nuclear y la religión.

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La desintegración de la persistencia de la memoria (1954). Salvador Dalí

Dormir, 1937

También conocido como Le Sommeil, Sueño de Dalí es otra obra de arte que representa el acto de dormir y soñar, el inconsciente. Aquí, vemos una cabeza grande, suave, sin cuerpo y con el apoyo de muletas. Esta imagen se convirtió en una marca registrada en el trabajo del pintor, como el símbolo de la fragilidad de los soportes que mantienen la “realidad”. Podemos sentir la intensidad de la pintura a medida que todo se apoya en las muletas, incluso el perro en el lado izquierdo del lienzo. Dali una vez describió el sueño como “un monstruo pesado que fue sostenido por las muletas de la realidad”. Este trabajo parece ilustrar perfectamente esa noción. El sueño fue pintado para Edward James, un millonario británico que fue el patrón de Dalí desde 1936 hasta 1939.

Dormir (1937). Salvador Dalí

El Gran Masturbador, 1929

Mientras observamos El Gran Masturbador, una de las obras más grandes de Dali, los nuevos elementos parecen estar saliendo de la composición constantemente. Todo comienza con la popular formación rocosa en el Cap de Creus, que se prolonga para formar una cabeza hacia abajo. En la parte posterior de la misma, una mujer que se parece a su nueva musa, Gala, emerge en éxtasis sexual, lista para realizar una felación en la figura masculina que solo se ve de la cintura para abajo.

La pintura presenta un saltamontes y un enjambre de hormigas, a las que Dalí se refirió como un motivo que representa su ansiedad sexual. ¿El artista ha pasado por una transformación del gran masturbador al gran amante, con la aparición de Gala en su vida? La cabeza de roca continuó apareciendo también en futuras obras de arte, convirtiéndose en el símbolo de sus interpretaciones paranoicas y críticas de su mundo único.

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El gran Masturbador (1929). Salvador Dalí. Museo Nacional Reina Sofía

 

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar, 1944

Es otra de las “fotografías pintadas a mano” de Dalí, en la que vemos a Gala recostada desnuda y dormida sobre una roca en el Pont Lligat. Aunque comenzó a explorar la fisión nuclear y la energía atómica justo cuando se pintaba esta pieza, los sueños aún estaban en el centro de su creación.

Una abeja, que simboliza a la Virgen, vuela sobre una granada, un símbolo cristiano de la fertilidad y la resurrección, de la cual estalla un pez roca de ojo amarillo que posteriormente da vida a un tigre furioso, que luego arroja otro tigre que luego arroja una Bayoneta a punto de perforar el brazo de gala.

En el fondo, Dalí representa a un elefante por primera vez, en esta versión con largas piernas de flamenco y basada en el Elefante y el Obelisco de Bernini en la Piazza Santa Maria sopla Minerva de Roma. El pintor ilustra “El descubrimiento de Freud del sueño típico con una larga narración”, en el que cualquiera de los elementos de pesadilla puede hacer que el sujeto se despierte.

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Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar (1944). Salvador Dali

La jirafa ardiendo, 1937

La cómoda que se ve en las dos figuras femeninas azules representadas por Salvador Dalí en La Jirafa Ardiendo es otra referencia al estudio de Sigmund Freud, una que afirma que el cuerpo humano, que en la época griega era simplemente neoplatónico, ahora está lleno de secretos. Cajones solo para ser abiertos a través del psicoanálisis. Las figuras femeninas, que Dalí en una fecha posterior describió como “Femme-coccyx” (mujer del hueso de la cola), son en parte despojadas de su piel hasta el tejido muscular, mientras que la protagonista de la pintura, la jirafa, destaca en el fondo. con un fuego ardiendo en su espalda.

El pintor describió esta imagen como “el monstruo apocalíptico cósmico masculino” y creía que era una premonición de la guerra. El trabajo, una vez más, presenta las muletas como sistemas de apoyo que muestran una lucha personal con la batalla en su país de origen.

La jirafa ardiendo (1937). Salvador Dalí

Araña de la noche, 1940

Un angel llorón, recordando el de Pornocrates de Felicien Rops, se sienta en la esquina inferior izquierda del lienzo, presenciando la desaparición de la guerra. Desde el olivo pelado, que una vez fue el emblema de la paz, las figuras que se derriten tocan la triste canción de la destrucción. Mientras tanto, el cañón que emerge del borde de la pintura derrama los símbolos familiares del arte europeo, como La Victoria Alada de Samotracia. Todo el paisaje llora con la pérdida, inmerso en la oscuridad y las sombras, alegorizando los efectos emocionales de una gran agitación humana. Araña de la tarde parece ser una versión extendida, mucho más hostil de Persistencia de la Memoria, así como la magnífica representación de terror de Dalí que pudimos presenciar en las obras dedicadas a la guerra civil española.

Araña de la noche (1940). Salvador Dalí

Niño geopolítico observando el nacimiento del nuevo hombre, 1943

A través de este trabajo en particular, Salvador Dalí expresó su devastación y el impacto psicológico que tuvo sobre él el momento de la Segunda Guerra Mundial en Europa, durante su estadía en los Estados Unidos. Sus notas iniciales para el trabajo decían: “paracaídas, paranacimientos, protección, cúpula, placenta, catolicismo, huevo, distorsión terrenal, elipse biológica. La geografía cambia su piel en la germinación histórica ”. De hecho, muestra el nacimiento de un Nuevo Mundo venidero después de la furiosa guerra, a la que se hace referencia a través de la figura clásica que emerge de un huevo que representa a la Tierra, así como a las otras dos figuras que lo presencian.

El hombre que está por nacer parece estar basado en la pintura de John Everett Millais, en 1849, Isabella. La obra de arte también se opone directamente a la imagen desesperada de la pieza anterior de Dali, Araña de la noche, que rezuma en un ambiente más pesimista.

Niño geopolítico observando el nacimiento del nuevo hombre (1943). Salvador Dali

Cisnes que reflejan elefantes, 1937

Uno de los mejores ejemplos conocidos del período Paranoico-crítico de Dalí, Swans Reflecting Elephants es una imagen doble adecuada, que evoca el método espontáneo de comprensión irracional del pintor basado en la asociación crítica interpretativa de los fenómenos delirantes. “Utilizó este método para representar alucinaciones, formas e ilusiones visuales que fueron el tema principal de sus pinturas durante toda la década de los años treinta.

En un cuerpo de agua inmóvil, otro elemento recurrente en su obra, tres cisnes se reflejan en el lago para que sus cabezas se conviertan en cabezas de elefantes y los árboles sin vida detrás de ellos formen sus cuerpos. Las reflexiones en el agua siempre le sirvieron bien en la representación del cambio, como también lo pudimos presenciar en Metamorfosis de Narciso.

Cisnes que reflejan elefantes (1937). Salvador Dalí

 

Metamorfosis de Narciso, 1937

En este caso, quizás el ejemplo más famoso de transformación, Salvador Dalí interpreta el famoso mito griego de Narciso. Fue el primer trabajo surrealista que ofreció una interpretación consistente de un tema irracional, en este caso la muerte y la fosilización de Narciso. En la pintura, como lo explica el mismo genio surrealista, la imagen de Narciso se transforma repentinamente en una mano que se levanta de su propio reflejo, sosteniendo un huevo, una semilla, una bombilla a punto de dar a luz al nuevo narciso: la flor.

Al lado, vemos la escultura de piedra caliza de la mano, la mano fósil del agua que sostiene la flor soplada. Dalí insistió en que los espectadores vean la pintura mientras leen su poema, que se publicó el mismo año en un pequeño libro del artista. La idea sería que se los considere en un estado de “fijación distraída” por la cual la imagen desaparecería a medida que se observa.

Metamorfosis de Narciso (1937). Salvador Dalí

La teoría del color según Newton, Goethe, Turner y otros grandes artistas

julio 16, 2019

Examinaremos rápidamente la teoría del color y cómo algunos de los gigantes del arte y otras áreas la han puesto en práctica.

 

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Rueda de color simétrica de Goethe con cualidades simbólicas asociadas, 1809

 

Piensa en Turner en su estudio de Londres y, 100 años después, en el estudio de Mondrian en París, Malevich en Moscú y Paul Klee en Weimar. Los tres artistas se sientan con una gama de colores frente a ellos. Miran sus paletas, toman sus pinceles, ¿y luego qué? Las elecciones de esos pintores hicieron de cada uno de ellos algunos de los artistas más emblemáticos de la historia, ¿cómo lo hicieron?

Ni Isaac Newton ni los que modificaron su rueda de colores durante siglos pueden reclamar todo el mérito, pero su trabajo ha sido una fuente de inspiración para los artistas durante cientos de años.

 

Newton

Nuestra comprensión moderna de la luz y el color comienza con Isaac Newton (1642-1726) y una serie de experimentos que realiza para entender el “fenómeno de los colores”. Este científico es el primero en entender el arco iris. Para ello, crea un hoyo en la pared de un cuarto oscuro. Seguidamente, refracta la luz blanca con un prisma, que resulta la proyección de sus colores componentes en una pared blanca al fondo del cuarto: magenta, rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta. Además, para probar que el prisma no estaba coloreando la luz, volvió a unir la luz, realizando el experimento a la inversa.

 

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Experimento de Newton con el prisma

La luz, el color y la pintura

Pero, por supuesto, la luz es diferente a la pintura, como explica Matthew Gale, el sabio curador del Tate: “Como descubrió Newton, cuando todos los colores se juntan en la luz, se obtiene blanco, pero cuando todos los colores se juntan en la pintura, se obtiene negro. Esencialmente, es casi imposible igualar exactamente lo que nuestros ojos ven en el mundo. Es por eso que el impresionismo es una cosa tan extraordinaria; estaban tratando de capturar el impacto de la luz a través de esta cosa material, la pintura”.

Los descubrimientos de Newton fueron claramente de gran importancia para estos artistas, pero fue otro logro histórico que capturó la imaginación modernista a principios del siglo XX.

Goethe

“El error de Newton fue confiar a las matemáticas las sensaciones de su ojo.”

El pensador alemán Johann Wolfgang von Goethe ya era un hombre de estado, poeta, autor y filósofo establecido cuando publicó sus teorías del color en 1810. No convencido por la creencia de Newton de que los colores estaban contenidos dentro de la luz, pensó que surgían mediante la interacción de la luz y la oscuridad. También consideró que los colores surgían a través de la interacción de atmósferas como el polvo y el aire.

En verdad, Goethe no era el científico más acertado, pero fueron sus teorías fisiológicas, particularmente sobre cómo vemos el color, lo que realmente cambió el juego. Por ejemplo, mira fijamente el punto en el círculo amarillo durante 15 segundos, luego mira el punto negro a la derecha. ¿Qué color ves?

 

Un experimento para mostrar imágenes posteriores, descubierto por Goethe.

Evidentemente, la respuesta es púrpura. Goethe descubrió esto (también con azul a naranja y rojo a verde) e hizo una nueva rueda de color simétrica, poniendo estos colores primarios frente a sus complementarios.

 

Goethe y la psicología del color

De manera crucial, Goethe también señaló que el color puede impactar el estado de ánimo y la emoción. Señaló una división entre los colores “más” y “menos”. El amarillo y el amarillo-rojo eran colores “positivos”, porque (según él) son positivos y mejoran la vida, mientras que el azul, el violeta y el azul verdoso son colores “negativos”, porque (supuestamente) evocan ansiedad e inquietud.

 

Triángulo de Goethe

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Triángulo de Goethe

 

Goethe creó un triángulo analítico del color. En él, los tres colores primarios rojo, amarillo y azul están dispuestos en los vértices del triángulo. Las otras subdivisiones del triángulo se agrupan en triángulos secundarios y terciarios, donde los colores del triángulo secundario representan la mezcla de los dos triángulos primarios a cada lado de él, y los colores del triángulo terciario representan la mezcla del triángulo primario adyacente a él y triángulo secundario directamente a través de él.

Para Goethe, era muy importante comprender la reacción humana al color, y su investigación marca el comienzo de la psicología del color moderno. Creía que su triángulo era un diagrama de la mente humana y vinculaba cada color con ciertas emociones.

Aunque, por supuesto, sus asociaciones se encuentran en el campo de la subjetividad asociada a la experiencia de cada individuo, la idea de que el color podría desplegarse como una fuerza emocional es poderosa, y fue adoptada por muchos artistas durante los siguientes cien años. Entre los primeros estaba JMW Turner.

 

Turner

“El grado más alto de luz, como la del sol es en su mayor parte incoloro. Esta luz, sin embargo, vista a través de un medio  ligeramente engrosado, nos parece amarilla. Si su volumen aumenta, veremos que la luz asume gradualmente un tono amarillo-rojo, que al final se convierte en un color rubí.”

Esta es la teoría de Goethe de cómo el ojo percibe la luz como color, pero casi podría describir la pintura que Turner pintó en homenaje 33 años después, Luz y color (la teoría de Goethe) – la mañana después del diluvio – Moisés escribiendo el libro del Génesis , en 1843.

 

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Luz y color (Teoría de Goethe) – La mañana después del diluvio – Moisés escribiendo el libro del Génesis (1843). Joseph Mallord William Turner. Tate

 

Turner poseía y era estudioso de la traducción al inglés de la Teoría de los Colores, y estaba fascinado por ella en muchos aspectos, en particular la comprensión emocional del color por parte de Goethe. Aquí, además de describir la idea de Goethe de la luz vista a través de la atmósfera, lo que resulta en una variedad de colores, Turner despliega una paleta decididamente “positiva”, supuestamente con la intención de evocar los alegres sentimientos de despertar espiritual sugeridos en el título.

 

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Círculo de color No.1 (1824–8). Joseph Mallord William Turner.

 

Círculo del color de Turner

Inspirado por la rueda de colores de Goethe, Turner también creó su propio diagrama para mostrar cómo se comportan los colores primarios en la luz cuando se representan en materiales de acuarela, y cómo se pueden usar para representar la dimensión de profundidad. El azul y el rojo representan grados de sombra, mientras que el amarillo sugiere la luz misma. Turner usó este y otros diagramas para ilustrar sus teorías sobre el color y la perspectiva.

 

Matisse

No pensaste que hablaríamos de color sin mencionar a Matisse, ¿verdad?

A finales del siglo XIX, impresionistas como Monet utilizaron las lecciones de Newton para recrear escenas de la vida moderna. Desafiando la tradición, comenzaron con un lienzo en blanco y utilizaron pinceladas contrastantes de color para crear un efecto prismático de la luz que juega entre los pajares y los lirios de agua.

 

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Meules (1890). Claude Monet

 

Luego vino un pintor francés y volvió de nuevo trizas la tradición de pintura. Henri Matisse fue uno de los fundadores de lo que se denominó peyorativamente Fauvismo, es decir, las bestias salvajes, un nuevo uso del color que era brillante, no naturalista y, bueno, salvaje. Él y su amigo André Derain se pintaron retratos mutuamente para anunciar su nuevo uso radical del color. No usaron una rueda de colores para elegirlos, pero sus elecciones emocionantes y llamativas forman parte de un estado de ánimo nuevo, expresivo y místico en las artes que en parte simpatizaba con Goethe.

 

Retrato de Andre Derain (1905). Henri Matisse. Pintura al óleo sobre lienzo. Soporte: 460 x 349 mm. Marco: 710 x 595 x 112 mm. Colección: Tate

 

Retrato de André Derain (1905). Henri Matisse. Pintura al óleo sobre lienzo. Soporte: 394 x 289 mm, marco: 550 x 471 x 75 mm. Colección: Tate

 

Nacimiento del expresionismo

Mientras tanto, los contemporáneos de Matisse en toda Europa, pero particularmente en la Alemania natal de Goethe, estaban ocupados fundando el movimiento expresionista. En escenas cada vez más abstractas, los colores se aplicaron con trazos pictóricos libres, y una vez más, no se seleccionaron para representar la naturaleza sino para expresar las emociones del artista.

Muchos expresionistas alemanes, como Wassily Kandinsky y Paul Klee, desarrollaron su uso del color en la Bauhaus, la icónica escuela de diseño de Alemania.

 

Bauhaus

Situados en la ciudad natal de Goethe, Weimar, muchos maestros de la Bauhaus adoptaron con gran entusiasmo sus teorías. Arraigada en el expresionismo y abierta justo después de la Primera Guerra Mundial en 1919, la filosofía Bauhaus aspiraba a un ideal mejor, más armonioso y utópico de la sociedad, con un buen toque de misticismo inspirado en Goethe.

 

Johannes Itten

Johannes Itten, uno de los miembros fundadores, tuvo algunas lecciones particularmente prácticas para agregar al canon de color. Hizo una nueva rueda de color de 12 partes y enseñó que hay cuatro cualidades del color: tono (matiz), intensidad (cuán saturado está), valor (luminosidad u oscuridad) y la temperatura (calor o frialdad). De hecho, puedes ver la teoría del color de Itten en práctica cada vez que juegues con el tono y la saturación de las fotografías de tu teléfono móvil. También enseñó siete métodos útiles para combinar colores, y el impacto que estos podrían tener en el espectador.

 

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Círculos. Johannes Itten

Paul Klee

Adoptando los complementarios de Goethe, Klee se interesó por las relaciones entre los colores y enseñó que, al igual que las formas en una composición, los colores también afectarían el “equilibrio” de un lienzo, algo que le preocupaba particularmente en su propio trabajo. Observa los ritmos rojo-verde y violeta-amarillo en el cuadro de abajo: es un ejemplo de dos pares de complementarios utilizados para crear un balance general. Los cuadrados pequeños y potentes de color amarillo cálido emergente se compensan con áreas más grandes de violeta, mientras que el verde y el rojo se usan en proporciones similares.

 

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Ritmo rojo, verde, violeta y amarillo (1920). Paul Klee

 

 

Wassily Kandinsky

El amigo de Klee, Wassily Kandinsky, como Goethe, quería precisar el impacto emocional del color.

En 1922, él ya tenía su propio conjunto de teorías sobre lo que significaban los colores individuales, y desarrolló teorías sobre las relaciones entre formas. Emitió una encuesta a los estudiantes, solicitando asociar los colores primarios rojo, amarillo y azul con el cuadrado, el triángulo y el círculo. La respuesta correcta esperada era triángulo=amarillo, círculo =azul, cuadrado=rojo). Kandinsky creía que esto se basaba tanto en las “fuerzas” que estos elementos de forma y color emanaban, y por una razón u otra, la mayoría de los encuestados estuvo de acuerdo con él. Utilizó esta teoría y su sentido de los significados detrás de los colores para crear sus composiciones abstractas.

