Al momento de pintar, dependiendo del tipo de obra y estilo que quieras expresar, un dibujo acorde a tus intenciones podría proporcionarte una ayuda extra. Si bien algunos pintores no consideran el dibujo necesario, como fué el caso de Caravaggio quien es famoso por no dibujar, hay momentos en los que dibujar es esencial. 

En este artículo te hablaré de cómo el dibujo puede ser beneficioso al momento de crear una pintura. Aunque no es una condición restrictiva para pintar, saber dibujar, te permitirá tener una estructura sólida y mayor libertad en tu obra. Así, podrás pintar en cualquier estilo, desde dibujos animados hasta hiperrealismo, contribuyendo a enriquecer tu arsenal de herramientas artísticas.

Definición del Dibujo y la Pintura

Fundamentalmente, dibujar y pintar no son lo mismo, pero tampoco es que sean tan lejanos.

Por un lado, el dibujo puede ser definido como el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos, tonos claros y obscuros.

La clave para entender conceptualmente el dibujo tiene que ver con la palabra gráfica, que es empleada también en áreas no relacionadas con el arte. En cierta forma graficar quiere decir sintetizar drásticamente algo a los elementos esenciales que requiere para ser comprendido. Eso es en cierta forma el dibujo.

Por otra parte la pintura muchas veces va más allá de los elementos esenciales requeridos para la representación gráfica de algo.

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Sus diferencias

Las herramientas utilizadas en ambas disciplinas en algunas ocasiones son las mismas. Sin embargo la forma de representar es diferente. Por un lado, el dibujo es por lo general la delineación en una superficie, habitualmente de papel. En la pintura generalmente se recurre a la mancha, mientras que para el dibujo se utiliza la línea. Es decir, la diferencia principal entre ambos se encuentra en el recurso comunicativo que cada uno usa.

Por otra parte, la relación entre ambos es muy estrecha, ya que la pintura es generalmente la ejecución o acabado del dibujo mediante la inserción de de más colores y materialidad. Además, el dibujo también es considerado como un subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, sin embargo, hay quien considera que no forma parte de la pintura como técnica de representación.

Relación entre el Dibujo y la Pintura

El vínculo entre el dibujo y otras formas de arte es muy estrecho.  Existe un estado de dependencia mutua en particular entre la pintura y el dibujo, sobre todo en el caso de bocetos y estudios preliminares para la composición de una pintura. 

El dibujo prepara el camino para la pintura al proporcionar una idea preliminar y una predeterminación del concepto del artista de una obra determinada. Muchos dibujos que ahora se consideran de alto valor artístico, fueron originalmente creados para los fines de la pintura o la escultura. Sin embargo, estos dibujos son completos, autónomos y estéticamente satisfactorios.

La estrecha relación entre el dibujo y la pintura se evidencia por las características estilísticas que son comunes en ambos. Coinciden en muchos detalles de contenido y forma: 

• Mediciones
• Proporciones de figuras
• Relación de las figuras con el espacio circundante
• Perspectiva y planos
• La distribución del tema dentro de la composición según el orden estático, la simetría y el equilibrio de las masas o según los contrastes
• Los puntos de fuga excéntricos y la sobre acentuación de elementos individuales
• Representación de planos y perspectiva por color en base a valores tonales y contrastes
• El orden rítmico en unidades pictóricas separadas en contraste con el flujo continuo de líneas
• Uso del claroscuro los valores tonales para generar volumen

Todos estos criterios son aplicables a ambas formas de arte. 

El carácter estilístico uniforme compartido por el dibujo y la pintura a menudo se expresa menos severamente en el dibujo. Esto es debido al flujo espontáneo del trazo del artista sin restricciones, o la “escritura a mano”, y de la lucha por la forma registrada en los pentimenti (indicaciones en el dibujo donde el artista cambia de opinión y modifica su formulación original). 

¿Es importante saber dibujar para poder pintar?

Esta pregunta aún hoy en día se continúa debatiendo. Sin embargo, en mi opinión muy personal, considero que no hay una respuesta categórica para esta pregunta, “depende” me parece una respuesta más adecuada. 

Dibujar es un paso que se debe implementar para algunos tipos de pintura, pero de ninguna manera es necesario para todo tipo de pintura.  Ciertamente puede ayudarte a ser un “mejor” artista, pero no implica que debas verte paralizado por no poder dibujar.

Saber dibujar o no para pintar dependerá básicamente de lo que quieras pintar. Si lo que te interesa es pintar algún objeto, persona o estructura concreta entonces saber dibujar te será de gran utilidad. Por el contrario, si el tema que te interesa representar es más abstracto dibujar no es tan importante.

La Pintura antes del Dibujo 

La pintura es un arte que implica expresión y descubrimiento. Puede tratarse de color y textura. Implica saber qué diferentes pigmentos y materiales pueden combinar juntos en el lienzo y cómo manipularlos para crear el efecto deseado. Por lo tanto,  aprender a pintar primero, te proporcionará una gran ventaja en cuanto a la composición y el patrón. Sin embargo, el inconveniente se presenta en a la hora de representar las formas, que podrían tener diversos fallos de proporción al no tener experiencia con el dibujo.

Ventajas de saber Dibujar antes de Pintar

A continuación te hablaré de cuáles son las ventajas que te proporciona saber dibujar al momento de realizar una pintura:

• Tu obra tendrá una estructura sólida y creíble, desde dibujos animados hasta pinturas hiperrealistas.
• El acto de dibujar crea “flujo” y facilidad de expresión. Además de “afinar” tus ojos para observar y asimilar detalles y proporciones. Puedes tomarlo como un ejercicio de calentamiento realmente útil antes de comenzar a pintar. 
• Si tu meta es aprender todos los conceptos y técnicas relacionados a los términos de valor tonal, línea, bordes, precisión de representación y composición, es mucho más fácil aprender y aplicar toda esta información sin la complejidad extra de la pintura. 
• El acto de dibujar una escena antes de pintarla te hace pensar realmente en términos de luz, sombra, color, composición y los mejores materiales para usar. Simplemente pintar a partir de una fotografía realmente no funciona y te lleva a la trampa de copiar y retratar de manera idéntica cada detalle.
• Los errores de perspectiva involuntarios en las pinturas realmente pueden arruinar el disfrute de los espectadores.  Los cambios de perspectiva previstos pueden crear intriga y dinamismo y normalmente son el resultado de muchos pensamientos y dibujos previos.

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El Dibujo como Estructura para la Pintura

La pintura es un arte bidimensional debido a su soporte, el cual suele ser plano. Sin embargo también se debe a que el patrón plano de líneas y formas o dibujo, es un aspecto importante del diseño, incluso para aquellos pintores preocupados por crear ilusiones de gran profundidad. Por otra parte, cualquier marca hecha en la superficie de una pintura puede ser percibida como una declaración espacial.

Las formas en una pintura pueden equilibrarse entre sí como unidades de un patrón plano, y considerarse al mismo tiempo como componentes en un diseño espacial.

Las formas y masas geométricas son a menudo las unidades básicas en el diseño de dibujos, pinturas bizantinas e islámicas, y “composiciones escultóricas” como cuadros de figuras barrocas y neoclásicas. Los cuadrados, círculos y triángulos planos y superpuestos que crean el patrón de un mural románico, por ejemplo, se convierten en los componentes cúbicos, esféricos y piramidales entrelazados que encierran las figuras agrupadas y las características circundantes en una composición renacentista o neoclásica.

Artistas Famosos que dieron gran importancia al dibujo

Vincent Van Gogh

Vincent van Gogh dibujaba miles de imágenes para mejorar sus habilidades y para pasar el tiempo libre. Van Gogh dibujo por 7 años antes de comenzar a pintar formalmente. Muestra de su avidez por el dibujo se encuentra en las cartas que le envió a su hermano Theo.

Pablo Picasso

Entre los elementos más interesantes en la obra de Pablo Picasso se encuentran sus dibujos de un trazo. En ellos demuestra su grandísima capacidad de sintesis y habilidad para dar vida con un único recorrido del lápiz.

Este tipo de dibujos no solo son un placer para la vista de quien las observe, sino que con estos ejercicios Picasso demuestra que el dibujo enseña a observar y pensar. Incluso,  cuando él quería analizar una obra de arte, primero recorría sus líneas esenciales con el dedo.

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La luz en el dibujo

Dibujar la figura humana: elementos a considerar para hacerlo con éxito

El color es la impresión producida por una onda de luz en los órganos visuales. Por lo tanto, ambos conceptos, luz y color, se encuentran estrechamente vinculados entre sí. 

A continuación, te comparto una guía resumida de los conceptos más importantes a considerar en cuanto a luz y color en la pintura. Un estudio más detallado de estos temas te ayudará a mejorar tu capacidad de percepción y por lo tanto incrementar tu creatividad al pintar.

Relación entre el Color y la Luz

La relación entre la luz y el color tiene connotaciones físicas múltiples. Sin embargo, hoy estudiaremos aquellas más esenciales relacionadas con el espectro de luz humanamente perceptible. Es decir a la región del espectro electromagnético que el ojo humano es capaz de percibir.

A menudo solemos pensar que los objetos tienen colores fijos. Una manzana, por ejemplo, es roja. Pero en realidad, el color de un objeto resulta de la forma en la que se refleja la luz que cae sobre él.

En realidad, bajo luz blanca la manzana se ve roja porque refleja la luz en la fracción roja del espectro visible y absorbe la luz de las otras longitudes de onda.

La Teoría del  Color      

La teoría del color consiste en un conjunto de principios que proporcionan orientación sobre la relación entre los colores, el porqué los mismos aparecen en la naturaleza bajo ciertas circunstancias y los impactos fisiológicos, y psicológicos de ciertas combinaciones de colores. 

La importancia de comprender la teoría del color supera con creces el simple hecho de saber mezclar los colores. Por lo tanto, comprender dicha teoría es uno de los aspectos imprescindibles de la pintura.  Principalmente, lo que necesitas comprender es la aplicación general de la teoría del color, la relación entre los colores y cómo los percibimos.

Términos Importantes de la Teoría del Color             

Existen un conjunto de términos en la teoría del color que a su vez se utilizan con regularidad en el arte. Sin embargo, en muchas ocasiones estos conceptos pueden confundirse y malinterpretarse. Parte de la razón por la que esto ocurre es que la teoría del color es muy amplia y no toda se relaciona de forma obvia con la pintura.

La teoría del color ha sido en realidad desarrollada por científicos, pensadores y artistas. Sin embargo, los lenguajes que distintas ramas del pensamiento utilizan no siempre es el mismo o bien se refieren por los mismos nombres a distintas cosas. Esta circunstancia puede traer consigo ciertos malentendidos. A continuación, repasaremos cada uno de ellos:

Los colores primarios

La frase colores primarios puede ser un poco confusa para algunas personas. Principalmente porque existen dos modelos básicos de colores primarios. Estos dos modelos de color son:

• Color primario en luz (rojo, verde, azul)
• Color primario de pigmento (cyan, magenta, amarillo)

Colores Primarios Aditivos (Luz)

El rojo, el verde y el azul ultramar son los colores primarios de la luz. Es decir, al combinarlos en diferentes proporciones se pueden crear los demás colores. Por ejemplo, la combinación de la luz roja con la luz verde da como resultado una luz amarilla. 

Este sistema de color primario aditivo es utilizado para fuentes de luz. Por ejemplo: televisores y monitores de computadora. Por lo tanto, a partir de la luz se pueden crear una amplia gama de colores. Cuando diferentes proporciones de luz roja, verde y azul ingresan a tu ojo, tu cerebro es capaz de interpretar las diferentes combinaciones como diferentes colores.

Cuando los tres colores primarios de luz se unen se crea como resultado luz blanca.

Colores Primarios Sustractivos (pigmentos)

Existe otro conjunto de colores primarios con los que seguramente estás más familiarizado. Los colores primarios de pigmentos, también conocidos como primarios sustractivos, generalmente mencionados como rojo, azul y amarillo. Estos se usan cuando se producen colores a partir de la luz reflejada. Por ejemplo, al mezclar pintura o usar una impresora a color.

Los pigmentos son sustancias químicas que absorben longitudes de onda selectivas. Esto implica que evitan que ciertas longitudes de onda de luz se transmitan o reflejen. Debido a que las pinturas contienen pigmentos, cuando la luz blanca (que se compone de luz roja, verde y azul) impacta la pintura de color, solo se reflejan algunas de las longitudes de onda de la luz. Por ejemplo, la pintura cian absorbe la luz roja pero refleja la luz azul y verde; la pintura amarilla absorbe la luz azul pero refleja la luz roja y verde. 

Tradicionalmente se nos enseña en la escuela que los colores primarios son rojo, azul y amarillo. Sin embargo, al descubrirse cada vez más sobre el color espectral y cómo funcionan las longitudes de onda con las superficies (reflexión / absorción) y el ojo humano, el modelo azul-rojo-amarillo ha cambiado al modelo cyan, magenta, amarillo. Sin embargo, aun hoy en día se utiliza el modelo azul, rojo y amarillo para mezclar pinturas, y es la rueda de color más común que podrás encontrar en las tiendas de arte.

La Temperatura de los Colores                      

En relación a las pinturas, la temperatura del color se refiere a nuestra percepción de un color como cálido o frío. A muchos artistas les gusta dividir la rueda de colores en colores cálidos y fríos, como se muestra a continuación:

Así, los rojos, naranjas y amarillos generalmente se consideran colores cálidos, y los azules y verdes generalmente se consideran colores fríos.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que la temperatura de color de nuestras pinturas es solo perceptual. Es decir que depende de la luz, la percepción, la perspectiva y otros muchos aspectos circunstanciales.

La realidad es que las pinturas no tienen ninguna temperatura de color intrínseca o fija. Simplemente se asocia ciertos colores como cálidos o fríos según sus circunstancias.

Como artista, es preferible pensar en la temperatura del color en términos relativos en lugar de términos absolutos. Esto se debe a que los colores no pueden existir por sí mismos. Es decir, solo serás capaz de identificar un color si y solo si tienes otro color para compararlo.

Decir que el azul es un color frío no es una declaración útil. Claro, cuando se compara con el rojo, parece ser un color frío. Pero eso no quiere decir que siempre lo sea. Los colores siempre son cálidos o fríos en relación a otros colores.

Cuando comiences a pensar en la temperatura del color (y el color en general) en términos relativos, verás una gama mucho más amplia de posibilidades para usar la temperatura del color en tus pinturas. 

En lugar de tratar de contrastar un color cálido como el rojo contra un color frío como el azul, verás oportunidades para crear contrastes mucho más sutiles de temperatura, o a la inversa contrastes muy radicales. Es decir, podrías realizar variaciones sutiles que pasarán de un azul cálido a un azul frío por ejemplo; o transiciones drásticas que pasen de un amarillo rojizo, a un morado azuloso. Así es como podrás ir logrando impresionantes vibraciones de color dentro de una pintura.  