 

Rojo fuerte (1967). Wassily Kandinsky. Tamaño en pulgadas: 23.6 x 18.9. Tamaño en centímetros: 60 x 48

Mondrian

Casi al mismo tiempo, un modernista holandés empleó esos mismos tres colores para hacer las cosas de manera diferente una vez más.

A medida que surgió su estilo distintivo, Mondrian fue parte de una marea de cambios más amplios en el mundo del arte. Reaccionando ante el caos de la Primera Guerra Mundial, muchos comenzaron a buscar orden en su trabajo, buscando significados más profundos y universales y examinando su lugar en el universo. Mondrian también se vio influenciado por un creciente interés en la Teosofía, que enseñó que cada pensamiento genera un aura de color que rodea a cada persona. Recordó en 1941:

“Lo primero que cambió en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Había llegado a sentir que los colores de la naturaleza no se pueden reproducir en el lienzo. Instintivamente, sentí que la pintura tenía que encontrar una nueva forma de expresar la belleza de la naturaleza”.

 

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Composición C (No. III) con rojo, amarillo y azul (1935). Piet Mondrian

Neoplasticismo

Y su nueva forma era dejar de pintar cosas gradualmente en el mundo real y comenzar a tratar de capturar la belleza “universal” que había debajo de ellas. Para ello, Mondrian volvió a los fundamentos del color. En la década de 1920, estaba desplegando esa triada familiar de colores primarios, aquellos que se pueden mezclar para crear todos los demás colores, incrustados en una simple rejilla negra. Llamó a su enfoque “Neoplasticismo”, la base del movimiento De Stijl que fundó con su amigo Theo van Doesburg. Era para expresar “la esencia del espacio a través de la relación de un plano de color con otro”.

Mientras tanto, con un trasfondo social y político de la revolución ligeramente modificado, uno de los contemporáneos de Mondrian enfrentaba desafíos ideológicos similares en Moscú.

 

Malevich

En la década de 1850, el científico James Clerk Maxwell había descrito una versión ligeramente diferente de los “colores primarios”, afirmando que el rojo, el azul y el verde son los colores primarios de la luz. Escribió que estos tres colores, junto con el amarillo, el blanco y el negro, eran todo lo que el pintor necesitaba para imitar los colores de la naturaleza en el espectro.

Malevich se había graduado a principios del siglo XX en una tendencia neo-impresionista en la que los artistas utilizaban hallazgos científicos relativamente recientes como el de Maxwell para idear métodos más estructurados de recreación de la luz en el lienzo (por ejemplo, el puntillismo de Seurat, usando redes de puntos, es su famoso Le Bea du Hoc).

 

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Le Bec du Hoc (1885). Georges Seurat

Suprematismo

Pero alimentado por un espíritu burbujeante de la inminente revolución rusa, como Mondrian, Malevich se mostró insatisfecho con el uso del color para imitar a la naturaleza, y para 1915 había llegado a un estilo completamente contrastante. El “Suprematismo”, como él lo llamó, tenía como objetivo crear un arte nuevo y autónomo que estuviera libre de siglos de convención y, en cambio, impartiera un significado directo, casi meditativo a su espectador.

Malevich estaba tan interesado en los avances científicos recientes como sus contemporáneos, pero los usó para seguir su nuevo estilo y un nuevo significado directo. Abandonando rápidamente las imágenes representativas y el color naturalista, adoptó el esquema de Maxwell en su forma más pura, y pintó formas geométricas refinadas en esta paleta primaria y limitada.

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El vuelo de un avión (1915). Kazimir Malevich

 

Picasso y Las Señoritas de Avignon

junio 19, 2019

Pablo Picasso (1881–1973), pintor, escultor, dibujante, grabador, ceramista, artista decorativo y escritor nacido en Paris, influyó en el curso del arte del siglo XX con una magnitud casi inigualable. Su vida apasionada, su abrazo sin trabas a la experimentación y su impulso por la reinvención dio origen a su prolífica producción de obras, y anularon las nociones de cómo se suponía que era el arte.

Entre la profusa producción de Picasso de más de 20,000 pinturas, grabados, dibujos, esculturas, cerámicas, escenarios teatrales y diseños de vestuario se encuentra Las Señoritas de Avignon (1907). Picasso desarrolló sus ideas para Las Señoritas de Avignon de manera intensiva, en un programa de planificación consciente que se parecía a los grandes proyectos académicos de Leonardo o Géricault, antes de finalmente pintar su lienzo cuadrado de 8 pies a principios del verano. Con esa pintura, la naturaleza de la realidad del arte se alteró tan profundamente como la ciencia lo hizo con la física del contemporáneo de Picasso, Albert Einstein.

 

Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York

 

Interpretación de Las Señoritas de Avignon

La enorme composición (unos 8 pies x 8 pies; 244 x 233 cm), que habría llenado toda una pared de su pequeño estudio en el edificio Bateau Lavoir en Montmartre, es una pintura de una escena en un burdel. La pintura nos presenta un incómodo mosaico de fragmentos angulares y superpuestos de cinco desnudos femeninos. Sus “rasgos cubistas” se combinan poderosamente con sus formas violentas y máscaras animalistas para sorprender y desafiar al espectador.

La imagen es como un primer plano cinematográfico. El color de su carne y la forma en que se agrupan las figuras de las cinco mujeres, es sorprendente: no parece haber ninguna conexión entre ellas, lo que aumenta el drama de la imagen, así como su incertidumbre. Estas mujeres, todas ellas haciendo alarde agresivo de su desnudez, son prostitutas reales que no tienen problemas con lo que tienen para ofrecer. La cabeza de una figura (arriba a la derecha) está cubierta con una máscara primitiva; mientras que una segunda figura en cuclillas (abajo a la derecha) también está enmascarada, aunque su rostro está formado por múltiples vistas, como un rompecabezas mal arreglado.

El punto principal de Las Señoritas de Avignon fue desafiar las suposiciones normales del espectador: los gigantescos desnudos intrusivos, la ausencia de perspectiva y la yuxtaposición de las imágenes.

 

Surgimiento del método del cubismo de Picasso

Picasso, considerado como uno de los artistas modernos más influyentes, fue un gran innovador cuyo mayor logro fue la co-invención (junto con Georges Braque) del “Cubismo”, forma revolucionaria de representar la realidad en una pintura. Al idear este nuevo lenguaje “cubista”, Picasso rechazó el método tradicional de pintar que implicaba crear la ilusión de una imagen tridimensional. En cambio, enfatizó la naturaleza plana y bidimensional de la imagen, y evitó el uso de técnicas tradicionales, como la perspectiva lineal, el claroscuro y el modelado. Utilizando el método de pintura “cubista”, Picasso y otros pintores cubistas representaron personas y objetos en “instantáneas” planas (vistas de la persona / objeto) en una serie de planos superpuestos. Esto permitió que un objeto se viera desde una multiplicidad de puntos de vista (que se producen quizás en momentos diferentes), en lugar de un solo punto de vista (en un momento determinado).

Por supuesto, Picasso y Braque no inventaron este nuevo “cubismo” de la noche a la mañana. Implicó un proceso gradual de experimentación que ocupó a ambos artistas durante el período 1908-10.

 

Gran Desnudo, 1908. Georges Braque,

Las Demoiselles d’Avignon: Primer paso hacia el cubismo

A Las Señoritas de Avignon (1907) se las ve tradicionalmente como el primer paso fundamental de Picasso hacia el nuevo estilo cubista, un paso que lo convirtió en el líder del arte de vanguardia en París. En preparación para ello, Picasso hizo cientos de dibujos y otros estudios preparatorios, incluido el dibujo al carbón Nu aux bras leves (1907) y La cabeza de una mujer dormida (1907). También vale la pena señalar que fue pintado al final de su período “negro”, cuando fue fuertemente influenciado por tallas primitivas, en particular la escultura africana que se exhibió en ese momento en el Museo Etnográfico de París. Como resultado, presenta algunas características e imágenes antropomorfas inquietantes.

 

Cabeza de una mujer dormida, 1907. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 61.4 x 47.6 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

 

Nu aux bras levés (Desnudo) 1907. Pablo Picasso

 

Obras precedentes a Las Señoritas de Avignon

Las Señoritas de Avignon es una obra con raíces en la tradición histórico-artística: un renovado interés en El Greco contribuyó a la fractura del espacio y los gestos de las figuras, y la composición general se debió mucho a los Bañistas de Paul Cézanne, así como a Las escenas del Harem de Ingres.

 

La visión de San Juan, o la apertura del quinto sello. (desde 1608 hasta 1614). El Greco. Óleo sobre lienzo (truncado arriba)
87.5 × 76 ″ (222.2 × 193 cm); con tiras añadidas de 88.5 × 78.5 ″ (224.7 × 199.3 cm). Museo Metropolitano de Arte

 

Las grandes bañistas (1906).- Paul Cezanne. Óleo sobre lienzo. Altura: 208 cm (81.8 ″); Ancho: 249 cm (98 ″). Deutsch: Museo de Arte

 

El baño turco (1862). Jean Auguste Dominique Ingres. Versión retocada del archivo: Le Bain Turc, por Jean Auguste Dominique Ingres, con borde removido y niveles ajustados. Óleo sobre lienzo. 108 × 110 cm (42.5 × 43.3 ″). Museo Louvre

Picasso retrata la realidad moderna de manera burda

Las mujeres presentes en Las Señoritas de Avignon miran hacia afuera, más allá de los confines del plano de imagen que normalmente protege el anonimato del espectador. Si las mujeres nos miran, como en la Olimpia de Manet de 1863, nosotros, como espectadores, nos convertimos en clientes. Pero esto es el siglo veinte, no el diecinueve y Picasso intenta una franqueza aun más vulgar y directa que la de Manet.

 

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Olimpia, 1863. Édouard Manet. Óleo sobre lienzo. Altura: 130 cm (51.1 ″); Ancho: 190 cm (74.8 ″)

En un contraste muy marcado, Picasso, con la intención de hacerse un nombre (como el joven Manet y David), ha comprimido radicalmente el espacio de su lienzo y ha reemplazado el erotismo sensual con una especie de pornografía agresivamente burda. (Tenga en cuenta, por ejemplo, la figura en cuclillas en la parte inferior derecha.) Su espacio es interior, cerrado y casi claustrofóbico. Las mujeres llenan todo el espacio y parecen atrapadas en él. Ya no está en un pasado clásico, la imagen de Picasso es claramente de nuestro tiempo. Aquí hay cinco prostitutas de un burdel real, ubicadas en una calle llamada Avignon en el barrio rojo de Barcelona, ​​la capital de Cataluña en el norte de España, una calle, por cierto, que Picasso había frecuentado.

 

Tonos urbanos

Picasso también ha prescindido de los pigmentos claros y brillantes de Matisse. En cambio, el artista elige tonos más profundos acordes con la luz interior urbana. En Las Señoritas de Avignon, Picasso prescindió de la sensualidad que creó Matisse. Picasso ha reemplazado las gráciles curvas de Bonheur de Vivre con formas afiladas e irregulares. Los cuerpos de las mujeres de Picasso se ven peligrosos, como si estuvieran formados por fragmentos de vidrios rotos. El placer de Matisse se convierte en la aprehensión de Picasso. Compare a la mujer que está en el centro de la composición de Picasso con la mujer que tiene los codos levantados en el extremo izquierdo del lienzo de Matisse: Picasso es como un erudito que cita las notas consultadas al pie de su obra.

 

Le bonheur de vivre (1905–1906). Óleo sobre lienzo, 176.5 x 240.7 cm (69 1/2 x 94 3/4 in). En la colección de la Fundación Barnes.

Máscaras africanas, mujeres colonizadas.

Las dos figuras de la derecha son las más abstraídas agresivamente, con caras representadas como si llevaran máscaras africanas. En 1907, cuando se produjo esta pintura, Picasso había comenzado a coleccionar tales trabajos. Matisse y Derain tenían un interés más prolongado en este tipo de arte, pero Picasso dijo que solo después de vagar por el Palais du Trocadero, el museo etnográfico de París, pudo entender el valor de dicho arte. Aunque Picasso eventualmente se volvería más sofisticado con respecto a los usos originales y el significado del arte no occidental que recopiló, en 1907 su interés se basó en gran medida en lo que percibía como sus cualidades extraterrestres y agresivas.

 

Máscara de colmillo utilizada para la ceremonia ngil, una búsqueda inquisitorial de hechiceros. Madera del siglo XIX 66 cm (25,9 ″) Museo del Louvre

La percepción de Picasso del espacio.

Hasta ahora, hemos examinado la figura central que se relaciona con el lienzo de Matisse y las dos figuras enmascaradas en el lado derecho. La figura más a la izquierda está vinculada con la arcaica escultura ibérica y el intento de Picasso de obtener una especie de franqueza primitiva. Eso deja solo a una mujer sin ser contada. Esta es la mujer con el codo derecho levantado y la mano izquierda apoyada en una sábana sobre el muslo izquierdo. La mesa con fruta al borde del lienzo apunta a esta última mujer. El significado de Picasso es claro: la naturaleza muerta de la fruta en una mesa, este antiguo símbolo de la sexualidad, apunta a la mujer central. Picasso no era feminista. En su visión, el espectador es masculino.

La mujer que ha sido elegida como foco central se sitúa como tal claramente, en términos de su relación con el espacio circundante. Aquí está la respuesta de Picasso a Cézanne y Matisse. Las mujeres no están ni delante ni detrás. Al igual que en L’Atelier Rouge de Matisse, que se pintará cuatro años después, Picasso ha comenzado a tratar de disolver la relación figura/fondo. Ahora mira a la mujer elegida por Picasso. Sus piernas están cruzadas y su mano descansa detrás de su cabeza. Aunque parece estar entre las demás, su posición es realmente la de una figura que yace sobre su espalda. El problema es que vemos su cuerpo perpendicular a nuestra línea de visión. Al igual que lo hicieran Matisse y Cézanne, Picasso presenta dos momentos en el tiempo. Primero observamos la fila de mujeres circundantes, y por último observamos a la prostituta central.

 

L’Atelier Rouge (1911). Henri Matisse. Óleo sobre lienzo. 162 x 130 cm. En la colección del MOMA.

 

Las Señoritas de Avignon: Una obra con cientos de bosquejos preliminares

Seis meses antes de pintar la pieza, Picasso comenzó a producir cientos de bocetos preparatorios. Mientras que la pintura final se presenta en óleo, muchos de estos estudios se completan en una variedad de medios, incluyendo lápiz y acuarela. Los estudios para Las Señoritas de Avignon demuestran la evolución del concepto y muestran los cambios realizados por el artista durante el proceso de planificación.

 

Trois figures sous un arbre (Tres figuras debajo de un árbol), Invierno 1907-1908. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo. 39 × 39 in, 99 × 99 cm

 

Las Señoritas de Avignon fue el resultado final de un período durante el cual Picasso se centró en gran medida en el análisis y la simplificación de la forma. Aburrido y frustrado con la teoría convencional del arte como imitación de la naturaleza, una tarea comenzada a cuestionar por el impresionismo, alcanzó una especie de “expresionismo intelectual” que permitiría a los pintores retratar una nueva realidad basada en el plano del cuadro bidimensional.

 

Femme nue (1907). Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 92 x 43 cm. Museo delle Culture (Milano)

Análisis de estudios preparatorios de Las Señoritas de Avignon

A menudo se piensa que la obra es una creación espontánea, concebida directamente. Este no es el caso. Fue precedido por cerca de cien bocetos. Estos estudios representan diferentes configuraciones. En algunos hay dos hombres además de las mujeres. Uno es un marinero. Se sienta uniformado en el centro de la composición, ante una pequeña mesa cargada de frutas, un símbolo tradicional de la sexualidad. Otro hombre situado a la izquierda del lienzo, llevaba un traje marrón y un libro de texto, estaba destinado a ser un estudiante de medicina.

Como revelan sus estudios preparatorios, Picasso concibió inicialmente la figura a la izquierda de la pintura, el estudiante de medicina, en el acto de ingresar al burdel. Al decidir que tal detalle narrativo interferiría con el impacto visual del trabajo, finalmente transformó la figura en una quinta prostituta. Picasso poco después sacó al marinero. También aumentó la sensación de agresión en la imagen y agregó las dos máscaras.

 

 Las Señoritas de Avignon.

Estudio para Las Señoritas de Avignon. París, principios de 1907. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo. 7 1/2 x 8 “(18.5 x 20.3 cm)

 

Las Señoritas de Avignon,

Estudio para Las Señoritas de Avignon, marzo / abril de 1907. Pablo Picasso. Crayón negro y pastel sobre papel Ingres, 18¾ × 25 pulg. (47.7 × 63.5 cm).

 

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El Harem (1906). Pablo Picasso. The Cleveland Museum of Art

 

Las Señoritas de Avignon: La ruptura que divide el pasado y el futuro

Las Señoritas de Avignon es la grieta, la ruptura que divide el pasado y el futuro. Culturalmente, el siglo XX comenzó en 1907.  Algunos dirían que comenzó con la confrontación de Manet a través de su obra Olimpia en 1863. Después de Olimpia, a finales del siglo XIX y principios del siglo XX se encuentran obras de arte provocativas que se relacionan específicamente con el mismo territorio sexual que Picasso: la Madonna de Munch o Pallas Athene de Klimt. En este contexto, se podría argumentar que Las Señoritas de Avignon es, de hecho, una obra de arte poco original y retrospectiva, un reciclaje de los clichés más grandes del siglo XIX: las “mujeres sueltas” que se mezclan en interiores exóticos. Entonces, ¿qué es tan nuevo, tan radical sobre esta pintura?

 

Madonna (1894 y 1895). Edvard Munch. Óleo sobre lienzo. Altura: 90.5 cm (35.6 ″); Ancho: 70.5 cm (27.7 ″)

 

Arte Revolucionario

Picasso trabajó en Las Señoritas de Avignon como nunca antes había trabajado en ninguna pintura. Un historiador del arte incluso ha afirmado que los cientos de pinturas y dibujos producidos durante sus seis meses de gestación constituyen “una cantidad de trabajo preparatorio único, para una sola imagen, no solo en la carrera de Picasso, sino en toda la historia del arte”. Picasso sabía que estaba haciendo algo importante, incluso revolucionario, pero ¿qué?