Como dato curioso, pintores impresionistas y postimpresionistas como Monet y Van Gogh otorgaron gran atención a esto. Aprendieron a emplear la temperatura del color y el contraste para acentuar el color, la luz y la emoción en sus pinturas.

La Temperatura del Color y la Luz

Si pintas bajo la luz de una puesta de sol, los colores que verás serán muy diferentes a los colores que vería bajo la luz de un día nublado.

Claude Monet realizó su serie de pinturas sobre la Catedral de Rouen, así como otras muchas series para estudiar y dominar esta circunstancia. Esta estructura arquitectónica fue pintada por Monet en distintas horas del día, por lo tanto la luz y el color en cada uno de los cuadros de esta serie es diferente.

Entonces, si la luz que ilumina a tu modelo es la luz naranja de una puesta de sol, deberás elegir los colores adecuados para generar la ilusión de ese ambiente. 

Si deseas saber más cobre el color y la temperatura revisa nuestro texto sobre temperatura de color y volumen.

Otros conceptos esenciales de la teoría del color

A continuación mencionaremos otros de los conceptos más importantes de la teoría del color. Tener una comprensión considerable de estos conceptos te será de utilidad en cualquier tipo de pintura y a todos los niveles de tu desarrollo artístico.

Saturación o croma

La saturación es la medida de la pureza o intensidad de un color. Es posible reducir la saturación de un color agregando blanco, gris o un color en el lado opuesto de la rueda de colores. 

Si elimináramos poco a poco la saturación de los colores de la rueda de color, daría como resultado lo expuesto a continuación:

Tono o matiz

Tono es un término ampliamente incomprendido. Incluso, muchos artistas no están completamente seguros de lo que significa a pesar de que se usa con bastante frecuencia. Esta confusión surge en español debido a que utilizamos el término tono para referirnos a dos cosas diferentes.

Por un lado está el tono que generalmente se refiere a la longitud de onda dominante del color de los doce colores en la rueda de colores. Por ejemplo, el tono del mar es azul y el tono de la savia es verde. Este tono también puede sustituirse por el término matiz.

Los colores a continuación son tonos o matices.

Por otro lado está el tono que se refiere al valor del color dentro de una escala de grises. A este nos referiremos a continuación.

Valor tonal

El valor, valor tonal o tono se refiere en esta circunstancia a qué tan claro u oscuro es el color en una escala de negro a blanco. Este término es uno de los más ampliamente considerados como una de las variables más importantes para el éxito de una pintura.

Si al momento de pintar deseas aclarar u oscurecer el valor de un color solo debes realizar estos dos sencillos pasos:

• Para aumentar (aclarar) el valor de un color, deberás agregar blanco y / o algún color de valor tonal claro, como el amarillo.
• Para disminuir (oscurecer) el valor de un color, deberás agregar negro, un color complementario y / o un color de valor obscuro, como el azul ultramar o algún morado.

El valor debe ser simple de entender, sin embargo, la inclusión del color puede convertirlo en un concepto difícil de percibir sin entrenamiento previo. Esto se debe a que es posible que tengas colores visiblemente diferentes pero con el mismo valor, ello dificultará distinguirlos.

Por ejemplo, si eliminas el color de la siguiente imagen, te quedarás con un rango de colores negros y blancos. En dicho rango el color negro será el valor más bajo, mientras que  el color blanco será el valor más alto. 

Esta es una de las razones por las cuales el dibujo es tan apreciado para mejorar la capacidad de pintar. El dibujo facilita la comprensión del concepto de valor sin tener que preocuparse por la inclusión del color.

El valor es considerado por muchos artistas como un concepto mucho más importante que el color en la pintura. Esto se debe a que el valor realmente establece la estructura de tu pintura en términos de luz, contraste e incluso composición.

¿Qué papel juegan los Valores Blanco y Negro?      

Si bien puede parecer lógico que para aclarar un color le agregues blanco y que para oscurecerlo agregues negro, esto es una simplificación excesiva. 

El blanco reduce la saturación, por lo que aunque aclara el color, puede eliminar su vitalidad. Por otra parte el negro no solo agrega oscuridad sino que ensucia los colores. En determinados casos el negro es especialmente útil, por ejemplo, la amplia gama de verdes que se puede producir cuando se mezcla con amarillo. Sin embargo hay colores que aparentan ser oscuros a la vez que muy puros. En estas circunstancias el negro no nos ayudará a recrearlos.

Te recomiendo que desarrolles tus habilidades en la mezcla de colores para producir tonos de intensidad variable. Por ejemplo, para aclarar un rojo, prueba agregar un poco de un color más claro como el amarillo y observa lo que ocurre. En otra circunstancia agrega blanco y observa lo que ocurre. Distintas formas de aclarar tus colores te serán útiles en distintos momentos.

Clave alta versus clave baja

Por ultimo, el valor tonal también nos sirve para producir ciertos tipos de contrastes. Es común escuchar o leer en el medio artístico cuadros descritos como de “clave alta” o “clave baja”. Esto se refiere a la escala de valor general utilizada en la pintura. Una pintura de clave alta tiene una escala de alto valor (claro) mientras que una pintura de clave baja usa una escala de bajo valor (oscura).

También existen cuadros de claves intermedia. Ello se refiere por un lado a que tan clara u obscura es la totalidad de la obra, pero también da pie a distintas formas de emplear el contraste dentro de distintas obras.

Estos fueron algunos de los conceptos más importantes con respecto a la teoría del color. Si deseas conocer más sobre ellos te recomendamos los siguientes textos de nuestro blog.

Los colores como valores dentro de la escala de grises

Cuales son y como seleccionar tus colores primarios

Cuando se trata de aprender a dibujar la figura humana con éxito, debes tener en cuenta conocimientos de anatomía y proporciones básicas. En esta ocasión hablaremos de algunos de los aspectos involucrados en dibujar la figura humana. 

Conocimientos Previos al Dibujo de la Figura Humana

En principio, para que puedas dibujar la figura humana es necesario que conozcas las formas básicas del dibujo: esfera, cilindro, cono y cubo. No tienes que estudiarlas de una manera exhaustiva pero sí tener una idea general de las mismas y que dicha idea sea la más fácil de recordar para ti. 

Otra clave para dibujar la figura humana son las proporciones. Estas son definidas como las relaciones medibles y comparables entre cosas que pueden ser distintas o semejantes. Es decir, se refiere a la relación entre las diferentes partes que pertenecen a un mismo cuerpo. 

Formas básicas para dibujar la figura humana

Ahora, para trazar tu figura conviene primero dibujar una estructura o esqueleto que te sirva como base. A partir de ella irás agregándole poco a poco los detalles necesarios para obtener como resultado final una figura humana lo más realista posible. En este punto es importante considerar las proporciones.

Figuras de Palo y Figuras Geométricas

Las Figuras de Palo son una forma efectiva de dibujar si estás comenzando. Independientemente de si eres nuevo en el dibujo del cuerpo humano o no, usar figuras de palo como la base de tu figura o muñeco demuestra ser un método eficaz para dibujar la proporción adecuada del cuerpo. 

La técnica de la Figura de Palo te ayuda a simplificar la estructura ósea del cuerpo con proporciones adecuadas. También puede agregar más versatilidad al dibujar la figura humana en acción. Además, la idea en este método es “construir” el muñeco final a partir de la figura de palo, la cual actúa como un marco.

Con círculos que representan las articulaciones, así como una cruz o líneas que representan los rasgos faciales, la figura de palo debe ser fácil y rápida de dibujar. Estas figuras debes dibujarlas con trazos lo más  ligeros y finos que puedas. Procura que tus trazos sean fáciles de borrar o imperceptibles una vez finalices tu dibujo. 