Intenta un experimento: Mira directamente a Las Señoritas de Avignon y especula sobre su significado. Más que nada, esta es una pintura sobre mirar. Picasso te mira a ti mismo en la figura central, cuya atrevida mirada de enormes ojos asimétricos tiene la autoridad de un autorretrato.

Lo que más le llamó la atención a Picasso sobre las máscaras africanas fue que te las colocas y te convierten en otra cosa: un animal, un demonio, un dios. El modernismo es un arte que lleva una máscara. Picasso eligió su tema precisamente porque era un cliché: quería mostrar que la originalidad en el arte no reside en la narrativa, o la moral, sino en la invención formal. Por eso es equivocado ver Las señoritas de Avignon como una pintura “sobre” burdeles, prostitutas o colonialismo. El modernismo en las artes significó exactamente esta victoria de la forma sobre el contenido.

 

Ruptura definitiva con la tradición del arte Occidental

En este cuadro, Picasso anticipa los descubrimientos que hizo explícitos en sus cuadros cubistas: casi borra la tradición de perspectiva occidental de 500 años al allanar sus siluetas de carne en un espacio que no va a ninguna parte. Es esta violencia visual la que libera su erotismo, porque borra cualquier significado o narrativa. Después de la primera guerra mundial, André Breton llegó al estudio de Picasso, vio Las Señoritas de Avignon y lo reconoció como la obra maestra moderna definitiva. Breton, el líder de los surrealistas, vio en él un cuadro sobre la amenaza revolucionaria del inconsciente, y tenía razón.

 

 

La técnica del “Sfumato”

junio 11, 2019

La palabra “sfumato” proviene del idioma italiano y se deriva de “fumo” (humo) y de “sfumare”, “atenuar” o “evaporarse como humo”. Sfumato traducido al español significa suave, difuminado o borroso.  

La técnica fue popularizada por los antiguos maestros del movimiento artístico del Renacimiento, como Leonardo da Vinci, quien la usó para crear representaciones atmosféricas y casi de ensueño. Mediante el “sfumato”, Da Vinci creó un aspecto y una sensación completamente diferente en la pintura y describió la técnica como:

   “… sin líneas ni bordes, como humo o más allá del plano de enfoque”.

El sfumato es una de las técnicas pictóricas que produce, mediante esmaltes transparentes, un efecto vaporoso que confiere a los sujetos u objetos contornos difuminados.

El diccionario de Oxford declara a Sfumato como “la técnica de permitir que los tonos y los colores se adhieran gradualmente, produciendo contornos suavizados o formas borrosas”.

 

Técnica de esfumato

La técnica es un sombreado fino destinado a producir una transición suave y difícil de percibir entre colores y tonos, para lograr una imagen más creíble. El “sfumato” es uno de los cuatro efectos de la pintura canónica del Renacimiento. Los otros tres son unione, claroscuro  y cangiante. Se utiliza con mayor frecuencia al hacer gradaciones sutiles que no incluyen líneas o bordes, desde áreas de luz a áreas de oscuridad.

La combinación de humo y sombra describe perfectamente la gradación apenas perceptible de los tonos y colores de la técnica de claro a oscuro, particularmente usado en tonos de piel. Muchas de las pinturas de Da Vinci fueron creadas al difuminar los bordes a través de la aplicación de capas delgadas de pintura con pinceladas minúsculas. Las áreas oscuras y claras se mezclan unas con otras a través de pinceladas minúsculas, lo que hace que la imagen de la luz y el color sea algo nebulosa y al mismo tiempo más realista.

La técnica se usó no solo para dar una representación ilusionista del rostro humano, sino también para crear ricos efectos atmosféricos. El sfumato no debe confundirse con la perspectiva atmosférica, que es objeto de otra reflexión teórica y no se obtiene generalmente por los mismos medios. Sin embargo, la técnica permite otra interpretación: Leonardo, un científico tanto como un pintor, estudió como un físico la agudeza de los fenómenos de la iluminación y, en particular, sobre la cuestión de las transiciones de la sombra a la luz y la abolición de contornos (que no existen en la naturaleza). La traducción de tales observaciones en el plano pictórico produce una envoltura vaporosa de las formas (sfumato) e ipso facto sugiere la atmósfera que las rodea.

 

Invento de la técnica del sfumato

Según el historiador del arte Giorgio Vasari (1511-1574), la técnica fue inventada por primera vez por la escuela flamenca primitiva, incluyendo quizás a Jan Van Eyck y Rogier Van Der Weyden. El primer trabajo de Da Vinci que incorpora sfumato es conocido como la Madonna de las Rocas, un tríptico diseñado para la capilla en San Francesco Grande, pintado entre 1483 y 1485.

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Madonna de las Rocas (Entre 1483 y 1486). Leonardo Da Vinci Óleo sobre lienzo (madera añadida al lienzo en 1806). Altura de las dimensiones: 199 cm (78.3 ″); Ancho: 122 cm (48 ″). Colección: Louvre

Madonna de las Rocas fue encargada por la Cofradía Franciscana de la Inmaculada Concepción que, en ese momento, aún era objeto de cierta controversia. Los franciscanos creían que la Virgen María fue concebida inmaculadamente (sin sexo); los dominicanos argumentaron que negaría la necesidad de la redención universal de Cristo para la humanidad. La pintura contratada necesitaba mostrar a María como “coronada en la luz viva” y “libre de sombras”, reflejando la plenitud de la gracia mientras la humanidad funcionaba “en la órbita de la sombra”.

La pintura final incluía un fondo de cueva, que el historiador del arte Edward Olszewski dijo que ayudó a definir y denotar la inmaculación de María, expresada por la técnica de “sfumato” aplicada a su rostro como emergente de la sombra del pecado.

 

El Sfumato en la Mona Lisa

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci es uno de los ejemplos más famosos de la técnica del esfumato en acción.

 

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Mona Lisa (entre 1503 y 1506). Leonardo da Vinci. Aceite mediano sobre madera de álamo. Altura de las dimensiones: 77 cm (30.3 ″); Ancho: 53 cm (20.8 ″). Colección: Museo Louvre.

 

 

El uso de Sfumato en la Mona Lisa se observa principalmente en la esquina de sus labios y sus ojos, donde Leonardo intentó suavizar los contornos. Sfumato incluso suaviza el área del rostro donde las líneas de expresión suelen aparecer naturalmente.

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Detalle de la cara de Mona Lisa que muestra el uso de esfumato, particularmente en la sombra alrededor de los ojos.

En el primer plano anterior, observe las suaves transiciones entre los tonos claros y oscuros y la falta de bordes duros. El resultado es una apariencia muy suave. Lo opuesto a esto sería la pincelada evidente utilizada por los impresionistas, que presentaba una textura gruesa y bordes ásperos.

 

Otros ejemplos de Sfumato

A continuación se muestra otro ejemplo de sfumato de Da Vinci: La Dama del Armiño. Las suaves transiciones en el color que se usan alrededor de la cara representan una sensación de juventud e inocencia sobre el tema. También hay un contraste poderoso entre estas transiciones suaves y el borde afilado que separa al sujeto del fondo negro.

 

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Dama con un armiño (1489-1490 ). Leonardo da Vinci. Aceite mediano y temple sobre panel de madera. Altura de las dimensiones: 54.8 cm (21.5 ″); Ancho: 40.3 cm (15.8 ″). Colección: Museo Czartoryski.

 

En la pintura de abajo, otro famoso pintor del Alto Renacimiento, Giorgione, emplea el sfumato para sacar el tema suavemente del fondo negro.

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Joven sosteniendo una flecha, 1505. GiorgionE

 

Sfumato: Capas y Capas de Esmaltes

Los historiadores del arte han sugerido que la técnica fue creada por la aplicación cuidadosa de múltiples capas translúcidas de pintura de aceite conocidas como veladuras. En 2008, los físicos Mady Elias y Pascal Cotte utilizaron una técnica espectral para (virtualmente) quitar la capa gruesa de barniz de la Mona Lisa. Usando una cámara multiespectral, encontraron que el efecto de esfumato fue creado por capas de un solo pigmento que combina 1 por ciento de bermellón y 99 por ciento de plomo blanco.

De Viguerie y sus colegas (2010) realizaron una investigación cuantitativa utilizando espectrometría de fluorescencia de rayos X avanzada no invasiva en nueve caras pintadas o atribuidas a Da Vinci. Sus resultados sugieren que constantemente revisó y mejoró la técnica, culminando en la Mona Lisa. En sus pinturas posteriores, Da Vinci desarrolló esmaltes translúcidos de un medio orgánico y los colocó sobre los lienzos en películas muy finas, algunas de las cuales eran solo una micra (0,00004 pulgadas) de escala.

 

Pruebas de microscopía óptica

La microscopía óptica directa ha demostrado que Da Vinci logró tonos de piel mediante la superposición de cuatro capas: una capa de imprimación de plomo blanco; una capa rosa de blanco plomo mezclado, bermellón y tierra; una capa de sombra hecha con un esmalte translúcido con un poco de pintura opaca con pigmentos oscuros; y un barniz. Se encontró que el grosor de cada capa de color oscilaba entre 10 y 50 micrones.

El estudio de Viguerie identificó los esmaltes en las caras de cuatro de las pinturas de Leonardo: Mona Lisa, San Juan Bautista, Baco y Santa Ana, la Virgen y el Niño. El grosor del esmalte aumenta en las caras desde unos pocos micrómetros en las áreas claras hasta 30–55 micrones en las áreas oscuras, que están formadas por hasta 20–30 capas distintas. El grosor de la pintura en los lienzos de da Vinci, sin contar el barniz, nunca supera los 80 micrones. Que en San Juan Bautista es menor de 50 años.

Pero esas capas deben haber sido colocadas de manera lenta y deliberada. El tiempo de secado entre capas puede haber durado desde varios días hasta varios meses dependiendo en que punto del cuadro se encontraba.

Para mas información respecto a este proceso revisar el texto: De magro a grasso, el sistema veneciano de pintura.

 

Consejos para usar Sfumato

A continuación te compartimos algunos consejos para usar el sfumato en tus pinturas extraídos de los estudios antes mencionados:

 – La técnica se usa a menudo para suavizar la transición entre las áreas claras y oscuras, pero también se puede usar para hacer la transición entre diferentes colores de un valor similar.

 – En los ejemplos anteriores de los antiguos maestros, la técnica es una característica clave de las pinturas. Pero también puede utilizar la técnica de formas menos prominentes, como para crear una sensación de atmósfera en su fondo.

 – En general, se considera una técnica de pintura al óleo, pero también se puede usar con otros medios. Solo favorece los aceites por el lento tiempo de secado. Sin embargo para ser empleada exitosamente con óleo es de suma importancia aplicarla junto con temple. De no utilizarse junto con temple las veladuras de oleo no serán parejas, tenderán a separase y su grosor será difícil de controlar.

Para una transición más suave entre los colores, usa un cepillo de pelo suave (preferiblemente de cabello natural). Algunos de los tipos de pelo que se emplean tradicionalmente para esta técnica incluyen la martha o (más difícil de encontrar) el bizonte o jack siberiano.

 

¿Cómo podemos seguir los pasos de Da Vinci y desarrollar la técnica del “sfumato”?

Medita en las obras de arte: Si tienes la oportunidad, aprovecha estudiar en vivo algunas de las obras más importantes desarrolladas con la técnica de sfumato. Podrías por ejemplo ir al Museo del Louvre en París para obtener una experiencia cercana con la técnica mirando directamente a la obra de la Mona Lisa o aun mejor, obras realizadas con esta técnica a las que te puedas acercar. Sin embargo, si no tienes la oportunidad de estar en su presencia física, siéntate con una fotografía de gran formato de ella. Las imágenes de google art project son fantásticas para analizar a detalle como fueron pintadas las obras desde las capas internas.

Trata de relajarte un poco: Cuando Leonardo estaba trabajando en La última cena, pasó muchos días pintando desde el amanecer hasta el anochecer; luego, sin previo aviso, desaparecería por medio día o más. Da Vinci había aprendido a confiar en sus ritmos de incubación para maximizar su intuición y creatividad. En su Tratado sobre la pintura, aconsejó: “… es bueno que a menudo deje el trabajo y se relaje un poco porque cuando vuelve al trabajo, es un mejor juez”.

Disfruta de los momentos de soledad: Aunque a Leonardo le encantaba intercambiar ideas con otros, sabía que sus conocimientos más creativos se producían cuando estaba solo. Escribió: «El pintor debe ser solitario. … Porque si está solo, es completamente usted mismo, pero si está acompañado es usted mismo la mitad ”.

 

 

Historia de la pintura al pastel

mayo 16, 2019

El pastel ha sido empleado en forma de barra desde el siglo XV, pero no fue hasta el siglo XVIII cuando el pastel fue visto cómo un medio artístico serio. La edad de oro de la pintura al pastel se asocia con el nombre de Rosalba Carriera (1674-1757), cuyos elegantes retratos fueron tremendamente populares en París. Muchos otros artistas utilizaron este medio, incluidos los famosos Edgar Degas, Edouard Manet y Lautrec, por nombrar algunos. En el siglo XIX, debido a la alta demanda de los artistas, surgieron empresas fabricantes de una amplia selección de pasteles duros y blandos que varían en intensidad y valor de color.

El pastel tiene un linaje fascinante y es la fuente de muchas obras de arte únicas, conmovedoras y hermosas. Ha sido empleado por algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos. Sigue leyendo para descubrir la fascinante historia del pastel.

 

¿Qué es el pastel?

“El nombre Pastel proviene de la palabra francesa “pastiche” porque el pigmento puro en polvo se tritura hasta crear una pasta, con una pequeña cantidad de aglomerante de goma, y ​​luego se enrolla en barras. La variedad infinita de colores en la gama Pastel abarca desde suave y sutil hasta audaz y brillante”. Pastel Society of America.

 

 ¿Cuándo comenzaron los artistas a usar pintura al pastel?

Los primeros pasteles no aparecieron hasta finales del siglo XVII. Pero los dibujantes habían estado utilizando medios de color seco, tanto los gredas naturales, extraídos de la tierra y cortados en barras, como las de tiza, hechos mediante la mezcla de pigmentos con aglutinantes en una pasta que se podía enrollar en bastones. Las recetas de “pastelle” y “pastillas” (tizas fabricadas) surgen en los tratados de los artistas del Renacimiento y recomiendan pegamento de pescado, jugo de higo y goma arábiga como aglutinantes.

Los maestros del Renacimiento, como Leonardo da Vinci (1452-1510) y Michelangelo (1475-1564), utilizaron tizas y gredas naturales para dibujar, y fue a partir de esto que se desarrolló el pastel.  La invención del pastel se atribuye al pintor alemán Johaim Thiele.

Inicialmente, el pastel solo estaba disponible en rojo, negro y blanco, imitando las tizas y gredas naturales, era muy distinto al panorama de pastel que se ofrece actualmente. Con el tiempo, la gama de colores disponibles se expandió y las técnicas evolucionaron.

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Retrato de un hombre barbudo, medio cuerpo, vestido con un doblete recortado, alrededor de 1575, L’Anonyme Lécurieux. Tiza negra y roja, 13 × 8 3/4 pulg. J. Paul Getty Museum, 2003.10. Imagen digital cortesía del Programa de Contenido Abierto de Getty

Esta es una obra que ilustra perfectamente la transición entre la técnica de pastel cómo herramienta de dibujo y el uso del pastel como técnica pictórica completa. Este artista francés usó solo tiza negra, negra azulosa y roja, creando la ilusión de una paleta mucho más amplia. Observa cómo sugiere toques de color marrón en el bigote de su modelo, un rubor rosado en sus mejillas, e incluso un claro color azul grisáceo para sus ojos.

 

Popularización de la técnica pictórica del pastel  

En el siglo XVII, habían surgido varios grandes pastelistas, entre ellos Joseph Vivien, Jean Marc Nattier y Charles Antoine Copeyl, quienes transformaron la técnica del pastel en una forma reconocida de pintura que pronto rivalizaría con la pintura al óleo tradicional como medio.

Para la década de 1650, comenzamos a ver un enfoque menos gráfico, más “pictórico”, en la obra de Robert Nanteuil, un artista activo en París. Sus retratos en colores pastel a menudo servían de base para las impresiones al oleo y, sin embargo, en obras como el Retrato de Monseñor Louis Doni d’Attichy (1663), Nanteuil aplicó su modesta gama de colores pastel de forma muy parecida al estilo de las pinturas al óleo, pero con una nueva riqueza y variedad de toques.

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Retrato del Monseñor Louis Doni d’lttichy, Obispo de Riez y posterior de Autun, 1663, Robert Nanteuil. Pastel sobre papel, 13 1/2 x 11 pulg. Museo J. Paul Getty, 98.GG.13. Imagen digital cortesía del Programa de Contenido Abierto de Getty

A diferencia del retrato anterior de L’Anonyme Lécurieux, el medio aquí cubre completamente el soporte de papel; la realidad de la hoja es tragada por la ficción de la semejanza. Este cambio puede reflejar la receta cuidadosamente guardada de Nanteuil a las barras de pastel, proporcionando un color más cremoso y más esparcible. Esta obra también apunta a un cambio en su uso del medio, de una aplicación esencialmente lineal a una más gruesa y suave, en la que el artista usó las yemas de sus dedos para hacer manchas con la barra de pastel, una práctica conocida como “endulzante”.

 

Edad de Oro de la pintura al pastel

Fue en el siglo XVIII cuando el pastel alcanzó su edad de oro. Reyes, príncipes y miembros de la burguesía querían sus retratos en colores pastel. Maurice Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perroneau, Chardin, Francois Boucher, Greuze, Mesdames Labille-Guiard y Vigée Lebrun estuvieron entre los que destacaron el arte del pastel en todo el mundo. Solo en París había al menos 200 grandes artistas.

 

Rosalba Carriera

Rosalba Carriera, la artista veneciana que dominó este medio a principios del siglo XVIII. Fue la primera fuerza importante en el desarrollo del pastel. Muchos de sus pasteles fueron hechos especialmente para ella por su colorista en Nápoles, quien experimentó con el uso de conchas de mar en polvo fino como portador del pigmento puro.

Las conchas de mar molidas han sido empleadas por siglos como cargas para tizas, acuarelas y temples. Al molerlas se obtiene un carbonato de calcio muy fino que es perfecto para técnicas delicadas. En Japón, por ejemplo, ha sido empleado este tipo de carbonato por varios siglos en distintas tintas. Hasta la fecha sigue siendo utilizado en las tintas tradicionales. Hoy en día se emplean más otros tipos de cargas. Gracias a la industria actual los carbonatos pueden molerse muy finos aún si su origen es distinto al marino.

La técnica de Carriera

Carriera desarrolló técnicas de pastel distintas a las que hoy en día son más empleadas. Recordemos que en la época el pastel era un medio nuevo y por lo tanto no existía aún una forma “correcta de trabajarlo”, cosa que es una gran ventaja para la creatividad. Por lo tanto la artista experimentó distintos sistemas para transmitir la textura de una mejilla, el lustre de un collar de perlas o la suavidad de una capa de terciopelo.

Por ejemplo, podría aplicar una capa de pastel humedecido con un pincel para establecer un tono de piel base y luego volver a visitar el área con pastel seco y en polvo para sugerir la superficie suave de la mejilla de una niña. La prodigiosa habilidad y velocidad de Carriera, así como su habilidad para embellecer y estilizar a sus retratados la convirtió en la retratista favorita de los aristócratas ingleses que visitaban Venecia.

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Una musa, a mediados de la década de 1720, Rosalba Carriera. Pastel sobre papel azul, 12 3/16 × 10 1/4 pulg. El J. Paul Getty Museum, 2003.17. Imagen digital cortesía del Programa de Contenido Abierto de Getty

 

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Sir James Gray, Segundo Baronet, alrededor de 1744, Rosalba Carriera. Pastel sobre papel, 22 1/16 × 18 1/16 pulg. Th J. Paul Getty Museum, 2009.80. Imagen digital cortesía del Programa de Contenido Abierto de Getty

 

Maurice-Quentin de La Tour

En París, el trabajo de Carriera tuvo un éxito enorme y ejerció una poderosa influencia en los pastelistas franceses de la siguiente generación. Entre ellos sobresalía Maurice-Quentin de La Tour, cuyos pasteles exhiben un naturalismo asombroso. La Tour desarrolló una práctica de retratos tremendamente exitosa mientras evitaba las pinturas al óleo. El hecho de que en 1750 fuera nombrado peintre du roi (pintor del rey) habla de la fuerte rivalidad en este momento entre los pasteles y las pinturas al óleo, así como del alto estatus del medio.

Con sus seis metros y medio de altura, el retrato de Gabriel Bernard de Rieux (1739–41), magistrado parisino y heredero de una fortuna bancaria, es el pastel más grande del artista y, probablemente, el pastel más grande producido en el siglo XVIII. Creada a partir de más de una docena de hojas de papel, y elaborada con una increíble variedad de técnicas, esta imagen compite con los retratos al óleo contemporáneos en todos los frentes: en riqueza y variedad de colores y texturas, detalles finos y acabados, pero sobre todo, en tamaño.

 

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Retrato de Gabriel Bernard de Rieux, 1739–41, Maurice-Quentin de La Tour. Pastel y gouache sobre papel montado sobre lienzo. 79 × 59 pulg. El Museo J. Paul Getty, 94.PC.39. Imagen digital cortesía del Programa de Contenido Abierto de Getty

 

John Russell

Los dos ejemplos que colocamos abajo, Niño y Gato (1791) y Vidente de Fortunas (1790), son una maravillosa demostración de las posibilidades técnicas del medio de pintura al pastel. Niño y Gato es típico de las populares “imágenes de fantasía” sentimentales de Russell (obras de género, en lugar de retratos con nombre). Se han usado diferentes tratamientos en cada parte de este trabajo; desde lo pictórico, los tonos de pastel mojado utilizados para representar el borde de encaje del vestido del niño a los suaves trazos de su cabello; pasando por las líneas discontinuas de staccato de pigmento sin mezcla que evocan el pelaje del gato hasta la oscuridad aterciopelada de las nubes en el cielo más allá.

El Vidente de Fortunas es una imagen en la cual el papel azul y el fondo azul profundo que Russell usualmente empleaba en combinación con su vibrante paleta, le dio a su trabajo un alto brillo. Esto ocurre por que el contraste es exaltado por la selección de colores. El fondo frío, agrisado y obscuro hace destacar los colores de tonos ligeros y en ciertas áreas cálidos de los personajes principales.

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Niño y gato (1791). John Russell. Colección Tate

 

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Vidente de Fortunas (1790). John Russell. Colección Tate

 

Artistas de la técnica de pastel vanguardistas 

 

Odilon Redon

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Nubes de flores (1903) Odilon Redon, pastel.

Este paisaje de nubes expresa toda la maravilla del color y la creación de marcas que se pueden explorar con pasteles. Este medio era uno de los favoritos de Redon. Ya sea pintando retratos, naturalezas muertas o paisajes imaginados, hizo que los pasteles se sintieran ricos y poderosos, actitudes difícilmente asociadas con el medio a la usansa de los artistas que vimos previamente.

 

Childe Hassam

Ilustradora de oficio, Childe Hassam fue uno de los impresionistas norteamericanos más notables que trabajaron a fines del siglo XIX y principios del XX. También es uno de los pastelistas estadounidenses más famosos.

Expuso en la cuarta exposición final de la Society of Painters in Pastel en Nueva York en 1890. El paisaje urbano, los jardines de verano y los cielos nocturnos abstractos fueron capturados por su mano, trabajando en este medio.

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Amapolas, islas de los bajíos (1891). Childe Hassam, pastel.

 

 

Mary cassatt

Mary Cassatt fue una de las artistas más influyentes del arte estadounidense del siglo XX. Su amigo Edgar Degas fue el primero que la inspiró a trabajar en pasteles y pintar retratos utilizando este medio. Los pasteles se podían manipular con mayor rapidez y facilidad, no tenían olor y permitían frecuentes interrupciones. Para Cassatt, quien hizo muchos retratos de niños, eso fue esencial. Sus pasteles son más conocidos por sus trazos lineales audaces que crean formas sensibles y sustantivas.

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Bebé en los brazos de su madre, chupándose el dedo. Mary Cassatt, pastel.

 

William Merritt Chase

El notable retratista William Merritt Chase fundó la Sociedad de Pintores Americanos de Pastel en 1882, que incluyó a artistas como John Henry Twachtman, Childe Hassam y Robert Reid. La Sociedad solo duró ocho años y realizó cuatro exposiciones. Pero llamó la atención sobre el pastel y lo ayudó a ganar respeto como medio.

Chase trabajó en una variedad de medios, incluyendo óleo, pastel, acuarela y grabado. Sus dibujos en colores pastel eran a veces muy grandes, de hasta seis pies de altura, y hechos sobre lienzo.

 

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Autorretrato de William Merritt Chase (1884), pastel.

 

Jean François Millet

De 1865 a 1869, Millet pintó casi exclusivamente en colores pastel para una colección que eventualmente incluiría 90 obras. Con esta colección, el artista exploró las posibilidades y los límites del medio. Fue uno de los primeros en dibujar realmente con colores pastel y usar trazos de color rotos, en lugar de mezclar los colores extensamente como lo hacían los primeros pastelistas.

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Lavando caballos, puesta de sol (1866). Jean-François Millet, pastel y crayón Conte negro.

 

Edgar Degas

Terminamos con el famoso artista que históricamente está más conectado con el pastel. Degas es considerado el artista vanguardista más responsable de la transformación del pastel en un medio importante. Cuando comenzó a trabajar con pasteles, se utilizaron principalmente para retratos y, a menudo, como precursores para completar pinturas al óleo. Trabajó en pastel a lo largo de su carrera y en 1880 se convirtió en su principal medio. El artista a menudo lo combinaba con otros medios como la acuarela, el óleo y el monotipo, creando superficies ricas con una variedad de calidades de pintura aplicadas en capas complejas.

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La Toilette (Mujer peinándose el pelo) por Edgar Degas, ca. 1886, pastel sobre cartón. (Los colaboradores del artículo incluyen a Naomi Ekperigin y Alan Flattmann.

 

Masificación de las barras de pintura al pastel

Si bien la mayoría de los primeros practicantes ingleses de la técnica  de pastel hubieran hecho sus propios colores, los pasteles preparados previamente también estaban cada vez más disponibles. Dadas las numerosas complicaciones que conlleva el equilibrio de los ingredientes, este desarrollo fue fundamental para el aumento de la popularidad del medio. Para la década de 1730, los pasteles podían comprarse fácilmente en tiendas de Londres y en la mayoría de las principales ciudades europeas en una amplia gama de colores y medios tonos. Los pastelistas artesanos hicieron todo lo posible para obtener los mejores ejemplos, y se dice que Bernard Stoupan, de Lausana, Suiza, fue uno de los mejores.

 

Tipos de pasteles en barra y fabricantes importantes

Los pasteles se hacen en cuatro grados: muy suaves, suaves, semiduros o intermedios, y duros. En la mayoría de los casos, los blandos son los preferidos. Los pasteles blandos se utilizan generalmente en la primera capa como base o capas inferiores.

Los pasteles más duros son ideales para hacer detalles delicados en los que un pastel suave podría ser demasiado tosco. Sin embargo si lo que queremos es dejar un “impasto” con pastel en capas superiores nos conviene más usar pasteles suaves en las capas superiores.

Una gran ventaja del pastel es que puede ser trabajado fantásticamente en técnicas mixtas, pero de eso hablaremos en otra ocasión.

 

La Maison du Pastel: casi 300 años fabricando gises al pastel

La historia de “La Maison du Pastel” comienza a principios del siglo XVIII, cuando el trabajo con los pasteles estaba muy de moda. Artistas como Quentin de la Tour, Chardin y Rosalba Carriera contribuyeron a su notoriedad. Durante un viaje a Francia entre 1720 y 1726, Rosalba mencionó en su correspondencia que prefería los pasteles que se ofrecían en París.

El taller antiguo de “La Maison du Pastel” existe desde 1720. En 1760, se encontraba en Versalles, hasta que se trasladó a la rue Saint-Honoré en París. En 1766, se estableció en la rue du Grenier St Lazare en el “Marais”, el área de París dedicada en ese momento al comercio, donde permaneció hasta 1912.

Henri Roché un ingeniero químico, biólogo, medallista de oro de la “Société de Pharmacie” y de la “École de Pharmacie de Paris”, se hizo cargo de “La Maison du Pastel” en 1878. Desarrolló contactos regulares con Legros y Whistler en Londres, y luego con aquellos como Degas y Chéret. Estos artistas le presentaron sus deseos con respecto al pastel: una amplia gama de colores sólidos, variados, armoniosos, luminosos y con una adhesión al soporte de tal manera que no se necesitara fijador. Roché desarrolla en esa época aproximadamente 100 colores y una gama de alrededor de 500 colores para 1887. A partir de entonces, “La Maison du Pastel” experimentó un crecimiento continuo, y los pasteles de Roché se hicieron famosos en todo el mundo por sus cualidades específicas.

 

Los pasteles GIRAULT

Los pasteles GIRAULT fueron reconocidos rápidamente por sus cualidades, que rara vez se encuentran unidas en un solo producto.

Artistas, como Quentin de la Tour, participaron grandemente en la notoriedad de Pastels GIRAULT. Apreciado en todo el mundo desde muy temprano, era natural que Pasteles Girault recibiera medallas en las Exposiciones Universales de París. Desde entonces, los secretos de fabricación se han transmitido de generación en generación.

 

Artículos relacionados al tema:

Edgar Degas y su técnica de pintura al pastel

La técnica de Toulouse-Lautrec

 

 

Link relacionado desde museos:

https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/display/bp-spotlight-craze-pastel/essay

La técnica de óleo de los grandes maestros, Megilp y aceite negro

mayo 2, 2019

Algunos pintores, incluido Sir Joshua Reynolds (1723–1792), intentaron recrear los efectos logrados por Rubens y Rembrandt. Un medio popular para esto fue Megilp, un tipo de óleo que consiste en un aceite cocido junto con un agente secante (generalmente blanco de plomo) y resinas. Este medio, mal producido y mal utilizado ha resultado en muchos problemas en las capas de pintura de obras producidas con él. Los efectos negativos del mismo incluyen gran obscurecimiento de las obras y un gran agrietamiento de las superficies.

Sin embargo bien producido y bien utilizado el Megilp es el tipo de óleo que ha generado las pinturas al óleo más grandiosas y famosas de la historia del arte europeo. Tiene la capacidad de generar una transparencia y refracción inigualable en los lienzos. Así mismo permite a los artistas un vertiginoso ritmo de trabajo por su veloz tiempo de secado.

Si bien es un medio difícil de preparar y de utilizar correctamente, la realidad es que a la fecha nada puede producir los resultados que este medio bien utilizado genera.

 

Casos exitosos en el uso de Megilp

Los medios de pintura al óleo modernos han recorrido un largo camino desde la época de Joseph Mallord William Turner, (1775-1851) y Joshua Reynolds (1723-1792). Ambos pintores, junto con muchos otros, utilizaron un medio, mezclado con sus pinturas al óleo, conocido entonces como Gumtion, McGuilpis, Macgilp ó Megilp.

No importa cómo se llamara, la fórmula era esencialmente una mezcla de barniz de almasiga y un aceite como el de nuez, linaza, cártamo o amapola, cocinado con litharge o blanco de plomo.

 

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Venezia – the Dogana and San Giorgio Maggiore, 1834. J.M.W. Turner.

Los primeros medios de pintura al óleo que existieron eran una combinación de aceites, pigmentos y resinas y tardaban semanas o meses en secarse completamente. Un artista no podría agregar otra capa de pintura sobre una capa “sin secado” anterior sin el riesgo de que la pintura goteara lentamente sobre el lienzo.

Los primeros aceites que se emplearon para preparar óleo durante el renacimiento eran aceites de nueces, los cuales tardan mucho tiempo en secar. Sin embargo los pintores experimentaron mucho para encontrar formulaciones de óleo que secaran cada vez más rápido. Por dicha razón se decantaron con el tiempo por el uso de aceite de linaza cómo medio principal y posteriormente transformaron dicho aceite en aceite negro. Dicho aceite secaba rapidísimo a la vez que era tremendamente refractante.

 

Formulación de Megilp por Turner

La formulación particular de Turner de megilp consistía en resina seca de árboles de almásiga, acetato de plomo, aceite de linaza y trementina. La mezcla resultante, de color mantequilla, gelatinosa, permitió que sus capas de aceite gruesas se secaran en pocos días, quedando listas para la siguiente capa. Esto le permitió acumular rápidamente veladuras luminosas de color, dando a su trabajo una apariencia brillante como la de la luz solar.

Según podemos notar en sus obras, parece que Turner tuvo cuidado de formular su Megilp correctamente para que no se oscureciera de más con el tiempo. El efecto fue sensacional y contribuyó a hacerlo famoso. Sin Megilp, es posible que Turner no haya ganado tanto reconocimiento por su trabajo.

Sin embargo, hay conjeturas de que los cambios perjudiciales observados en algunas de las pinturas de Reynolds pueden haber resultado de su confianza en una formulación menos duradera de Megilp.

 

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Calais Pier por J.M.W Turner

Propiedades químicas del Megilp de Turner

Los científicos han desentrañado las propiedades químicas del Megilp de Turner para averiguar por qué funciona la mezcla. Han descubierto que el componente de plomo de la mezcla genera una forma altamente reactiva de oxígeno.

Este elemento reacciona con los aceites, acelerando su tiempo de secado. También cataliza la formación de un gel elástico orgánico-inorgánico que mantiene los pigmentos en su lugar cuando se agregan capas de pintura adicionales. Pinturas con una gran cantidad de veladuras superpuestas hubieran sido imposibles sin el uso de meguilp o aceite negro.

 

El Megilp a través de la historia

El Megilp era/es un compuesto gelificado de barniz de resina de mastique y aceite espesado a base de linaza cocido con plomo. Este medio de pintura al óleo probablemente se usó por primera vez en los años posteriores a la década de 1600. Aunque su primera referencia conocida con dicho nombre data de alrededor de 1760, el Megilp se volvió especialmente popular durante el siglo siguiente.

Se utilizó una versión incluso anterior basada en aceite espesado a base de nueces en la Italia de 1600. A lo largo de su uso registrado en la historia, el Megilp ha tenido una reputación que va desde muy buena a muy mala. Su uso está generalmente condenado por los actuales expertos y conservadores. Sin embargo, parece que muchos pintores al óleo de primera clase, como John S. Sargent, Rembrandt, Rubens y otros no pudieron actuar sin el medio gelificado y, en general, su uso no generó ningún problema adverso en sus obras.

 

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La Carmencita, 1890. John Singer Sargent. Pintura al óleo.

Como hoy existe mucha confusión en cuanto a lo que constituye el Meguilp, nuestra razón para desarrollar este ensayo fue esclarecer un poco el tema de su composición química. Para enfocar con precisión este tema, hemos reunido solo fórmulas originales de fuentes históricas primarias, es decir, recetas y fórmulas del momento histórico real de mayor popularidad del Meguilp.

 

El medio de Maroger

Por supuesto, el uso generalizado del “Medio de Maroger”, un medio muy favorecido y discutido, tiene un lugar perfecto dentro de este asunto. Hoy en día hay quienes sostienen con devoción que el “Medio de Maroger” no es en realidad Megilp y que el Megilp es algo completamente distinto.

En el primer párrafo de la introducción de su libro de 1948, “Las fórmulas secretas y la técnica de los maestros”, Jacques Maroger escribió: “Desde que el conocimiento de las grandes técnicas de pintura del Renacimiento se perdió tan misteriosamente, hacia el final del siglo XVII, los artistas han estado tratando en vano de redescubrir los métodos de maestros como Tiziano, Rubens, Sir Joshua Reinolds, así como sus predecesores: Jan Van Eyck o Memling, cuyas técnicas permitieron que la ejecución fuese brillante y duradera”.

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Lady Sunderland, 1786. Sir Joshua Reynolds. Óleo sobre lienzo. 238.5 x 147.5 cm, Museos en Berlín, Berlín.

En su segundo párrafo introductorio, Maroger agrega: “Durante los últimos dos siglos o más, se ha hecho evidente que ciertas cualidades de color, modelado y brillo de la superficie que parecen ser de propiedad común de escuelas de pintura anteriores, estaban más allá de las capacidades técnicas del momento”.