Técnica de dibujo de la figura de palo

Una vez que hayas dibujado la forma básica de la figura de palo, puedes comenzar a agregar formas simples a la estructura de palo, comenzando de arriba a abajo. Las formas geométricas como rectángulos y cuadrados en forma de cubos de diversas proporciones son ideales para el torso, el cuello y la pelvis. Mientras que las formas tipo cilindro se pueden usar para partes más largas del cuerpo, como brazos y piernas.

Una vez finalizado este proceso, podrás observar que has trazado aproximadamente una figura básica de “maniquí”, simplemente agregando forma a las figuras de palo. 

Lo más importante de este proceso es prestar atención a las proporciones de las partes de cuerpo. Por ejemplo, ¿qué tan ancho es el brazo en relación al torso? ¿qué tan largo es el torso en relación a las piernas?. Todas las partes del cuerpo te servirán como elementos contra los cuales medir todas las partes del cuerpo entre sí.

NOTA: La figura humana masculina y la figura humana femenina tienen proporciones y características diferentes cada una. Es vital que pongas atención la diferencia entre los dos para evitar confusiones y errores en el dibujo.

Proporciones para definir la altura del cuerpo

El método más utilizado es el de las 8  cabezas. Este método consiste en dibujar ocho cabezas que representarán las proporciones ideales del cuerpo humano. Este método te ayudará a medir las diferentes partes del cuerpo. 

A partir de las 8 cabezas traza la figura básica de palos y figuras geométricas.

Si bien este es el método más utilizado para definir la altura del cuerpo en relación a la cabeza es importante considerar que este método surgió en Europa y por lo mismo es principalmente acertado para dibujar cuerpos de raza caucásica. Sin embargo, otras razas pueden tener cuerpos mas cortos o incluso más largos. Lo ideal de este método no es utilizarlo como medida infalible. La clave está en usar la cabeza de la persona que queremos retratar como unidad de medida para medir su cuerpo y ver cuántas veces cabe una cabeza en el.

El Torso

Después de la estructura inicial generalmente se comienza dibujando el torso, que incluye la caja torácica, el abdomen y la cadera. La razón de comenzar a dibujar la figura humana a partir de esta parte, es que el torso dicta toda la posición del cuerpo. A partir del torso y las caderas, dibujar la cabeza y las extremidades se vuelve mucho más sencillo.

Puedes elegir entre dibujar la caja torácica y el abdomen como dos partes separadas o como un todo. Lo que dictará tu elección es la postura. ¿En la pose de la persona que intentas retratar el torso se comporta como un bloque o está en movimiento?

NOTA: las cabezas pueden ser también empleadas como punto de referencia para determinar el ancho del torso. De nuevo esta medida es una guía, pero no siempre funciona. Mejor emplea la cabeza de la persona que retratas como punto de referencia para su cuerpo.

El abdomen

Una vez que tengas el torso dibujado, procede a dividir la caja toráxica del abdomen con una línea curva. Esta línea curva cruzará el centro del torso. En el extremo superior marca el final del esternón y la parte inferior del pecho. A los costados indica el lugar en el cual dibujarás las costillas flotantes.

En la parte superior del torso, también dibuja otra curva. Ésta definirá la ubicación de la clavícula. Sobre la clavícula dibuja un elipse, que definirá la ubicación del cuello. Presta atención al ancho de las partes del cuerpo en relación al torso que dibujaste.

Ten en cuenta que en cuanto a las proporciones, una cabeza es generalmente la distancia entre la base del cuello y la línea inferior del pecho.

Las Caderas 

Por lo general, la manera más sencilla es dibujarlas junto con la entrepierna como si el muñeco llevara un traje de baño corto o ropa interior masculina. Este truco simplifica el proceso creativo y hace que las cosas sean más fáciles de entender.

En cuanto a las proporciones, la distancia desde el ombligo hasta el área de la entrepierna equivale a otra cabeza.

Hombros y Brazos

Para trazar los hombros de forma simple puedes comenzar dibujando un par de esferas en forma de huevo. Lo importante al hacerlos es, de nuevo, que mantengas tu atención en las proporciones de largo y ancho de los hombros en relación a las otras partes de cuerpo.

Para el área de los bíceps y tríceps dibuja un cilindro para cada brazo. Esta figura geométrica se volverá más angosta en la parte inferior, justo donde se conecta al codo.

Los brazos generalmente terminan por debajo de la altura de la cadera y ahí comienzan las manos.

Las Piernas

Para dibujar las piernas traza para cada muslo un cilindro grueso (o no tan grueso, acorde a la proporción del personaje que intentas retratar). Dicho cilindro servirá para conectar las caderas con las rodillas. De la misma manera que dibujaste los brazos, estos tubos se volverán más estrechos en el área inferior donde el muslo se conecta con la rodilla. Cabe destacar que la región inferior de la pierna debes dibujarla de acuerdo a la posición de la figura. 

Las proporciones para esta sección de la figura serán de dos cabezas de distancia desde  la entrepierna hasta la parte inferior de las rótulas.

La Cabeza

La cabeza es una de las partes más representativas y más importantes al momento de dibujar la figura humana. Por lo tanto, para lograr una estructura y proporción ideales con respecto al resto del cuerpo se han creado distintas formas o métodos mediante los cuales puedes hacerlo.

Método Loomis para dibujar la cabeza

El método de Loomis es una excelente manera de comprender la forma básica de la cabeza, especialmente para aquellos que tienen problemas al dibujarla en un ángulo diferente. Este método consiste en dibujar una esfera y un bloque como se muestra en la imagen. La esfera representa el cráneo del muñeco y el bloque representa la mandíbula. 

Debes trazar estas figuras justo por encima del elipse que previamente dibujaste para el cuello.

En el método Loomis, los lados planos de la estructura cefálica se dibujan trazando dos líneas verticales a los lados de la esfera (atravesándola). El área cortada aún se verá como un círculo completo en el perfil (vista lateral). Sin embargo, en cualquier otro ángulo, se verá más ovalado y los lados que se han cortado serán menos visibles y  desde una perspectiva diferente.

Ahora divide el área ovalada en cuadrantes. La línea horizontal indica la línea de la ceja, mientras que la línea del cabello se establece en la línea superior del óvalo y la nariz en el extremo inferior del óvalo.

Rasgos faciales y detalles de la figura

Una vez dibujada la estructura principal de la cabeza puedes comenzar a esbozar los rasgos faciales con trazos suaves. La parte superior de las orejas debe estar al mismo nivel que la parte superior de los ojos. Los ojos, por otro lado deben estar separados el uno del otro por una distancia de un ojo (si el rostro es visto de frente). Las fosas nasales pueden comenzar en el mismo nivel del final de las orejas y con la boca ligeramente debajo de ella.

Similar a dibujar la figura del cuerpo, la cabeza también tiene su propia proporción llamada proporción facial. La razón es que la proporción facial ayuda en la colocación de los rasgos faciales. Esta proporción sirve para así evitar el error (o hábito) de hacer que los ojos estén demasiado cerca o que la nariz sea demasiado grande. Así como en el cuerpo la cabeza es una buena medida de referencia en el rostro, también debe usarse un elemento modular de referencia. Un elemento muy utilizado para este fin es la medida de un ojo.

Las Manos 

Dibujar las manos podría ser un desafío. Ya sea que estas se encuentren abiertas con los dedos extendidos parcial o totalmente o por el contrario, en el caso de que las manos se encuentren cerradas en forma de puños, las manos siempre pueden ser un reto. En un texto futuro abordaremos el dibujo de las manos con mayor detalle, por ahora solo las mencionaremos brevemente.

El Pie 

La manera en que dibujas los pies, específicamente los dedos, dependerá del ángulo del dibujo. Si es una vista frontal, comienza dibujando el dedo gordo del pie en el lado interior de la punta de cada pie. A partir de ahí, debes colocar el resto de los dedos de los pies en sucesión. Recuerda que el dedo índice del pie es casi tan largo como su hermano mayor. Luego, a partir de este dedo debes dibujar los otros 3 en sucesión. Dibuja cada uno más corto que el anterior y uno detrás del otro.

En cuanto a representar los pies casi de lado, el único dedo del pie completamente visible será el grande. Los otros cuatro serán apenas visibles detrás de su hermano mayor.

Conclusión

Considerar estos pasos te ayudará a dibujar la Figura Humana de forma más proporcionada, con los rasgos faciales y corporales definidos, además de realistas. 

Sin embargo, desde mi punto de vista, lo más valioso de aprender a emplear este tipo de referencias y proporciones no es solo el realismo que ayuda a lograr, sino la soltura que se alcanza con ello. Asimismo, también es provechosa la expresividad resultante en las obras una vez que estas claves se integran espontáneamente al proceso de trabajo.

Quizás los primeros intentos sean un poco difíciles, pero con práctica aplicando las claves que más te hayan interesado, al dibujar la figura humana te beneficiarás. 

Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. Hasta ese momento el dibujo era más bien considerado una herramienta de la pintura, sin valor como forma de arte completa. Pero el renacimiento transformó la percepción que se tenía del mismo para siempre.

El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo una herramienta basta y rica. Los grandes maestros renacentistas encontraron en el dibujo una herramienta ideal para investigar y registrar con detalle el mundo, tarea que era uno de los grandes intereses que trajo consigo el espíritu científico del renacimiento.

El dibujo renacentista

El Dibujo Renacentista buscaba efectos pictóricos realistas a través de la representación de formas fragmentadas, luces, sombras, y una concentración en la atmósfera sobre detalles precisos. 

Los materiales más comúnmente utilizados por los artistas de la época eran la tiza, la tinta, el carboncillo, las gredas y pergamino o papel de colores como el azul, el marrón y el rosa. La elección de dichos materiales dependía principalmente del tipo de dibujo y de la finalidad del mismo.  

Si estás interesado en el arte renacentista y especialmente en el dibujo de este maravilloso estilo, entonces te invito a continuar leyendo este artículo, en el cual te hablaré de las características, los materiales, las técnicas y los principales exponentes de esta expresión artística. También te mostraré paso a paso cómo crear tu propio dibujo renacentista.

El Dibujo: Padre de todas las Artes

A finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a usar el dibujo cada vez más en la exploración de sus ideas para el diseño de pinturas y esculturas. Ya no utilizaban el dibujo solamente con intención de copiar o grabar otras obras de arte terminadas. El dibujo exploratorio ofrecía al artista la oportunidad de plasmar creativamente una visión vívida e íntima en el papel.

La era del arte renacentista en Italia abarca el Renacimiento Temprano (c.1400-90), el Alto Renacimiento (c.1490-1530) y el Manierismo (c.1520-1600). Durante dicha época se  crearon algunos de los mejores dibujos de la historia del arte.

Según Giorgio Vasari, el famoso pintor florentino e historiador de arte, “el dibujo es el padre de todas las bellas artes”. Sus comentarios llegaron al final del vigoroso debate intelectual que se había desatado en Florencia desde fines del siglo XV hasta mediados del siglo XVI. Este debate versaba sobre si la escultura o la pintura eran la forma de arte superior. Vasari expresó el eventual consenso de que dibujar era la base de ambas disciplinas.

El dibujo renacentista según Cennino Cennini 

Cennino Cennini fue un pintor gótico tardío italiano. Es conocido principalmente por su Libro dell’Arte escrito a finales del siglo XIV. Dicho libro es considerado el primer tratado técnico sobre pintura escrito por un pintor. En sus páginas se recogen a modo de recetas los procedimientos sobre la técnica del temple, el dibujo, el fresco y la preparación de aceites y pigmentos. Además se daban pautas para representar las telas, los tonos de piel, el cabello o el agua, concibiendo el oficio de pintor como una tarea mecánica.

Para Cennino Cennini el dibujo puede realizarse sobre papel utilizando dos materiales diferentes: grafito o tinta. Para un dibujo con grafito se debía comenzar con trazos en el papel tan ligeros que apenas pudieras distinguir los trazos que estás haciendo. Luego, poco a poco fortaleces los trazos, retrocediendo varias veces para producir las sombras; destacando que cuanto más oscuro quieras hacer las sombras, más veces deberás regresar para trazar más líneas en lugar de oscurecerlas al principio.

Por otro lado, para un dibujo realizado con tinta se debe tomar tanta agua contenga una cáscara de nuez y colocar dos gotas de tinta. Posteriormente se procede a humedecer un pincel seco en la mezcla preparada. Finalmente, con movimientos ligeros se traza la forma del dibujo que se quiere realizar y se sombrean las áreas necesarias con varias trazas del pincel.

Características del Dibujo Renacentista y sus usos durante la época

• Los primeros Dibujos Renacentistas se caracterizaron por ser bocetos rápidos, generalmente en pluma y tinta, en los que los artistas formularon ideas generales en lugar de centrarse en los detalles.

• El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron dos temas integrados por los artistas de la época. Dicha integración generó como resultado el estudio de las figuras de los modelos vivientes en un diseño resumido de figuras geométricas y estructuras. 

• Los artistas también realizaron dibujos animados a gran escala. Estos fueron especialmente necesarios en la pintura al fresco (en yeso húmedo). Esto se debía a que el medio del fresco les exigía que pintaran rápidamente un parche de yeso por día, antes de que el yeso húmedo se secara. 
• Por otra parte, a finales del siglo XIV, los artistas comenzaron a elaborar los detalles de los encargos para sus obras con sus posibles clientes mediante la redacción de contratos legalmente vinculantes. Dichos contratos incluían un dibujo modelado con pluma y tinta, así como un documento adjunto para explicar los detalles del diseño. También fueron producidos una serie de dibujos como piezas de demostración para la aprobación del cliente y para el uso del taller.

Otros materiales de dibujo utilizados durante el periodo Renacentista

Gracias al Libro dell’Arte de Cennino Cennini, así como a Della Pittura de Leon Battista Alberti y los comentarios de Lorenzo Ghiberti, publicados en la década de 1430, se tiene una idea razonable de los materiales y métodos de dibujo utilizados por los dibujantes del Renacimiento. Los detallo a continuación:

• Los soportes del dibujo renacentista incluyeron una gama de tabletas reutilizables. Por ejemplo: tabletas de madera borrables con una capa de hueso molido mezclado con saliva, pergamino (vitela) hecho de piel de cabra/cerdo/ternera empapada en cal, papel a menudo teñido, lino y lienzo.

• Los instrumentos de dibujo como lápiz, punta de metal y bolígrafo generalmente se clasificaban como medios de línea fina. Por otro lado, están los medios de línea ancha como el carbón y las tizas. Un dibujo renacentista de tiza generalmente se ejecutaba con tizas negras o rojas. La tiza era particularmente popular debido a sus cualidades de difuminado y mezcla que permitieron al artista crear una amplia gama de variaciones tonales. 