 

La Jalea de Rubens

En la página 100 del libro de Maroger, este autor describe lo que él creía que era el medio de Rubens. Lo llamó “La jalea de Rubens” y esta fórmula en particular, más que cualquier otro medio que presentara, sería conocida y muy alabada después como “Medio de Maroger”. Para ser precisos, estas son las propias palabras de Maroger: “En general, una cucharada de barniz de almásiga, mezclada con un poco más que una cucharada de aceite negro, da un buen resultado (gelatina)”.

En la página 177, Maroger da direcciones proporcionales para el barniz de mastique para hacer el medio de gelatina como parte de resina de mastique (medida en peso) a dos partes de trementina (también medida en peso). También se dan, en otra parte, fórmulas para el conocido “Aceite Negro”, que se obtiene calentando pequeñas cantidades de Carbonato de plomo o Litharge en el aceite de linaza y otros agregados, lo que le da al aceite el color del café y también lo seca rápidamente. [Maroger, p. 64, atribuye la formulación de “Aceite negro” al pintor Giorgione].

 

Aceite-Negro

Aceite Negro

 

El Megilp según Maroger

Maroger continúa comentando, página 100:

“Una jalea similar, más reciente, se ha conocido bajo el nombre de Megilp, o mantequilla de pintor, pero esta mezcla, como ha llegado a nosotros, está tan deformada que ya no tiene ninguna relación con la gelatina de Rubens. Es un producto completamente transformado, que conserva solo el nombre de lo que era anteriormente…”

Curiosamente, aunque su libro está lleno de recetas, Maroger no proporcionó una fórmula única para el Megilp. Hay muchas afirmaciones interesantes y valiosas que se pueden encontrar en el libro de Maroger, y que a menudo proporciona información útil o perspicaz. Sin embargo, la distinción particular y supuesta, entre la “gelatina de Rubens” de Maroger y la gelatina Megilp del siglo XVIII-XIX ha causado mucha confusión entre los pintores desde entonces.

 

Otras reseñas sobre Megilp

Históricamente, el medio para pintar conocido como Megilp (o sus muchos nombres alternativos) comenzó a aparecer en notas y escritos a mediados del siglo XVIII. Por ejemplo, Reynolds mencionó por primera vez la sustancia de nombre extraño en su cuaderno de 1767. Después de ese tiempo, el material gelatinoso aparece reseñado muy a menudo en alusiones impresas.

De hecho, muchos de los libros de pintura al óleo escritos en la década de 1700 y en la década de 1800 mencionan al Megilp como un medio útil. Típicamente, los diversos autores realizan la mezcla de “Aceite de secado” con una cantidad de “Barniz de almáciga”. Por ejemplo, Eastlake menciona en la página 310 de sus “Métodos y materiales”, 1847, vol.1, que el Megilp se compone de “aceite espesado y barniz de almáciga“.

 

Que son el “Aceite espesado” y el “barniz de almasiga”? 

Estas recetas pueden causar cierta confusión, ya que uno podría preguntarse qué se entiende por la terminología de aceite espesado y barniz de almáciga. Por ejemplo, ¿”aceite espesado” significa simplemente aceite crudo? ¿qué se quería decir con esta terminología en los siglos pasados?

Afortunadamente, los diversos “cómo hacerlo” los libros históricos de estos períodos de tiempo victorianos y anteriores son bastante específicos, aunque no siempre son específicos en la misma oración. Al seguir leyendo dentro de estas fuentes, a menudo encontramos los ingredientes claramente definidos. El “aceite de secante”, como se inventó antes de la aceptación del manganeso a fines del siglo XIX, generalmente se realizaba mediante el tratamiento del aceite de linaza crudo con plomo o con un compuesto de plomo, generalmente plomo blanco, rojo o polvo de litio. En cuanto al barniz de almáciga, se forma disolviendo resina de almáciga con aceite esencial de trementina. Esta trementina no debe confundirse con la trementina de Venecia que es una goma, la esencia de trementina es el solvente.

 

Almáciga

Las investigaciones de Leslie Carlyle

Últimamente, muchos artistas han consultado la reciente investigación sobre los medios históricos de pintura al óleo realizada por la doctora canadiense Leslie Carlyle. Con mucho crédito y valor, Carlyle ha generado su investigación histórica al explorar la literatura registrada de pintura de los períodos de tiempo más antiguos.

En la página 54 de su disertación doctoral de 1991, “A Critical Analysis of Artist’s Handbooks, Manuals and Treatises on Oil Painting Published in Britain Between 1800-1900: with Reference to Selected 18th Century Sources” Carlyle resume una descripción del secado de aceite bajo el título de “Métodos para preparar aceite espesado”. En este libro, la Dr. Carlyle escribe: “El aceite espesado se preparó polimerizando parcialmente el aceite ya sea por exposición a la luz (espesada por el sol), por calor (aceite hervido), o por uno o ambos procesos en conjunto con secadores”.

La Dra. Carlyle documenta el uso de plomo (y sus óxidos, sulfatos y acetatos) como el secado más comúnmente utilizado para producir aceite espesado comercial o casero hasta la última parte del siglo XIX. En casi todas las fuentes de libros a las que se alude en el artículo de Carlyle, el plomo, de alguna forma, se menciona como el secador utilizado para hacer el aceite espesado. En cuanto al barniz de masilla, Carlyle cita y comparte las recetas de tres autores separados del siglo XIX, Ibettson, Field y Williams. Claramente, este barniz, dependiendo del uso final como recubrimiento protector, o como un complemento a un medio de pintura, se hizo con una combinación leve o concentrada de trementina calentada a baja temperatura con resina de almácigo.

 

Algunas otras recetas documentadas sobre cómo hacer Megilp

La extensa documentación que Carlyle proporciona sobre recetas de Megilp fueron copiadas palabra por palabra de los numerosos libros de “cómo hacerlo” del siglo XIX. Existen diferencias sutiles entre cada uno de los autores, pero prevalece una cierta característica esclarecedora. Proporcionaremos algunos de estos como muestra y en una especie de difusión geográfica para mostrar que el mismo conocimiento general estaba muy extendido en ese momento:

 

En Inglaterra

C. Ibettson, “An Accidence, or Gamut, of painting in Oil”, 1803, página 15; bajo el encabezado de “Megilp”: “…La mejor solución se hace hirviendo el aceite de linaza en una sartén de barro, en cuyo fondo debe colocar el plomo blanco con un espesor de un cuarto de pulgada. No lo revuelva en absoluto hasta que adquiera un color ceniza marrón, cuando habrá absorbido una cantidad suficiente de plomo para convertir el barniz de mastique en un gel muy espeso”.

 

En Francia

En 1827, PL Bouvier escribió un libro para pintores principiantes (“Manual Des Jeune Artistes”) e incluyó lo siguiente: Nombre: Macgilp, Maguilp, Magelp, Magilp. Materiales: Aceite de linaza hervido en Litharge y barniz de almáciga grueso. Relación de materiales: 1: 1 o 2: 1

 

En Estados Unidos

Algunos años más tarde, en 1845, un estadounidense, L. Osborn, tradujo la obra de Bouvier Y la publicó en Filadelfia. Según su libro, que tiene el mismo título que Bouvier, “Handbook of Young Artists and Amateurs in Oil Painting”, 1845; Capítulo 8, página 79: “El Macgilp, Maguilp, Magelp o Magilp (porque encontramos esta extraña palabra deletreada de todas estas formas) consiste en aceite de linaza hervido en Litharge y mezclado, por simple agitación del vial, con la mitad, o una cantidad igual de barniz de mastique grueso. Es muy utilizado por algunos pintores  principalmente para el retoque de las pinturas”.

Otro: Clint (1855), página 64; Bajo el título de Brown Megilp, este autor escribe: “El Brown Megilp está compuesto de cantidades iguales de Aceite espesado fuerte y Barniz de almáciga fuerte, bien agitado o revuelto. Si solo se requiere una pequeña cantidad, ponga un número determinado de gotas de cada uno en la paleta, y frótelos bien junto con un cuchillo, hasta que produzcan una gelatina transparente gruesa; este es un vehículo anticuado, pero en mi opinión es muy bueno”.

 

Variaciones del Megilp a lo largo de la historia

Para mayor precisión, hubo algunas variaciones históricas leves también conocidas como Meguilp. Pero, una mirada cuidadosa revela que todas estas recetas se dan cuenta de la necesidad básica de combinar barniz de mastique de trementina con algún tipo de aceite de secado hecho con plomo. También conocido desde finales de 1700 es otra mezcla ligeramente diferente conocida como “Gumption”. En la invención de Gumption se utilizaron todos los ingredientes básicos excepto la trementina. La resina se mezcló mecánicamente con aceite de linaza, se requirió una pequeña cantidad de acetato de plomo hasta formar una gelatina rígida. Posteriormente se añadió más aceite hasta que se logró una consistencia más maleable. Algunas pruebas muestran que Gumption es un medio más estable que el Meguilp.

Sabemos que Velazquez pudo haber empleado gumption en vez de meguilp puesto que sus obras se obscurecieron mucho menos que las de otros artistas de su época. Esto nos dice que si bien utilizó aceite negro en sus pinturas (que es el elemento del meguilp que se obscurece con los años, lo empleo rebajado.

Retrato de Inocencio X (1650). Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo. Altura: 141 cm (55.5 ″); Ancho: 119 cm (46.8 ″). Colección: Galería Doria Pamphilj

 

Por que almácigo y no otra resina como el damar

La respuesta a esta pregunta es muy sencilla, el almácigo es la mejor goma que existe para preparar barnices para pintar al óleo. Es una goma sumamente flexible aún seca, cosa que equilibra lo secante del plomo. Aparte permite a las obras pintadas con ella mantener sus superficies sin craqueladuras por mucho más tiempo.

En segundo lugar la almáciga ayuda a prevenir el crecimiento de hongos y bacterias sobre las superficies de los cuadros.

 

En resumen

Cuando comparamos las fórmulas básicas de Meguilp del siglo XIX con las fórmulas de Aceite Negro de J. Maroger de 1948 y  la Jalea de Rubens, es muy fácil dilucidar el mismo producto encubierto bajo la apariencia de otro título. Además, sin lugar a dudas, el Megilp se hizo popular y ciertamente muy usado por algunos de los más grandes y expertos pintores a lo largo de los siglos XVIII y XIX. El libro de Maroger abogaba fuertemente por el uso de médiums como los de los antiguos maestros. Ten en cuenta que Maroger instó el uso de estos mismos medios como rutas seguras para devolver la magnificencia de las técnicas renacentistas perdidas.

El megilp, como muchos de los lectores se habrán dado cuenta, es una barniceta hecha con barniz de almáciga y aceite negro. Dicho aceite y esta barniceta en conjunto con el temple son la esencia de la hoy en día conocida como “técnica Veneciana”, la técnica empleada por los grandes maestros de la pintura. Esta técnica es la misma que produjo las más grandes obras de la pintura al óleo y que aún hoy en día no tiene igual en cuanto a los resultados visuales que permite.

 

Podrás encontrar más info relacionada en los siguientes post del blog de Ttamato:

De magro a graso, el sistema veneciano de pintura

La técnica veneciana y su historia

La importancia de las técnicas de pintura

 

Si tienes mucho interés en esta técnica te comentamos que los días 2 y 3 de agosto de 2019 impartiremos un taller de técnica veneciana en nuestro taller. Para mayor información envíanos un correo a contacto@ttamayo.com

 

 

 

La composición “all over” de la pintura abstracta y los estilos relacionados con ella

abril 17, 2019

Existen dos tipos de composición en el dibujo y la pintura. Una de ellas es conocida como composición relacional, que es la que más conocemos, y la otra es conocida como composición “all over”, que es menos conocida y es el tema principal de este texto.

Cuando componemos de forma relacional debemos determinar que elementos dentro de un plano tienen mayor importancia y cuales menos, o dicho de otra forma cuales ocupan un lugar privilegiado dentro de la imagen y cuales no. En esta forma de composición hay un personaje principal o área principal y personajes secundarios. Utilizamos la composición para determinar que puntos de nuestra imagen están en “foco” y cuales son los puntos de menor interés.

Cuando en la tradición clásica de la pintura europea se hablaba de composición se hacía referencia a la composición relacional. Solo que en aquella época no se llamaba de esa forma, se llamaba composición pictórica.

Esta herramienta que se valía del ajuste de las relaciones de los elementos artísticos respetando el borde del lienzo, fue ampliamente desarrollada desde la edad media y hasta los primeros movimientos modernos, como el cubismo y el arte abstracto.

Luego, a fines de la década de 1940, el expresionista abstracto Barnett Newman comenzó a hacer pinturas en las que grandes bloques de color corrían de arriba a abajo del lienzo (Campos de color). Este estilo fue radical en términos de composición debido a que los bloques de color simplemente salieron de los bordes superior e inferior del lienzo, que Newman dejó deliberadamente sin enmarcar.

Al mismo tiempo, el pintor expresionista abstracto estadounidense, Jackson Pollock, dió a conocer lo que llegó a llamarse composición “all over”, estilo compositivo en el que no había elementos principales ni secundarios. Examinaremos este estilo a continuación.

 

¿En qué consiste el estilo de composición “All over”?

“All over” (en inglés significa en todas partes), es una práctica surgida en la pintura alrededor de 1948, que consiste en distribuir más o menos uniformemente los elementos pictóricos en toda la superficie. La pintura inclusive parece extenderse más allá de los bordes.

Esta técnica fue inventada por Janet Sobel (1894-1968), una pintora estadounidense de origen ucraniano. Jackson Pollock vio su obra expuesta en 1944, en la galería Art of This Century, y se inspiró para crear su propia obra all over, en 1951. En su caso, utilizó palos y pintura industrial para extender la pintura por todas partes de manera uniforme con gestos amplios pero controlados. El resultado es una abstracción pura en el espacio pictórico.

 

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Vía Láctea (1945). Janet Sobel. Esmalte sobre lienzo. 44 7/8 x 29 7/8 “(114 x 75.9 cm)

“All over painting” es una técnica en la que todo el lienzo o la superficie de la obra está cubierta de pintura de borde a borde y de esquina a esquina. En este tipo de pintura, cada porción de la obra de arte recibe la misma importancia y atención. Es diferente de las composiciones habituales que vemos. Es un estilo de pintura en el que no se considera la forma normal de tratar la composición. De esta manera, las obras quedaron liberadas de un centro de interés determinado, con múltiples puntos focales en el plano del cuadro y del dilema entre forma y fondo.

 

Imagen general

El término “imagen general” fue utilizado por primera vez por el crítico de arte Clement Greenberg en su ensayo de 1948 “La crisis de la imagen del caballete” para describir el surgimiento de composiciones “descentralizadas” como las enredadas capas de pintura goteada de Jackson Pollock. Los trabajos en esta categoría carecen de un punto focal dominante debido al tratamiento uniforme de toda la superficie. Artistas contemporáneos como Mark Bradford y Dan Colen han modernizado esta técnica al cubrir cada centímetro de los medios de apoyo tradicionales con materiales poco ortodoxos, como los papeles desechables o el chicle mascado.

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Ave del paraíso (2018). Mark Bradford.

 

Categorías relacionadas al estilo de composición “all over painting”.

Expresionismo abstracto

En términos de movimientos, el expresionismo abstracto se asocia en particular a los pintores de la Escuela de Nueva York, como Willem De Kooning (1904-97), Jackson Pollock (1912-56), y Franz Kline (1910-1962). Otros pintores en el movimiento incluyeron a Robert Motherwell (1915-91) (famoso por su serie de Elegía a la República Española), y Mark Tobey (1890-1976) (estilo caligráfico).

El expresionismo abstracto es un un movimiento artístico de mediados del siglo XX que comprende diversos estilos y técnicas y que destaca especialmente la libertad de un artista para transmitir actitudes y emociones a través de medios no tradicionales y, por lo general, no representativos.

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Sin titulo (1967). Mark Tobey. Técnica mixta sobre papel. 12.5 x 19 cm.

Pintura gestual

El término “pintura gestual”, también conocido como “gestualismo”, se utiliza para describir un método de pintura artística caracterizada por pinceladas enérgicas y expresivas que enfatizan deliberadamente el movimiento del brazo del pintor o el movimiento de la mano. En otras palabras, la pincelada en una pintura gestualista expresa las emociones y la personalidad del artista tal como los gestos de una persona reflejan sus sentimientos en la vida cotidiana. El gestualismo también enfatiza el acto físico de pintar en sí mismo, llamando la atención sobre el “proceso de creación”.

El término originalmente se usó para describir la pintura de los artistas expresionistas abstractos Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hofmann y otros (también conocidos como pintores de acción). La idea era que el artista actuara físicamente lo que buscaba transmitir, y que el espectador leyera algo de su emoción o estado de ánimo en las marcas de pintura resultantes. De Kooning escribió: “Yo pinto de esta manera porque puedo seguir poniendo más y más cosas en él (drama, enojo, dolor, amor)”.

 

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Una forma de vivir (2017). Willem de Kooning. Óleo sobre lienzo

 

Este enfoque de la pintura tiene sus orígenes en el expresionismo y el automatismo (especialmente la pintura de Joan Miró). En su Historia del Expresionismo abstracto, (1970) Irvine Sandler distinguió dos ramas del movimiento, “la pintura gestual” y la “pintura de campos de color”.

 

Orígenes e historia de la pintura gestual

Hasta mediados del siglo XIX, el mundo del arte estaba principalmente dominado por un estilo de pintura conocido como arte académico. Esta forma altamente pulida y estructurada de pintura al óleo fue promovida por las grandes Academias de Bellas Artes de Europa por su apariencia clásica y de gran frente, en la que no se veía ningún rastro del pincel del artista. Desde aproximadamente 1850 en adelante, a medida que esta estética ultra-convencional comenzó a relajarse gradualmente, los pintores adquirieron mayor libertad para pintar como se sentían. Comenzaron a surgir nuevos temas (p. Ej., La vida cotidiana de la gente común, defendida por Barbizon y el realismo francés), así como nuevos estilos de pinceladas y texturas de impasto. Poco a poco, gracias a artistas como Turner y posteriormente los imprecionistas que la pintura fue volviendose menos preciosista y adquiriendo una fuerte carga “gestual”.

 

Pintura de campo de color (c.1948-68)

El término “pintura de campo de color” se refiere a un estilo particular del expresionismo abstracto estadounidense, asociado con la Escuela de Nueva York de arte moderno. Iniciado por Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Mark Rothko (1903-70), este arte abstracto se caracterizó por grandes campos de color plano y sólido, que envolvían al espectador cuando se veía de cerca. Evitó deliberadamente retratar formas destacándose contra un fondo. En su lugar, la forma, el fondo y el fondo son uno, y la imagen, vista como un campo, en lugar de una ventana, dibuja el ojo más allá de los bordes del lienzo. El estilo fue diseñado sobre todo para tener un impacto emocional en el espectador.

 

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No. 61 (óxido y azul), (1953). Mark Rothko. 115 cm × 92 cm (45 pulgadas × 36 pulgadas). Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles

 “Action Painting” o pintura de acción

En su artículo innovador “The American Action Painters”, publicado en diciembre de 1952, Harold Rosenberg (1906-78) definió un movimiento y un momento. Mientras exploraba las ideas más innovadoras de su mente, siguió adelante y acuñó el término “Pintura de acción” para describir un nuevo estilo de pintura floreciente durante esa época en Estados Unidos.

Él vio que esta obra no constituye una escuela, sino que representa el acto creativo en sí mismo como algo espontáneo, no premeditado, del artista. Simplemente para registrar el “gesto en el lienzo”, escribió, “fue un gesto de liberación, desde el valor político, estético, moral”. Para Rosenberg, los nuevos artistas utilizaron el lienzo como “un escenario en el que actuar” en lugar de un lugar para producir un objeto. “Lo que estaba en el lienzo”, escribió, “no fue una imagen sino un evento”.

Rosenberg también vio el acto de pintar como inseparable de la biografía del artista. Como tal, la pintura rompe los límites entre el arte y la vida, haciendo que todo, incluidos los eventos en la vida del artista, caigan en la obra. El artista no está interesado en el arte per se; de hecho, utiliza el acto de pintar para alejarse del arte. Es a través de la psicología, “la psicología de la creación”, no el material personal que leemos, que el arte vuelve a la pintura. En este tipo de drama, con el pintor como actor actuando en un “escenario de cuatro lados”, el público está centrado en la acción: “creación, duración y dirección”.

 

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Jackson Pollock “Actionpainting”

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un movimiento que surge después del expresionismo abstracto, y que por extraño que parseca tiene un profundo vinculo con la composición “all over”.

Si bien el expresionismo abstracto, que dió origen “All over composition”, se trata de abstracción y el hiperrealismo tiene que ver con figuración, estos dos generos no son en todo opuestos como podría parecer.

De hecho la forma de componer del “All over composition”, se usa mucho en el hiperrealismo. Esto es porque en la pintura hiperrealista el nivel de detalle es tan alto en todos los elementos que componen el cuadro san actores principales, todo sobre el plano esta enfocado y todo aparece detallado.

El producto finalizado tanto del hiperrealismo como de la composición “all over” a menudo cuestiona nuestras percepciones de la realidad, explorando los límites de la visión humana.

 

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Frank, 1969. Chuck Close. Acrílico sobre lienzo

 

Artistas que han desarrollado el estilo de composición “all over painting”

Jackson Pollock, John M. Miller, Alma Thomas, Park Seo-bo, John Seery, Gloria Petyarre, Richmond Burton, Taro Yamamoto, David Davidovich Burliuk, David Mackenzie

 

Jackson Pollock

Es una de las principales figuras del expresionismo abstracto, dirección que se creó en los años 40 y 50 del siglo XX en los Estados Unidos. El expresionismo abstracto emocional evolucionó como una oposición al expresionismo geométrico racional y frío, la conexión de la ausencia de objetivos, las marcas y las formas simples (abstraccionismo) con la emocionalidad y el subconsciente (expresionismo).

Jackson Pollock, como el maestro de su género, rompió por completo con la imagen tradicional del pintor y su obra. Pollock no utilizó las herramientas de pintura estándar: pinceles, espátulas, caballetes. Puso la lona en el suelo. Como dijo: “trabajar en el suelo es más cómodo. Me siento más cerca de la imagen, pertenezco a ella, porque puedo caminar alrededor de ella, trabajar con todos los lados de la imagen y estar literalmente en la imagen”.

 

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Autumn Rhythm (1950). Jackson Pollock. Esmalte sobre lienzo. 105 x 207 pulg. (266.7 x 525.8 cm)

Estilo y técnica

Pollock deriva su inspiración del arte y la mitología de la India. Estaba interesado en los símbolos de la vida, el sexo y la muerte, descritos por Freud y Jung. Típico de Pollock (así como de todos los demás representantes del expresionismo abstracto) fue la técnica de la caída libre, el goteo de pintura sobre un lienzo colocado horizontalmente o salpicaduras de pintura con un pincel.

Pollock también utilizó la técnica de la “pintura de acción”. Se suponía que la pintura de gestos daba al pintor una completa libertad creativa, para permitir transferir la “naturaleza” latente oculta en el ser humano al lienzo. Pollock utiliza también pintura en latas. Hizo un agujero en el recipiente y vertió el contenido en el suelo. Luego difuminó la pintura con los dedos, palos, etc.

Pollock revolucionó no solo la técnica sino también la composición de la pintura. En sus pinturas no solo hay líneas rectas y rastros de geometría, sino que también falta el centro de gravedad (un punto focal de la composición). La pintura fluye libremente y salpica por todo el plano de la pintura, sin crear una división clara en el espacio.

 

Taro Yamamoto

Taro Yamamoto fue parte del movimiento expresionista abstracto en la ciudad de Nueva York durante los años cincuenta. Nació en Hollywood, California en 1919, pero fue enviado a Japón a la edad de ocho años para recibir una educación tradicional japonesa. Se graduó con una licenciatura en bellas artes en pintura japonesa de la Universidad de Arte y Diseño de Kyoto, Kyoto, Japón.

Fue invitado a participar en la exposición “KamisakkaSekka: Dawn of Modern Japanese Design” en la Galería de Arte de NSW en 2012 y tuvo una exposición individual en Art Atrium en el mismo año. También fue nominado en el 5º Premio Gran Premio Kaii Higashiyama Nikkei en Pintura Japonesa y exhibido en el Museo Real de Ueno en Tokio. Taro Yamamoto recibió numerosos premios, entre ellos el Premio VOCA, el Premio de Arte Philip Morris y el 4º Premio de Arte Shell.

Taro Yamamoto (1919-1994). Untitled, 1964. Oil on canvas, 40 x 50 inches. Signed and dated lower right.

 

John M. Miller

A principios de la década de 1970, John M. Miller, un artista retirado, se redujo a su esencia, que, para él, tomó la forma de barras angulosas y de colores. Él ha estado pintando estas barras en tonos de blanco, negro, azul, púrpura, rojo, amarillo y verde en lienzos sin imprimación, durante más de 40 años.

Meticuloso y meditativo, sus composiciones han sido categorizadas diversamente como Op Art y Geometric Abstraction, y comparadas con las obras de Agnes Martin y Brice Marden. Los trabajos de Miller requieren y recompensan la atención lenta de los espectadores, que permite que el ojo perciba una sensación de movimiento rítmico en la interacción de las barras, y que la mente se abra a sus diversas asociaciones: tejer, coser o un jardín Zen de piedra recién rastrillado.

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Sin título (95-1) [Azul / Naranja]. John M. Miller

Alma Woodsey Thomas

Alma Woodsey Thomas fue una pintora estadounidense conocida por sus composiciones coloridas y abstractas. Ha publicado referencias históricas históricas, fenómenos naturales y estética personal a través de composiciones simples de forma circular y lineal.

El legado de Thomas se define por la aclamación crítica y los logros, incluida una Exposición individual en el Whitney Museum of American Art. Su trabajo fue particularmente exhibido en la Casa Blanca durante el mandato de la administración Obama. “El arte creativo es para todos los tiempos y, por lo tanto, es independiente del tiempo”, dijo una vez la artista: “Es de todas las edades, de todas las tierras, y si con eso nos referimos al espíritu creativo en el que una imagen es común a todo el mundo, independientemente de la edad, raza y nacionalidad; la declaración puede quedar sin oposición.

 

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White Daisies Rhapsody (1973). Alma Thomas. Acrílico sobre lienzo. Fuente: Smithsonian American Art Museum

David Mackenzie

David Mackenzie considera que su trabajo es parte de la tradición no objetiva de la pintura y toca las nociones de arquitectura deconstructiva, historia modernista, geometría y perspectiva. Sus superficies cuidadosamente consideradas y formuladas son parte de su proceso.

Su trabajo ha sido incluido en la Bienal de Whitney y se ha mostrado en Italia, Francia, Alemania y Rusia. Ha recibido subvenciones de la Fundación Pollack-Krasner y la Fundación Nacional para las Artes. Ha trabajado en la Colección Phillips, el Museo Metropolitano de Arte Americano, Arte en Embajadas, Departamento de Estado de los Estados Unidos, Museo de Arte de Oakland, Fundación René Di Rosa, entre otros.

 

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Acrílico sobre lienzos de ingeniería. David Mackenzie. 24”x 32”

 

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La genialidad de un pintor: Leonardo Da Vinci

abril 16, 2019

Leonardo Da Vinci fue el epítome del “hombre del Renacimiento”. Desde sus comienzos más humildes, se convirtió en el artista más famoso de la época. Creó obras maestras como La última Cena, El Hombre de Vitruvio y la Mona Lisa, quizás la pintura más famosa de la historia.

Los poderes de observación y habilidad de Da Vinci le permitieron recrear los efectos que veía en la naturaleza. Alimentado por la curiosidad, Leonardo constantemente trataba de explicar lo que veía a través de sus obras pictóricas, agregando una vivacidad especial a sus retratos.

 

Obras y estilo de Leonardo da Vinci

Da Vinci realizó un estudio científico de la luz y la sombra en la naturaleza. Con el tiempo se dio cuenta de que visualmente los objetos no estaban compuestos de contornos, sino que estos son visibles por la luz y la sombra. La experimentación con la técnica conocida como claroscuro, dio a sus pinturas la calidad sutil y realista que hacía que las obras más antiguas parecieran planas.

Leonardo también comprendió que el color y el detalle de un objeto cambian a medida que se retira en la distancia. Una de las técnicas que empleó para generar esta ilusión es llamada sfumato, la cual fue desarrollada por primera vez por pintores flamencos y venecianos. Con el genio artístico de da Vinci, se convirtió en una herramienta poderosa para acentuar la atmósfera y profundidad en sus obras.

 

La última Cena

La última cena, ha sido denominada como “la pintura narrativa más fascinante de la historia”. El duque de Milán le pidió que pintara esta obra en la pared de un comedor de un monasterio. A diferencia de otras representaciones de La última cena, de las cuales había cientos en ese momento, Leonardo no captura un momento. Él entiende que no hay tal cosa como un instante de tiempo desconectado. Él escribe que cualquier instante contiene lo que viene antes y después, porque está en movimiento.

Así que él hace de La última cena una narrativa dramática. Cuando entras por la puerta, ves la mano de Cristo y, luego, al observar su brazo levantado, miras su rostro. Él está diciendo: “Uno de ustedes me va a traicionar”. Cuando tus ojos se mueven a través de la imagen, casi puedes ver que el sonido casi ondea cuando cada uno de los grupos de apóstoles reacciona.

 

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La última cena (1490). Leonardo da Vinci. Témpera sobre gesso, brea y masilla. 460cm x 880cm. Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán

Efecto teatral de esta y otras de sus obras

Leonardo no solo se dedicaba al oficio de la pintura, le gustaba pensarse a sí mismo como un ingeniero y arquitecto, labores que también desempeñó con gran pasión. Lo interesante y el hilo conductor de toda su producción artística, es que su primer trabajo fue como productor teatral.

A partir de eso, aprendió a hacer trucos con perspectiva porque el escenario en un teatro parece más profundo de lo que es. Incluso una mesa en el escenario estaría ligeramente inclinada para que puedas verla, que también es lo que vemos en La Última Cena. Del mismo modo, en el escenario, los gestos teatrales de los personajes serían exagerados, que es lo que también se observa en La última cena.

 

La Mona Lisa

Da Vinci empleó la técnica de sfumato (más tarde conocido como el humo de Leonardo) para producir su obra de arte más famosa, la Mona Lisa. Otras cualidades de esta pintura son el simple vestido, el paisaje dramático, la paleta de colores tenues y la naturaleza extremadamente sutil de la obra. En esta obra donde se han mezclado sucesivas capas finas de óleo en la superficie para ocultar cualquier rastro del trazo del pincel.
La sonrisa de la “Mona Lisa”

¿Dónde encaja la Mona Lisa en la vida y el trabajo de Leonardo, y cómo ha logrado hechizarnos durante 500 años? La sonrisa de Mona Lisa es la culminación de toda una vida dedicada al estudio del arte, la ciencia, la óptica y cualquier otro campo posible en el que pudiera aplicar su curiosidad, incluida la comprensión del universo y cómo encajamos en él.

Estudios minuciosos de anatomía

Leonardo pasó muchas páginas en sus cuadernos diseccionando el rostro humano para descubrir cada músculo y nervio que tocaba los labios. En una de esas páginas ves un esbozo débil en la parte superior del comienzo de la sonrisa de la Mona Lisa. Leonardo conservó esa pintura desde 1503, hasta su lecho de muerte en 1519, organizando minuciosamente los diversos aspectos artísticos en una capa tras otra.
Llevaba su cuaderno mientras caminaba por Florencia o Milán, y siempre dibujaba las expresiones y emociones de la gente y trataba de relacionar eso con los sentimientos internos que tenían. Este ejercicio es más obvio en La última cena.

 

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Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo (c.1503 – c.1519). Leonardo Da Vinci. Óleo, tabla, madera, álamo. Louvre, París, Francia

Pero la Mona Lisa representa la cúspide de su maestría pictórica de la anatomía facial. Cada vez que la miras parece un poco diferente. A diferencia de otros retratos de la época, esto no es solo una representación plana y superficial. Esta obra posee además un elemento adicional de complejidad artística, en la que logra representar un estado emocional imposible de descifrar ¿Serenidad, felicidad, armonía? ¿O todas y más al mismo tiempo? La Mona Lisa es un personaje enigmático representada por un artista no menos misterioso.

 

El hombre de Vitruvio de Da Vinci

Otra de las obras más famosas de Da Vinci es El Hombre de Vitruvio, creada alrededor de 1490.
Leonardo dibujó al Hombre de Vitruvio, conocido también como “Las proporciones del cuerpo humano de acuerdo con Vitruvio”, en 1492. Representado en lápiz y tinta con punta de metal en el papel, la pieza representa a un hombre desnudo idealizado de pie dentro de un cuadrado y un círculo. Ingeniosamente, Leonardo eligió representar al hombre con cuatro piernas y cuatro brazos, lo que le permite realizar 16 poses simultáneamente.

El hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci

The Vitruvian Man se basa en De Architectura, una guía de construcción escrita por el arquitecto e ingeniero romano Vitruvio entre el 30 y el 15 aC. Si bien se centra en la arquitectura, el tratado también explora el cuerpo humano. Trata sobre la geometría de proporciones “perfectas”, que atrajo el interés de Leonardo por la anatomía e inspiró su dibujo. Es por esta razón que la pieza es en parte obra de arte y en parte diagrama matemático. Es una obra que transmite la creencia de que de que “todo se conecta con todo lo demás”.

Vitruvio describió a la figura humana como la principal fuente de proporción entre los órdenes clásicos de la arquitectura. Vitruvio determinó que el cuerpo ideal debería tener ocho cabezas de altura. Esta imagen muestra la mezcla de arte y ciencia durante el Renacimiento y proporciona el ejemplo perfecto de la profunda comprensión de Leonardo de la proporción.

 

El hombre de Vitruvio (1490). Leonardo da Vinci. Plumín, pluma y tinta sobre papel. 34,4 cm × 25,5 cm. Localización: Galería de la Academia de Venecia, Venecia. (Especificación de las proporciones: 4tas, 6tas, 8vas, 10mas).

Los cuadernos de Leonardo

La más clara y basta muestra de la mente de Leonardo da Vinci, quedó plasmada en sus cuadernos de dibujos. Esquemas y anotaciones sobre casi todo lo que su mente descubrió sobre el universo, incluyendo su visión de cómo encajamos en él. Ser curioso acerca de todo y solo por curiosidad, no simplemente porque es útil, fue el rasgo definitorio de Leonardo.

En sus cuadernos, se pueden encontrar muchos dibujos relacionados con botánica, ingeniería y anatomía. Leonardo diseccionaba cadáveres y los analizaba, mientras dibujaba y escribía con precisión las características de varias partes del cuerpo humano. Dibujó las partes del esqueleto, los músculos y los órganos internos. Uno de sus logros menos conocidos es que fue la primera persona en ilustrar con precisión un feto en el útero. Sus bocetos de anatomía están tan bien dibujados y descritos, que su genialidad se comprende, cientos de años después, cuando los médicos y científicos modernos analizan su trabajo.

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Los músculos del hombro (1511). Leonardo da Vinci. Pluma, tinta, tiza.  Colección real

En sus cuadernos Leonardo también dejó plasmados una serie de bocetos preliminares de estudio para sus pinturas, a manera de ensayo de los múltiples aspectos de la composición de lo que podría llegar a ser la obra final. Llevó a cabo varios estudios denominados “caricaturas” que parecen haber sido hechos a partir de modelos en vivo. Vasari dijo que Leonardo a menudo seguía a personas que él consideraba interesantes y que hacía bocetos de ellas todo el día para estudiar los gestos detrás de las emociones y reacciones humanas.
IMAGEN estudio para la batalla de Angiari

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Estudios para la Batalla de Anghiari (1504 y 1505). Leonardo da Vinci. Tinta con punta de metal, tiza negra y roja sobre papel. Altura: 191 mm (7.51 ″); Ancho: 188 mm (7.40 ″) Leonardo da Vinci q: en: Leonardo da Vinci

 

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Caricaturas en los cuadernos de Leonardo Da Vinci

Materiales, composición y la paleta de colores de Leonardo Da Vinci

Las superficies en las que pintó y las pinturas que usó

Leonardo pintó sobre una variedad de superficies. Trabajo al fresco, al seco, sobre creta, papel, pergamino y otros soportes. Usualmente usaba pinturas al óleo hechas a mano y pigmentos molidos con diversos medios.