• Los dibujos al carbón también eran bastante comunes, sin embargo han sobrevivido menos, ya que el carbón es demasiado fácil de borrar.
• Los dibujos en medios de líneas finas y anchas a menudo se realzaron con blanco para acentuar las áreas de iluminación más brillantes y mejorar el efecto 3D del modelado. El aumento se lograba realizar de tres maneras: con tiza blanca, con pigmento húmedo (por ejemplo gouache de plomo blanco) aplicado con brocha o simplemente dejando el soporte en blanco.

Pasos del Dibujo Renacentista

Siguiendo los consejos dictados por Cennino Cennini a continuación detallo una serie de pasos y recomendaciones para que puedas ser capaz de aplicar métodos de dibujo empleados por los artistas renacentistas: 

Primer paso: Trazos ligeros

• Encuentra un lugar para dibujar donde la luz se difunda y haga que el sol caiga en el lado opuesto a la mano con la que vas a dibujar.
• Prepara un papel con un fondo de color que no sea blanco y preferentemente agrisado.
• Si quieres dibujar de manera fiel al renacimiento selecciona un lápiz de metal delgado, liso y con punta plateada. Habitualmente se utilizaban puntas de plata u otros metales fácilmente oxidables.
• Impregna de cal mezclada con saliva tu lienzo para que tu punta de metal pinte.
• Comienza copiando temas simples. De esta manera podrás practicar y acostumbrar tanto tus manos como tus ojos a este tipo de técnica.
• Traza las primeras marcas o líneas los más ligeramente que puedas, de modo que apenas puedan verse. Como se muestra en los trazos generales del siguiente dibujo de Miguel Angel.

Segundo Paso: Cómo lograr el efecto de claroscuro

• Fortalece los trazos de sombra poco a poco retrocediendo muchas veces sobre los mismos sitios para producir las sombras acorde a la cantidad de luz u obscuridad de la zona especifica que estés trabajando.
• Conforme vayas adquiriendo dominio del claroscuro en tus dibujos cada vez regresaras menos a las áreas que ya trabajaste previamente.
• De hecho en periodos del renacimiento posteriores a la época de Cennino Cennini muchos artistas optaron por trabajar las sombras directo con aguadas de tinta que eran colocadas en un solo trazo, con la obscuridad correcta y en el lugar correcto en la primera aplicación. Posteriormente colocaban acentos de sombra en donde fuera necesario y luego acentos de luces. Puedes apreciar algunas muestras de esto en las siguientes imágenes:

Tercer paso: acentos de luces y sombras

• Ya que tengas los volúmenes generales de la imagen toca acentuar las areas de luz y sombra más intensas.
•  En cuanto a las luces generalmente eran acentuadas utilizando la punta de un pincel delgado y puntiagudo con pintura de blanco de plomo (Albayalde).
• Las sombras generalmente eran acentuadas con pincel delgado o plumas delgadas. Sin embargo también encontramos el uso de gredas, lapices de metal y otros. Todo dependía de la preferencia del artista y la finalidad del medio.

Famosos maestros de dibujo renacentista 

Leonardo Da Vinci

Su legado artístico más abundante son los dibujos. Están enfocados principalmente en el estudio de la anatomía humana y animal, las proporciones del cuerpo, los signos de envejecimiento y enfermedad, y la expresión facial y corporal de las emociones. También se conservan retratos caricaturescos, estudios de jóvenes de perfil griego y bocetos preparatorios de sus obras.

El Hombre de Vitruvio es un dibujo de fama mundial con notas adjuntas creadas por Leonardo da Vinci. Representa a una figura masculina desnuda en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados dentro de un círculo y un cuadrado. A veces denominado Canon de proporciones, se creó como un estudio de las proporciones del cuerpo humano (masculino) según lo descrito por el arquitecto romano Vitruvio (c.78-10 AEC). 

Miguelangel Buonarroti

A lo largo de su carrera, Miguel Ángel prefirió crear esculturas en lugar de pinturas. Sin embargo, en su vejez dijo que pensaba que era más importante crear un gran arte en lugar de discutir lo que constituía un gran arte.

Miguel Ángel pasó la mayor parte de su vida estudiando la forma humana y estaba obsesionado con que el cuerpo era una representación física del alma.

Miguel Ángel utilizó su conocimiento avanzado del cuerpo humano para crear sus desnudos. Le gustaban los temas religiosos y se centró en la imagen de Cristo en muchos de sus dibujos, dibujando con frecuencia las mismas imágenes intensificando cada vez más las emociones expresadas en ellas.

Miguel Ángel tenía buen ojo para la luz y la sombra y comprendió que pueden representar el volumen y la forma tanto en una escultura como en una pintura. Así creó muchas esculturas independientes. Mientras que Leonardo da Vinci pintó sus figuras con ejes rectos y líneas, Miguel Ángel estaba más inclinado a introducir curvas y diagonales.

Rafael Zancio

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Su obra se caracteriza por la claridad de la forma, su habilidad en la composición y el  logro visual del ideal neoplatónico de la grandeza humana.

Entre sus dibujos más representativos se encuentra Cabezas de la virgen y el niño (1504-1508). Este dibujo presenta líneas muy delgadas, áreas con un valor claro y puntos luminosos con gran parte del papel expuesto. Por otro lado el sombreado es logrado con la superposición estrecha de muchas líneas paralelas entre sí creando la ilusión de un valor más oscuro. 

Botticelli 

Sandro Botticelli fue un pintor italiano de la época del renacimiento temprano. Contribuyó a los frescos de la Capilla Sixtina y pintó El nacimiento de Venus (1485–1486). También es reconocido por sus dibujos. 

Allegory of Abundance (1480-1485) es uno de los dibujos más elaborados y bellos del pintor florentino Boticelli. Se cree que la figura femenina representa la Abundancia u Otoño debido a la cornucopia que lleva en su mano derecha, de la que caen las flores y frutas. Otras figuras representadas son: A su izquierda, tres niños los cuales llevan más fruta y a su derecha dos niños más, dibujados ligeramente con tiza negra, que la ayudan a sostener el cuerno.

Este dibujo de Boticelli fue trabajado con un tono de fondo cálido establecido frotando tiza roja en el papel. Los contornos fueron dibujados con tiza negra y luego con tinta marrón, mientras que las formas se modelaron mediante la eclosión y el uso moderado del lavado marrón.

Andrea del Verrocchio

Verrocchio fue escultor y pintor, y su habilidad al representar la forma tridimensional es evidente en Head of a Girl (Hacia 1475), donde el cuidadoso sombreado crea una sensación de volumen. El  cabello de la modelo fue dibujado de forma fina y tenue en trazos rápidos y delgados. Este dibujo es un ejemplo perfecto de la versatilidad de la tiza como medio para artistas hábiles a fines del siglo XV. Verrochio utilizó la tiza negra de manera sutil  para sugerir las sombras suaves en sus mejillas, mientras que retocó sutilmente con la tiza blanca detalles de nariz, párpados, boca y mentón. 

Domenico Ghirlandaio

Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio fue un pintor cuatrocentista italiano. Si bien es conocido por sus pinturas y frescos, los dibujos también forman parte de su expresión artística.

Entre sus dibujos famosos se encuentra Study (1486) como boceto para un fresco. En dicho dibujo se observa una única figura en el fresco que transmite sensación de movimiento. Este dibujo es sobre una sirviente que vierte agua en un recipiente de latón. Ghirlandaio se preparó para la pintura dibujando este detallado estudio individual. La trama cruzada y los contornos fuertes tan típicos del estilo de dibujo de Ghirlandaio son claramente reconocibles.