 

Cómo Da Vinci usó la pintura para crear atmósferas

Cuando comenzaba a pintar, Leonardo primero creaba con temple una pintura interior detallada en un gris neutro o marrón hoy día mejor conocida cómo grisalla. Luego aplicaba sobre ella sus colores capa tras capa a manera de veladuras. Volvía cada vez más oleosas sus veladuras transparentes empleando barnicetas diversas cada vez más densas. Al finalizar la obra parte de la pintura inferior se mostraría a través de las capas, ayudando a definir formas y volúmenes.

Muchos de los tonos visibles en sus cuadros eran creados ópticamente mediante la aplicación de las veladuras superpuestas. La creación de estos colores aplicando capas es conocido como tonalidades ópticas o grises ópticos. Ellos dan a una pintura una profundidad y vibración que no puede obtenerse aplicando un color solido sin transparencia.

De acuerdo con el biógrafo de Leonardo da Vinci, Walter Isaacson, este método le permitió a Leonardo producir tonos luminosos. La luz pasaría a través de las capas y se reflejaría desde la capa de imprimación, haciendo que pareciera que la luz emanaba de las figuras y los objetos mismos.

 

Paleta de colores de Leonardo

En su paleta había colores apagados como siennas, tierras, sombras, ocres, verdes y azules dentro de un estrecho rango tonal. Esto la ayudaba a dar un sentido de unidad a los elementos en la pintura. Generalmente no usaba muchos colores ni contrastes intensos.

El uso de las sombras y la luz en las pinturas de da Vinci
Leonardo fue maestro en “chiaroscuro“, un término italiano que significa “claro / oscuro”. Esta técnica utiliza los contrastes de luz y sombra “como una técnica de modelado para lograr la ilusión de plasticidad y volumen tridimensional”, según Isaacson. “La versión de la técnica de Leonardo consistía en variar la oscuridad de un color agregando pigmentos negros en lugar de hacerlo con un tono más saturado o más rico”.

 

Sfumato

La iluminación suave era crucial para sus pinturas. Las características faciales no se definieron delineando con fuerza, sino que se transmitieron mediante suaves variaciones en el tono y el color. Cuanto más lejos del punto de enfoque de la pintura, más agrisadas se volvian sus sombras.

La técnica empleada por Leonardo de suavizar colores y bordes con esmaltes oscuros que se conoce como sfumato,adquiere su nombre del término en italiano fumo, que significa humo. Es como si todos los bordes estuvieran ocultos por una bruma de sombras transparentes, o humo. Según Isaacson, esta técnica de “contornos y bordes borrosos … es una forma en que los artistas representan los objetos a medida que aparecen ante nuestros ojos en lugar de los contornos nítidos”.

Como Leonardo escribió en sus Cuadernos, “Tus sombras y luces deben mezclarse sin líneas o bordes como la forma en que el humo se pierde en el aire”.

 

Estética de la obras de Leonardo Da Vinci

La estética es una rama de la filosofía que está dividida en dos escuelas. La más antigua de ellas considera que la estética trata de la naturaleza del arte, la belleza y el gusto, con la creación y el aprecio de la belleza. La otra se define más científicamente como el estudio de valores sensoriales o emocionales, a veces llamados juicios de sentimiento y gusto. Más ampliamente, los estudiosos en el campo definen la estética como “reflexión crítica sobre el arte, la cultura y la naturaleza”.

Leonardo Da Vinci fue la primera persona en haber estudiado anatomía en detalle y en documentarla sistemáticamente. Los dibujos anatómicos de Leonardo incluyen muchos estudios del esqueleto humano y sus partes, y estudian músculos y tendones. Estudió las funciones mecánicas del esqueleto y las fuerzas musculares que se le aplican de una manera tan minuciosa que prefiguró la ciencia moderna de la biomecánica. Dibujó el corazón y el sistema vascular, los órganos sexuales y otros órganos internos, haciendo uno de los primeros dibujos científicos de un feto en el útero.

Leonardo da Vinci enseñó que el mejor balance de proporción facial existe cuando la cara se puede dividir en tres dimensiones verticales iguales: desde la barbilla hasta la parte inferior de la nariz, desde la parte inferior de la nariz hasta la frente, y desde la frente hasta la línea del cabello (ver el dibujo a continuación). Además, la cara estéticamente correcta se puede dividir en quintas que se aproximan al ancho de un ojo. Estas proporciones faciales “ideales” son de gran utilidad para el pintor y dibujante, puesto que guian nuestros intentos de representación.

 

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Regla de los tercios vertical tercios y Regla de los quintos horizontales. a) Tercios verticales. b) Quintas horizontales.

La postura de los personajes retratados por Leonardo Da Vinci

La nueva estética visual que Leonardo Da Vinci trajo en sus pinturas es la postura de la persona retratada. Hasta el siglo XV, las pinturas de personas fueron posturas frontales o laterales.  Da Vinci presentó una postura en la que el cuerpo se sitúa hacia un costado y el rostro hacia el frente, mirando hacia el observador. Esto creó una experiencia única para el observador, haciéndolo sentir más conectado con el retrato. De esta forma pudo representar las emociones de manera más realista. Esta estética visual se evidencia claramente en La Mona Lisa y en la Dama del Armiño.

Este estilo visual fue incorporado fácilmente por los artistas de la cultura occidental. Se reflejó también en las obras de Miguel Ángel y Rafael.

Leonardo nunca pintó una retrato frontal, devido a esto el retrato recientemente descubierto de Salvator Mundi atribuido a Leonardo ha dividido considerablemente al mundo del arte. Hay curadores que afirman que dicho retrato es de el taller de Leonardo, pintado por alguno de sus aprendices, más no es una pintura de Leonardo.

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Dama con un armiño (entre 1483 y 1490). Leonardo da Vinci. Óleo y temple sobre panel de madera. Altura: 54.8 cm (21.5 ″); Ancho: 40.3 cm (15.8 ″). Colección: Museo CzartoryskiAlgunos otros post del blog relacionados son:

 

Leonardo da Vinci, Salvator Mundi, c.1500, oil on walnut, 45.4 × 65.6 cm

 

 

 

Composición pictórica básica: Consejos para crear obras exitosas.  

abril 2, 2019

¿Quieres crear mejores dibujos o pinturas? Tener nociones sólidas de composición pictórica es una de las bases de una pintura exitosa. Y saber cómo crear una composición exitosa requiere práctica y dominar algunas técnicas clave.

La composición no es mero azar. Una buena composición no es el resultado de la suerte y ciertamente no se trata de talento. Se trata de observación, una planificación cuidadosa y de comprender cómo un espectador interactúa visualmente con lo que creamos.

Pero no te preocupes, a continuación, compartimos consejos y técnicas esenciales de composición pictórica, con algunos ejemplos gráficos que podrás implementar en tus obras.

 

¿Qué es la composición pictórica?

Cuando se trata de pintura y dibujo, la composición es la disposición deliberada de elementos dentro del espacio pictórico. El posicionamiento y la disposición de los elementos dentro de un trabajo afectan la forma en que un espectador interactúa con lo que creamos.

Al crear una obra pictórica, las posibilidades son infinitas. Tenemos total libertad creativa respecto a cómo organizamos los elementos dentro de nuestros trabajos. Pero aunque las posibilidades son infinitas, no significa que podamos abordar la composición con un enfoque fortuito sin planificación y esperar que los resultados sean óptimos mágicamente.

 

Planeando tu composición

La planificación es quizás el aspecto más importante para crear composiciones exitosas.

Cuando aprendemos a componer debemos planear nuestras composiciones antes de intentar ejecutarlas. Necesitamos saber “hacia dónde vamos” con nuestras obras, particularmente si estos aún son ejercicios. Debemos planear el resultado final antes de comenzar a crearlo. Podemos cambiar nuestras ideas a medida que trabajamos, si lo deseamos, pero deberíamos tener una idea general de cómo queremos que se vea el trabajo terminado antes de sumergirnos en su creación. Puesto que en esta etapa estamos aprendiendo a dominar la composición, queremos experimentar como las distintas herramientas compositivas funcionan. Por lo mismo lo ideal es planificar con anticipación lo que pondremos en práctica, de esa forma podemos determinar al finalizar que tan exitoso fue lo que aplicamos.

La planificación preliminar de la obra permite resolver todos los rompecabezas de composición que forman una obra de arte sólida. Cuando hacemos esto, podemos enfocarnos en el proceso real de dibujar y pintar ya que la mayoría de nuestras decisiones con respecto a la composición ya se han tomado.

En la mayoría de los casos, la planificación de una composición implica la creación de pequeños dibujos que carecen de detalles. Estos pequeños dibujos a menudo se llaman miniaturas o bocetos preliminares.

 

 

 

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La noche estrellada (1889). Vincent Van Gogh. Óleo sobre lienzo. Tamaño, 73,7 cm × 88,2 cm. Localización, Museo de Arte Moderno de Nueva York

 

 

Bocetos previos

Muchos grandes artistas realizaban muchos bocetos previos antes de comenzar sus obras finales. Van Gogh por ejemplo, quien es famoso por sus obras espontaneas y aparentemente no planeadas, realizaba una gran cantidad de bocetos dentro de los que planeaba distintos aspectos de sus pinturas. De hecho podía pasar meses realizando bocetos y ajustando distintos elementos de una sola obra antes de comenzar la pieza final y terminarla en muy pocos dias. En su etapa final incluso terminaba las pinturas en un solo día, más a sus bocetos siempre dedicó mucho más tiempo.

Gran parte de lo que planeaba en sus bocetos previos tenia que ver con la composición de los elementos que terminarían en la obra final. Van Gogh estaba muy interesado en el simbolismo de sus pinturas. Debido a ello la composición en sus cuadros no solo funcionaba para acomodar los elementos dentro del plano, si no para determinar que elementos tenían más importancia en cuanto a la lectura dentro de las obras.

 

Consejos sobre composición pictórica

Si quieres avanzar hacia la creación de composiciones más sofisticadas, hay algunas cosas que debes considerar:

 

Elegir un formato, cuadrado o rectángulo.

Un formato se reduce a preferencias personales para crear, pero es a su vez tu primera decisión compositiva. Se puede partir de cuadrados, rectángulos, panorámicas o formas irregulares incluso. Sin embargo, la forma más fácil de crear una composición equilibrada es un rectángulo.

 

El formato rectangular: este es un formato absolutamente clásico y extremadamente flexible. Cuando se muestra un rectángulo con su lado más corto en la parte superior, se conoce como “formato vertical” y con su lado más largo en la parte superior “formato de paisaje”.

 

El formato cuadrado: esto puede funcionar extremadamente bien o muy mal. Es más difícil equilibrar una pintura que tiene muchos elementos dentro, un paisaje, por ejemplo, dentro de un formato cuadrado. Sin embargo, usar un formato cuadrado para un tema más contemporáneo, como abstracto o minimalista puede ser muy efectivo.

 

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Derecha: Composición rectangular (formato de paisaje y el más recomendable para esta composición). Izquierda: composición cuadrada

Considera las siguientes pautas básicas para fortalecer tu diseño y composición en general:

Creando Puntos Focales

Un punto focal es el área o áreas dentro de una escena que llaman la atención visual del espectador. En la mayoría de los casos, los puntos focales incluyen el tema principal. Cada obra de arte debe tener al menos un punto focal.

Los puntos focales se pueden crear en una obra utilizando una variedad de técnicas. Estas técnicas incluyen:

  • Contraste
  • Aislamiento
  • Colocación
  • Convergencia
  • Lo inusual

Contraste

El contraste se trata de crear diferencia de valor, color, textura, tamaño, etc. Cuando incluimos un área de fuerte contraste, atrae la atención del espectador a esa ubicación en el trabajo y crea un punto focal.

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Contraste en una composición pictórica

 

Aislamiento

Si alguna vez te metiste en problemas cuando eras niño y el maestro te puso en la esquina, entonces sabes de qué se trata el aislamiento. Cuando aislamos un tema o un elemento en un dibujo o pintura, este elemento naturalmente llama la atención y se convierte en un punto focal.

Aislamiento en una composición pictórica

 

Colocación

Estamos visualmente atraídos al centro de las formas. Si colocamos un sujeto cerca o exactamente en el centro de nuestro plano de imagen, entonces este sujeto se convierte en un punto focal.

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Cabeza de una mujer (1882). Van Gogh

Aunque esta técnica funciona para crear un punto focal fuerte, generalmente no es la mejor técnica para crear una composición visualmente estimulante. Cuando colocamos sujetos en el centro del trabajo, el resultado es típicamente estático y aburrido. Es mejor colocar el sujeto un poco descentrado, o mejor aún, en uno de los tercios. Detallaremos esta técnica más adelante.

 

Convergencia

La convergencia se refiere al acto de guiar el ojo de un espectador dentro de una obra mediante indicaciones visuales. Estas pueden ser líneas, formas, colores de contraste, etc. Cada elemento que incluimos puede guiar la mirada del espectador hacia el punto focal. A veces, nos atrae un área dentro de una obra simplemente porque el artista ha manipulado elementos para forzar nuestra atención a una zona específica.

 

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Convergencia en una composición pictórica

 

Lo inusual

Cualquier cosa fuera de lo común nos llama la atención. De la misma manera, cualquier cosa que incluyamos en nuestro trabajo que no se espera o que sea drásticamente diferente de los otros elementos dentro de la escena se convertirá en un punto focal.

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Lo inusual en una composición pictórica

 

Crear un punto focal definido es importante para crear una composición sólida, pero hay más que eso. También debemos considerar algunos de los principios de diseño.

 

Los principios del diseño en la composición pictórica.

Los principios de diseño se refieren a la disposición de los elementos dentro del plan pictórico. Los elementos son los componentes básicos o bloques de construcción de la creación artística. Entre estos elementos encontramos lineas, puntos, planos, bloques de color, manchas, personajes y demás elementos individualmente reconocibles.

Los ocho principios del diseño son:

  • Equilibrio
  • Proporción
  • Movimiento
  • Ritmo
  • Armonía
  • Unidad
  • Énfasis
  • Variedad

(Algunos especialistas en arte también incluyen el contraste como un principio. Pero como el contraste puede crear énfasis, la mayoría de las personas lo dejan fuera de la lista de los ocho).

Equilibrio

En términos de arte, el equilibrio se refiere a la distribución general del peso visual en una composición. Cada objeto que incluimos en una obra conlleva un peso visual. Cuando agregamos un elemento a un lado de nuestra composición, es recomendable añadir otro o varios elementos para equilibrar el peso visual del otro lado.

 

Composición desequilibrada

Si un trabajo no está equilibrado visualmente, puede sentirse “pesado”. Por ejemplo, si incluimos demasiado peso visual en la parte inferior de una composición, el peso atraerá la atención del espectador hacia la parte inferior. La composición se sentirá fuera de balance.

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Pero si contrarrestamos este peso con un elemento o dos en la parte superior de la composición, entonces se vuelve más equilibrado.

 

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Equilibrio en una composición pictórica

 

Movimiento

El movimiento puede referirse a la ilusión de movimiento real en un dibujo o pintura; o puede referirse al movimiento que toma el ojo de un espectador cuando observa tu obra de arte. En términos de composición, estamos más preocupados por esto último.

Como artistas, podemos controlar el “movimiento ocular” de nuestros espectadores en función de cómo planeamos nuestra composición.  En la mayoría de los casos, queremos que el ojo del espectador fluya a través del trabajo en un cierto orden. Este movimiento visual generalmente se logra creando contraste, líneas de guía, diagonales y elementos superpuestos.

 

Echa un vistazo a la obra de abajo. Cuando la examines, tome nota de cómo se mueven sus ojos a través del trabajo.

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Sombras voladoras (1909-1910). Willard Metcalf. Óleo sobre lienzo

Tal vez tu ojo siguió una ruta similar a la mía. Entré en el trabajo en el fondo del valle, cerca del arroyo. Fui guiado por la línea de árboles más oscuros hasta el centro del espacio pictórico, y luego de vuelta al bosque. Luego seguí la línea de árboles, justo en frente de las montañas distantes. Desde allí, fui guiado de vuelta al centro.

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Ritmo

Entendemos el ritmo a través de la repetición. Por ejemplo, podemos escuchar el ritmo de una canción porque su ritmo se repite muchas veces de manera predecible. Sin repetición, no hay ritmo.

 

En el arte, lo mismo es cierto. Debe existir repetición para tener ritmo. Visualmente, el ritmo se crea repitiendo elementos. Esto podría ser un patrón regular o irregular de formas repetidas o podría ser una repetición de un tema específico. De cualquier manera, los elementos repetidos producen un ritmo.

 

Echa un vistazo a la pintura de abajo. Observe cómo tiene un sentido del ritmo.

 

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Lirios (1889). Vincent Van Gogh. Óleo sobre lienzo. Altura: 711 mm (27,99 ″); Ancho: 930 mm (36.61 ″)

 

Este ritmo se crea a través de la repetición. Aquí podemos ver cómo se repiten las formas creadas para las hojas de las flores:

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Armonía y Unidad

Nuestras composiciones de arte también pueden beneficiarse compositivamente de la unificación que produce la armonia, y otros medios de unificación. La armonía y la unidad están tan estrechamente relacionadas que es fácil suponer que son lo mismo. Son muy similares, pero cada una debe considerarse por separado en nuestras composiciones.

Podemos pensar en la unidad en términos de estilo artístico. Si el estilo y el uso de los medios se utilizan de manera consistente en un trabajo y el trabajo se siente completo y terminado, generalmente podemos decir que el trabajo está unificado. La unidad también se puede crear en una obra a través de la simplificación. Esto se puede lograr mediante la simplificación de formas, temas o esquemas de color.

 

El trabajo a continuación es unificado y armonioso por varias razones. La forma más obvia en que se unifica es mediante el uso del color.

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Una habitación del norte de África (1877). Robert Harris

Harris ha simplificado la combinación de colores y ha usado principalmente los colores complementarios rojo y verde. El verde es muy terroso, pero sigue presente.

 

Énfasis

A menudo usamos el énfasis para definir el punto focal o puntos dentro de una composición. Ya hemos discutido varias maneras en que un artista puede crear un punto focal dentro de una obra. Cada uno de estos métodos se basa en el énfasis para su éxito. El énfasis generalmente se crea en una obra a través de alguna forma de contraste.

 

Echa un vistazo a la obra de abajo. ¿Qué crees que se enfatiza?

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Los bebedores de absenta (1873). Edgar Degas. Óleo sobre lienzo. altura: 92 cm (36.2 ″); Ancho: 68.5 cm (26.9 ″) Colección: Musée d’Orsay

 

 

La mayoría de nosotros nos sentimos atraídos por la mujer en la escena, más específicamente, por su rostro. Degas ha llamado nuestra atención a ella usando diversos métodos. Para empezar, ella está ubicada en el centro del plano de la imagen. También hay un fuerte contraste de valores a su alrededor. Observe cómo el hombre que está a su lado está vestido de negro, mientras ella viste de blanco.

Luego están las líneas de convergencia creadas por las tablas y el borde posterior del banco. También notará que la cara de la mujer tiene más detalles en comparación con los otros elementos dentro de la escena. Esto también ayuda a atraer la atención del espectador.

 

Variedad

Nuestros dibujos y pinturas deben incluir cierta variedad. No queremos aburrir a nuestro espectador con la misma información visual. En su lugar, deberíamos incluir cierta variedad para mantenerlos comprometidos y hacer que nuestras obras de arte sean más interesantes.

El truco aquí es equilibrar la armonía y la variedad. Si llevamos la variedad demasiado lejos, es probable que el trabajo no sea armonioso. Si llevamos la armonía demasiado lejos, el trabajo puede carecer de variedad.

 

Dale un vistazo a la imagen de abajo. Observa cuánta variedad está presente:

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Composición IV (1911). Wassily Kandinsky. Óleo sobre lienzo. Altura: 159.5 cm (62.7 ″); Ancho: 250.5 cm (98.6 ″). Colección:
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen

Kandinsky ha creado variedad utilizando una amplia gama de colores, pero mantiene la pintura unificada mediante la simplificación y elementos armonicos clave.

 

Otros consejos útiles en la composición pictórica

 

La regla de los tercios

La regla de los tercios es una teoría de composición pictórica que se basa en la ubicación de los sujetos dentro de una composición. Se basa en la proporción aurea, que es una fórmula matemática que trata con relaciones proporcionales. Como la proporción aurea es bastante compleja, la mayoría de los artistas y fotógrafos confían en la regla de los tercios para crear un efecto similar.

Tomemos una composición y la dividimos por tercios, tanto horizontal como verticalmente. Podemos imaginar líneas que corren a lo largo de cada uno de los tercios. Estas líneas se intersectan en cuatro ubicaciones dentro del plano de la imagen. Colocando temas importantes o focales juntos, en o cerca de estas lineas y ubicaciones de intersección, creamos una composición armoniosa y equilibrada dentro del espacio. Esta herramienta de composición genera una hermosa tensión entre los elementos y el plano pictórico, al mismo tiempo que proporciona naturalidad a su distribución.

 

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Hueco en la nieve (1869). Armand Guillaumin

 

Espacio positivo y negativo

Cuando pensamos en el espacio, a menudo lo consideramos en términos de profundidad o como la ilusión de profundidad en un dibujo o pintura. Sin embargo, cuando se trata de composición pictórica, podemos pensar en el espacio en términos del espacio pictórico real en la superficie de dibujo o pintura.

El espacio ocupado por temas importantes o elementos de diseño se considera espacio positivo. El área que rodea estos temas se considera espacio negativo. Observa las imágenes de abajo. Primero vemos la imagen original a la izquierda. En la imagen central, el espacio negativo se resalta con rojo. En el tercero, vemos el espacio positivo resaltado con rojo.

 

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Espacio positivo y negativo en una composición pictórica

 

Conclusión

Hemos cubierto un poco aquí sobre composición pictórica. Es una gran cantidad de información para absorber. Pero al practicar estos conceptos e incorporarlos a tus obras de arte, se volverán gradualmente intuitivos y tus composiciones mejorarán.

Es recomendable que en un principio realices ejercicios con los elementos compositivos que más te llamen la atención para que experimentes como funcionan. Poco a poco algunos de ellos se volverán parte de tu propio lenguaje pictórico de manera espontanea. En ese momento puede que dejes de pensar mucho en ellos y produzcas tus obras por “intuición” o bien que planees la composición de tus cuadros mejor aún.

Ejemplos de estas dos aproximaciones los encontramos en las obras de Van Gogh y Rembrandt. Como se mencionó en un principio Van Gogh realizaba gran cantidad de bocetos antes de comenzar una pintura. Por el contrario, Rembrandt muchas veces cambiaba la posición de sus personajes dentro de los mismos lienzos, levantando la pintura y repintando sobre lo que ya había sido trabajado varias veces hasta que quedaba satisfecho.

¿Qué forma de trabajar es mejor? Sin duda aquella con la que tu encuentres mayor comodidad y que produzca mejores resultados en relación a tu propia forma de trabajar. En un principio prueba ambas.

 

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Los Bocetos de Rubens

marzo 21, 2019

Los bocetos de Rubens fueron la mejor manera de conocer íntimamente la obra de este afamado pintor, dicen los entendidos. Peter Paul Rubens, nacido en 1577 en Siegen, Alemania se elevó sobre el arte del siglo XVII como una fuerza casi sobrehumana. Su trabajo no solo fue una maravilla creativa, resplandeciente de color, rica en conocimiento humano y ejecutado con infinito entusiasmo, sino que su producción fue realmente estupenda y vasta, sobretodo en lo que respecta a sus bocetos artísticos.

Rubens fue un fabricante de retratos, paisajes y pinturas de historia. Fue diseñador de vastos retablos y decoraciones murales; maestro de un taller grande y ocupado, así como un erudito, diplomático y político que se convirtió en un modelo para las generaciones sucesivas de artistas.

Delacroix lo llamó “el Homero de la pintura, el padre de la calidez y el entusiasmo en el arte”. Eclipsó a la mayoría de los otros artistas, escribió Delacroix, “no por su perfección en ninguna dirección, sino por esa fuerza oculta, la vida y el espíritu que puso en todo lo que hizo”.

 

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Retrato de su hijo Nikolas (1619). Peter Paul Rubens

 

Múltiples usos de un boceto al óleo

Un boceto al óleo es un trabajo ejecutado en pintura al óleo como preparación para un trabajo más grande y terminado. Generalmente es pequeño, o al menos está pintado en una escala más pequeña de lo que se pretende que sea el trabajo final.

Los bocetos al óleo generalmente eran trabajos privados, personales, hechos para el propio uso del artista. Eran el medio a través del cual el artista exploraba, probaba, trabajaba y perfeccionaba sus ideas para una composición, antes de poner el pincel en el panel para pintar el trabajo final.

 

Tipos de bocetos al óleo

En algunos casos, sin embargo, es posible dividir los bocetos al óleo en dos o tres categorías aproximadas, aunque un boceto dado podría servir para varias funciones al mismo tiempo. En primer lugar, está el boceto que haría un artista cuando inicialmente concibe la idea de una composición. Estos bocetos preliminares tienden a ser bastante pequeños y se caracterizan por su espontaneidad y su pincelada libre y rápida, como en este maravilloso boceto de Peter Paul Rubens de Hercules Killing the Hydra.

 

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Hércules matando a la Hidra (1639) Peter Paul Rubens. Óleo sobre tabla

 

El segundo tipo de boceto tiende a ser más terminado, más pulido y se realiza cuando el artista ya ha desarrollado y refinado sus ideas para la composición. Este tipo de boceto se hace a menudo para mostrarle al cliente y que apruebe el diseño antes de pintar el trabajo terminado.

Un ejemplo espléndido son los bocetos de Rubens para el tríptico del Descenso de la Cruz, que se presentaron a los miembros del Gremio de Harquebusiers para su aprobación: el tríptico terminado fue el retablo de la capilla del Gremio en la Catedral de Amberes. En este caso, el boceto funciona como una especie de contrato entre el artista y el mecenas, como la base del acuerdo entre ellos sobre cómo será el producto final.

 

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Descenso de la cruz (1611). Peter Paul Rubens.

 

El taller de Rubens y sus bocetos al óleo

Una función adicional de los bocetos al óleo es que podrían pasarse a los miembros del taller del artista que luego ejecutarían el trabajo final. Esto se convirtió en una práctica bastante común entre los pintores exitosos que recibieron varias comisiones grandes, a menudo todas a la vez, y que delegarían parte o la mayor parte de la ejecución a sus asistentes. Rubens es un excelente ejemplo de esto. Esta fue una práctica reconocida y aceptada en su época y no se consideró desfavorable de ninguna manera.

Un ejemplo que describe perfectamente esta función fue cuando se le encargó a Rubens que pintara 39 pinturas de techo para la nueva iglesia jesuita en Amberes en 1620. El contrato que firmó establecía que Rubens debía hacer el boceto al óleo de cada pintura con su propia mano. También contemplaba que los miembros de su taller usarían esos bocetos al óleo para ejecutar las pinturas finales y Rubens agregaría los toques conclusivos. Lo que era importante para los jesuitas era que Rubens era responsable del aspecto intelectual y creativo en el diseño de cada imagen. Ellos no se opusieron si delegaba el trabajo de ejecutar la pintura final basada en su propio diseño a miembros talentosos de su taller. Fue la autoría de los diseños de Rubens la que garantizó la autenticidad de las obras, no si ejecutó cada pincelada de las pinturas finales con su propia mano.

 

Rubens y sus asistentes

Rubens tuvo algunos alumnos a quienes enseñó a pintar y que fueron los artesanos finales de la mayoría de sus obras. Algunos de estos estudiantes incluyeron a Jan Brueghel, Frans Synders y también a Anthony van Dyck, quienes posteriormente fueron muy famosos y exitosos.

Anthony van Dyck

El alumno y asistente más capaz de Rubens fue Anthony van Dyck, quien trabajó con él en varias comisiones entre 1618 y 1620.

Otro tipo de boceto es aquel realizado específicamente como modelo para que un grabador realice una impresión según el diseño del artista. La crucifixión de Anthony van Dyck sirvió para tal propósito. El boceto es monocromático, ejecutado casi en su totalidad en tonos de marrón grisáceo. Esto hace que sea más fácil para el grabador representar los valores tonales claros y oscuros cuando traduce un diseño pintado en uno compuesto de sistemas de líneas.

 

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El modelo para la placa de cobre del estudio de la crucifixión es un boceto al óleo del maestro, que hoy se exhibe en el Museo Rockoxhuis de Amberes. Este boceto al óleo ayudó en la preparación de un cuadro del altar para la Iglesia de San Miguel en Gante que Rubens no pudo ejecutar. La comisión fue asumida por Van Dyck, uno de sus primeros alumnos.

 

Los bocetos para estudio de Rubens

En 1600, Rubens se mudó a Italia, donde obtuvo un puesto en la corte del duque de Gonzaga en Mantua. Allí, empleó una enorme cantidad de energía haciendo dibujos de la obra de todos los maestros del Renacimiento, particularmente Tiziano, Miguel Ángel y Rafael. El propósito de esta empresa no era simplemente aprender. En realidad, fue un intento de documentar la iconografía y las composiciones disponibles para acumular una biblioteca personal de imágenes para su uso posterior. Lo que el artista valoró más en estos dibujos no fue el estilo personal o calidad de representación de cada artista, sino simplemente su información de diseño.

A lo largo de su carrera, a menudo buscaba referencia en su extensa biblioteca de copias, pero el trabajo de sus antepasados ​​siempre sufrió una transformación radical en sus manos. Rubens tenía una habilidad extraordinaria para infundir vida y movimiento en figuras y encontrar nuevos ritmos en viejas ideas compositivas. Claramente utilizó estos dibujos preparatorios como aventuras creativas, y muchos de ellos llevan la marca de numerosos cambios de postura y posición a medida que evolucionaban las ideas del artista. A menudo cambiaba de tiza a pluma y tinta, aumentando con un ligero lavado bistre (marrón). A veces, el dibujo se deja en una condición muy desigual, con algunas partes fuertemente construidas mientras que otras se dejan más o menos abiertas, como en La Asunción de la Virgen.

 

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Boceto para la Asunción de la Virgen (1620-1622). Peter Paul Rubens. Óleo sobre tabla. Altura: 88 cm (34.6 ″); Ancho: 59 cm (23.2″). Colección Mauritshuis

 

Rubens valoró tanto su reserva de imágenes que en su testamento estipuló que se mantuviera intacta para cualquiera de sus hijos que pudieran desear convertirse en pintores. Lamentablemente, ninguno de ellos lo hizo.

 

La evolución de un boceto de Rubens

 El artista realizó bocetos preliminares en tiza negra sobre papel rugoso. Algunas veces también usaba tiza roja, y otras veces teñía el boceto con un lavado a presión. Rubens solía usar su vasto inventario de copias de los maestros italianos para obtener ideas sobre la composición y las figuras que contiene.

  1. Luego, hizo un pequeño boceto al óleo de la composición en un panel de madera preparado, usando tiza negra, pintando de manera fina y rápida. Rubens hizo muchos bocetos partir de modelos en vivo. Esto le permitió incorporar una gran cantidad de detalles y precisión anatómica. El boceto terminado se presentó al cliente para su aprobación y se usó en el estudio como guía para sus asistentes.
  2. Una vez aprobada la composición preliminar, el artista ejecutó un boceto al óleo. Estas eran representaciones relativamente pequeñas en el panel de madera imprimado. El artista comenzaría con un dibujo de manchas y líneas de tiza negra, y luego construiría la imagen ampliamente en capas de pintura al óleo diluida con temple para volverla más fina, comenzando con los marrones para establecer los valores tonales y luego colocando el color.
  3. Una vez aprobada la composición en su totalidad, el boceto al óleo se podría usar en el estudio como modelo para Rubens y sus ayudantes. Rubens a menudo hacía que sus asistentes pintaran las primeras etapas del trabajo antes de ejecutar él mismo los toques finales.

 

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Robin, el enano del conde de Arundel. Un estudio preliminar detallado, con indicaciones de color, para el enano Robin (1620). Peter Paul Rubens. Altura: 40,3 cm (15,8 ″); Ancho: 25.8 cm (10.1 ″) Museo Nacional de Bellas Artes

 

Plenitud creativa de los bocetos de Rubens

El valor de su banco de imágenes se hizo evidente inmediatamente después del regreso de Rubens a Amberes. La Contrarreforma estaba en pleno apogeo y la Iglesia Católica Romana tenía la intención de usar imágenes renovadas y poderosas y una decoración lujosa para alejar a los creyentes de las nuevas doctrinas combativas de Martín Lutero, que se habían extendido por gran parte del norte de Europa. En los próximos 11 años, Rubens recibiría comisiones por unos 64 retablos, obras a gran escala que a menudo involucran varios paneles relacionados, y muchas otras piezas religiosas. La afirmación de Rubens, en 1624, de que “me he convertido en el hombre más acosado del mundo” bien podría haber sido cierta.

 

Dominio compositivo de los bocetos de Rubens

Ciertamente estos dibujos a pincel, aunque difieren enormemente en su grado de detalle y acabado, dan una idea clara de la mano fluida de Rubens y el dominio compositivo que le permitió hacer todo, desde retratos individuales sensibles hasta escenas de acción empaquetadas.

 

La Virgen del Apocalipsis

Esta obra presenta un recorrido desde el manejo en primer plano de Rubens de una sola imagen hasta su increíblemente compleja puesta en escena de figuras y monstruos en una leyenda de muchas capas del bien y el mal. Esta obra, un boceto de un vasto retablo en la catedral del siglo XII en Freising, Alemania, alrededor de 1623-24, toma su tema del Libro de la Revelación. Su figura central es la Virgen María, que, en lo alto en un remolino de nubes, se para sobre la luna, y aplasta con un pie a una serpiente que la rodea mientras protege al niño Jesús.

Es un desafío encajar este espectáculo cósmico incluso en el amplio espacio de un retablo. Pero es una revelación ver el hábil trabajo del pincel con el que Rubens ha tratado la increíble riqueza de detalles. Cada figura se modela individualmente con características distintivas sobre un fondo de luz que cambia sutilmente en el formato pequeño del boceto.

 

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La Virgen del Apocalipsis (1623 y 1624). Peter Paul Rubens. Óleo sobre lienzo medio. 556 cm (18.2 pies); Ancho: 369 cm (12.1 pies)

 

El Triunfo de la Eucaristía

Las comisiones para tapices fueron un gran parte de su negocio, y uno importante fue un ciclo conocido como el “Triunfo de la Eucaristía”. Ordenada por la archiduquesa Isabel para el Convento de las Descalzas Reales de Madrid, esta compleja serie incluía 16 tapices que debían cubrir los muros interiores de la capilla del convento en los días festivos.

Rubens comenzó el trabajo en 1625 con bocetos al óleo destinados a proyectar el aspecto de los tapices instalados y permitir su traducción por parte de los tejedores. Hay cinco bocetos preparatorios, entre ellos una escena del Antiguo Testamento, Los israelitas recogen maná en el desierto (1626). En esta obra, los israelitas, hambrientos en el desierto, experimentan el milagro de la comida que cayó del cielo. Hombres, mujeres y niños cargan sacos y cestas con las cosas mientras Moisés levanta su mano al cielo en un gesto de agradecimiento.

 

Los israelitas recogen maná en el desierto (1626-1627).
Peter Paul Rubens. Aceite sobre madera. (64.77 × 53.34 cm)

 

Decoraciones para el techo de la Banqueting House en Whitehall Palace

Entre los grandes triunfos de la carrera de Rubens podemos citar las decoraciones para el techo de la Banqueting House en Whitehall Palace en Londres. Rubens, que no era tímido, solicitó el trabajo con entusiasmo en una carta para el agente británico en Bruselas, William Trumbell. En ella escribió: “Mi talento es tal que ninguna empresa, sin importar cuán grande sea su tamaño ni qué tan variada en su tema, ha superado mi confianza hasta ahora”.

Rubens obtuvo el encargo y produjo los bocetos para él en 1630-32. El techo en Whitehall de hoy es el único esquema decorativo de Rubens que aún se encuentra en su lugar original. Dividido en nueve secciones, celebra alegóricamente los reinados de Jacobo I y Carlos I, su hijo y el rey en ese momento.

 

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Boceto múltiple para el techo de la casa de banquetes, Palacio de Whitehall. Peter Paul Rubens. 94.7 x 63 cm

 

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