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Dibujo tridimensional

Intentar presentar lo espiritual, lo místico y comprender que la creatividad y las imágenes producidas son puentes entre el mundo inferior y el superior, es la principal preocupación del arte visionario. Por lo tanto, es posible definir los dibujos que se encuentran en las paredes de las cuevas, o las máscaras rituales de la cultura africana como algunos de los primeros ejemplos de arte visionario.

¿Qué es el arte Visionario?  

El Arte Visionario considera que las imágenes producidas son en realidad mensajes, pautas o profecías dadas a los creativos por una fuerza divina o por un estado alterado del ser. El arte visionario te inspira a desarrollar tu visión interior. Te invita a usar tu ojo interno intuitivo, el ojo de la contemplación, el ojo del alma. Los autores visionarios utilizan todos los medios posibles para acceder a diferentes estados de conciencia y encontrar la visión resultante.

Historia del Arte Visionario.

En la época prehistórica, las pinturas rupestres ilustraban visiones o representaciones de sueños. Las erigieron como símbolos mágicos. La presentación del cuerpo inimaginable de los dioses, animales míticos, ángeles o santos, no sólo ayudó a muchas culturas a conectar con las ideas espirituales, sino que hizo visible las imágenes públicas para su adoración.

Famosos escultores y pintores italianos, dieron vida a las ideas del misticismo cristiano con el uso del realismo gótico.  Una de las pinturas más famosas que representan el arte visionario, es la célebre obra El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch. Los críticos la definieron como una locura visionaria. El artista creó una de las pinturas más extrañas del mundo, una enciclopedia de un simbolismo metamórfico de plantas, animales y humanos.

Inspiración Divina

A lo largo del tiempo, las ideas de lo espiritual y la conexión con la fuerza divina que crearon sus imágenes e ideas, sirvieron de inspiración a famosos a autores. Uno de ellos fue William Blake, cuyas acuarelas se consideran algunos de los ejemplos más bellos e influyentes del arte visionario.

También es importante señalar que diversas pinturas abstractas e imágenes oníricas del movimiento surrealista expusieron la vida sin reglas, donde se permiten varias yuxtaposiciones extrañas. Estas solo reforzaron la idea del misterio de lo divino y su inmensidad, así como también de los misterios profundos de la psique humana.

Lo que se encuentra más allá del límite de la vista 

El arte visionario busca mostrar, a través de las imágenes de sueños o trances, los estados visionarios que trascienden nuestros modos regulares de percepción. Para varias culturas, el reino de lo desconocido tiene varios nombres: para William Blake se llama imaginación divina, para la cultura aborigen, se llama tiempo de sueño y para los tibetanos se entiende como la dimensión de la riqueza interior.

Para Platón, este era el reino de los arquetipos ideales. Los teósofos se refieren a los planos de conciencia astral, mental y nirvánico. Carl Jung conocía este reino como el inconsciente simbólico colectivo. La conexión con este reino y la capacidad de exponer sus imágenes a través de pinturas o dibujos explican la idea del arte visionario.

Tales obras de arte son consideradas por muchos de los interesados en esta forma de arte como puntos de contacto entre el reino espiritual  y el material. Como sea que elijamos llamarlo, el reino visionario es el espacio que visitamos durante los sueños y estados alterados o elevados de conciencia. 

Representación del Mundo Espiritual.

El artista y poeta místico del siglo XIX, William Blake, dijo haber conversado con ángeles y recibir instrucciones de pintura directas de entidades desencarnadas. Blake publicó sus propios libros de arte y poesía, que revelaron un misticismo idiosincrásico derivado de su percepción interna de los temas religiosos. En suma, este artista se resistió al dogma religioso convencional, y proclamó que “todas las religiones son una”.

La obra de arte de William Blake exalta un reino ideal de inspiración que él llamó la “imaginación divina”. El trabajo de Blake sentó las bases para el movimiento simbolista del siglo XIX que incluía a artistas como Gustav Moreau, Odilon Redon, Jean Delville y Frantisek Kupka. El reino del arte visionario también abarca la abstracción modernista incluyendo las obras de Kupka, Klee y Kandinsky; arte realista surrealista o fantástico; y el trabajo idealista como el de Blake.

 Imágenes como Mensajes 

En la década de 1960,  el movimiento hippie influyó en el arte a través de su estilo de vida, diseños de carteles y pinturas psicodélicas. En los años 70,  ciertos pintores visionarios de California y sus imágenes, fueron publicados y conocidos por seguir la tradición del arte Chamánico.

Actualmente, varias imágenes que relatan la historia de tales ideas y la necesidad de comprender el universo, han sido creadas por visionarios contemporáneos. Los festivales como Burning Man y Boom, junto con el Movimiento de Arte Inter-dimensional, son vistos como una nueva ola de arte visionario y eventos.

Principales Exponentes.

William Blake y Hieronymus Bosch, son solo algunos de los nombres que están estrechamente relacionados con este estilo de creatividad. Como ellos se encuentra el padre del arte del simbolismo, Gustave Moreau, cuyas ilustraciones de las figuras bíblicas y mitológicas, aún atraen la imaginación del público.

Si buscas un  lenguaje estético original, observa las pinturas detalladas y hermosas del pintor Edward Burne-Jones, consideradas también ejemplo de arte visionario. 

Siguiendo esta forma de arte, encontrarás las primeras imágenes abstractas de Wassily Kandisnsky. Junto a otros como Paul Klee, Joan Miró o Jean Arp, es uno de los artistas modernos que investigaron sobre la espiritualidad en el arte y las cualidades emocionales de la línea, las formas geométricas y el color.

Kazimir Malevich  y su abstracción invocaron la idea original del arte. Tambien está  Piet Mondrian, cuyos escritos sobre el arte, se consideran de los más filosóficos.

Las visiones de pintores surrealistas, como Max Ernst,  Salvador Dalí y Frida Kahlo, mezclaron no solo la esfera de los sueños, sino también los recuerdos y las experiencias de la infancia. Estas influencias se plasmaron en sus fascinantes lienzos.

Escuela de Realismo fantástico

Posterior a la segunda guerra mundial, se creó la Escuela de Realismo Fantástico de Viena, la cual ayudó a establecer la cultura artística visionaria actual. Fundada en 1946, algunos de los creativos más famosos de esta escuela fueron Ernst Funchs y Arik Braue.

Lo que une a estos autores es su talento y su don para presentar el vasto espectro de las dimensiones visionarias de la mente que nos siguen desde los albores del tiempo.

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El tema de hoy está dedicado a explorar aspectos de la obra y estilo de Gustav Klimt. Klimt fue un pintor austríaco famoso en su tiempo que sigue siendo reconocido hasta hoy. Lo caracteriza su estilo moderno y la manera en la que logró capturar y transmitir emociones a una intensidad elevada.

Su forma de pintar es particularmente interesante porque empleó en ella técnicas muy variadas: hoja de oro, reboques, texturas, temple, óleo, etc.

Como dato curioso, los personajes de las obras de Klimt han sido famosamente descritos como de apariencia flotante. Dicha sensación se debía en gran medida a que los modelos para sus obras posaban acostados sobre una cama.

Inicios de la carrera artística de Gustave Klimt.

Klimt nació el 14 de julio de 1862, en Baumgarten, cerca de Viena. Desde su infancia, mostró inclinaciones artísticas y por tener un padre artesano pudo desarrollarlas desde temprana edad. Gracias a su talento, en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena. Allí se formó hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.

Sus maestros fueron Michael Rieser Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makar, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Por ello se puede considerar su obra temprana como académica.

Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la RingstraBe. Ya desde sus inicios desarrolló algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra. En 1888, recibió la Orden de Oro al Mérito, de manos del Emperador Francisco José I de Austria, por su trabajo en los murales de Burgtheater de Viena. 

Con solamente 17 años, Gustav Klimt se une a Franz Matsch y a su hermano Ernst Klimt formando su propia sociedad artística que se denominó Compañía de Artistas. Esta sociedad recibiría varios encargos de frescos entre los que destaca la Sala de Reuniones de Karlovy Vary en la República Checa (Las Niñas con Laurel, 1889).

Características del estilo de Gustave Klimt

Como podrás observar en las imágenes siguientes, las obras de Klimt se caracterizaron, en su primera etapa artística, por cultivar un estilo ecléctico, con interés en temas históricos. Posteriormente, Klimt fue uno de los protagonistas del movimiento artístico que lo haría pasar a la historia: El Modernismo (Art. Nouveau) desarrollado en Europa a principios del siglo XX.

Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz 

Era el exponente de un estilo propio y sus obras estaban influenciadas por los mosaicos bizantinos que creaban atmósferas enigmáticas. Destacan obras como Palas Atenea (1898), Friso Beethoven (1902), una reinterpretación de la Novena Sinfonía de Beethoven y El beso (1907-1908).

Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino. El artista sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante, que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

Patrones en el estilo de Gustave Klimt.

Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el Oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad, con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.  Esta primera etapa se puede considerar como la “Época de Oro”, en buena parte por el uso de hoja de oro en su creación artística.

La severidad de una línea dibujada a mano, con su potencial para la belleza lírica, es esencial para el arte de Gustav Klimt. La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en tonos dorados y elementos ornamentales de vivos colores. También se ha asociado con formas fálicas encubiertas, que oculta las posiciones más eróticas de los dibujos en que se basan  muchas de sus pinturas. Esto se puede ver en Judith I (1901), en El Beso (1907-1908), y especialmente en Danaë (1907).

Los historiadores del arte notan una gama ecléctica de influencias que contribuyen al estilo distintivo de Klimt, incluidas las inspiraciones egipcias, minoicas, griegas clásicas y bizantinas.

Los procesos de trabajo de Gustave Klimt

Cuando Klimt admitía un encargo, iniciaba su particular método de trabajo tras largas meditaciones, más prolongadas sesiones de posado de modelos. Sus pinturas eran de naturaleza abiertamente erótica, pero solía suavizarlas por un enfoque alegórico o simbólico. Este detalle las hacía más admisibles para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. 

Posteriormente Klimt sufriría una crisis personal, que se reflejaría en su obra artística. Por esa razón, hace desaparecer el color oro y la elegancia de las líneas características del modernismo de su obra. Las nuevas obras de Gustav Klimt, persiguen el uso de colores vivaces y vibrantes, y se ven claramente influidas por la pintura expresionista que le había precedido. Algunos ejemplos representativos de esta época son sus paisajes.

El proceso de dibujo de Gustave Klimt

Como artista, Klimt quería explorar emociones universales como el sufrimiento, la esperanza y el amor. Es una de las razones por las cuales pinta modelos desnudas en su estudio.

Hizo posar a sus modelos en una cama para que sus cuerpos lánguidos simularan flotar, un motivo que es muy importante en su arte. Experimentó con poses, gestos y expresiones, refinándolos hasta que alcanzó un tono perfecto de intensidad emocional a través de la pintura.

Mediante la línea, Klimt buscó transmitir la esencia de la forma humana y la naturaleza de la existencia humana.

La narrativa en la obra de Klimt

En 1911, gracias a su obra La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. Dicha obra es un lugar ideal para contemplar brevemente la gran importancia que Klimt daba a los símbolos para desarrollar la narrativa dentro de sus obras.

Klimt estuvo ocho años pintando esta gran alegoría sobre uno de los principales temas que le obsesionaban: La muerte. En la imagen de abajo la puedes ver, delgada, en la zona izquierda del lienzo, y está envuelta en un sudario decorado al estilo Klimt. Lleva un cetro en la mano y aún sin ojos, parece mirar la danza de la vida a la derecha esbozando una macabra sonrisa.  

Tras un amplio espacio vacío, ahí está la vida, amontonada, caótica, siempre en movimiento, con niños protegidos por el abrazo de las madres, hombres abtazando a sus mujeres… Un remolino de células, tejidos y figuras con los ojos cerrados para no ver lo inevitable. Una anciana penitente en el medio de este conglomerado, parece comprender resignada que la muerte es un lento proceso, tan lento que dura toda la vida.

La práctica hace al maestro (Klimt nunca dejó de practicar).

Fue a través de la práctica diaria del dibujo de la vida, que Klimt cultivó sus ideas. A pesar de su gran habilidad para dibujar, Klimt tuvo que esbozar su camino hacia la genialidad. Y esto lo logró con la práctica, lo puedes ver en los más de 4000 bocetos, estudios y composiciones a color que se sabe realizó.

Klimt realizó una pintura llamada Medicina (1907), la cual le fue encargada por La Universidad de Viena, a principios de siglo. El objetivo era que representara la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia. Klimt, puso mucho trabajo y esfuerzo en ésta obra maestra.

La prensa fue implacable y le atacó por su “innecesaria” carga erótica. El Congreso le acusó de “pornografía” y “excesiva perversión” por lo que esos frescos nunca pudieron ser exhibidos en la institución académica. Propusieron al artista trasladar las pinturas a la Galería de Arte Moderno de la capital austriaca, pero Klimt se opuso y acabó por comprarle al gobierno sus propias obras.

La ventaja es que enfocó su propia carrera a través de este trabajo, generó un montón de nuevas ideas en el proceso de creación de esta imagen y se convirtió en un mejor dibujante en el proceso.

La medicina  fue un avance estilístico y temático para Klimt, y muchas de las ideas que exploró mientras se preparaba para La Medicina, las continuó explorando en futuros trabajos.

Los bosquejos afinan la visión. 

Sin duda bocetar afina no solo la capacidad de dibujar, si no también de pensar en imágenes, formas y lineas, cualidad esencial para un pintor. Un trazo puede decir miles de cosas distintas si este es aplicado de formas diferentes. El pintor debe volverse sensible a ello.

Los muchos bocetos y estudios de Klimt le permitieron ir más allá de la mera pintura hábil a la innovación de su “Fase Dorada”,  que es uno de los estilos artísticos más reconocidos hasta hoy de su periodo histórico. Sin embargo lo que realmente ha vuelto a Klimt un referente importante de la historia del arte no es su uso del dorado, sino su capacidad de transmitir por medio de su uso del dibujo y del color dentro de sus obras.

Aprender durante la práctica.

Como podrás imaginar, Klimt realizó muchos dibujos para poder obtener los resultados que buscaba, por ejemplo, en algunos de los dibujos de La Medicina, dibujó una corriente de bebés flotantes. Hizo muchos dibujos del mismo bebé, en la misma pose, y solo cambió las bocas (abiertas, cerradas, relajadas, tensas). Estaba buscando la expresión que comunicara más claramente los pensamientos y emociones del personaje.

Cuando comparas sus bocetos con las pinturas finales, parece que la visión de Klimt para cada pintura se hizo más clara con cada boceto. Básicamente sus bocetos cobraron más vida a medida que su visión se hizo más clara. Por eso no te conformes, haz todos los bosquejos que necesites, hasta lograr la perfección en lo que deseas expresar.

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Las emociones y el color en la pintura

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El color puede inducir estados de ánimo y dictar potentes sensaciones.

Ya en el siglo XV, los artistas utilizaban pigmentos específicos para transmitir y evocar emociones. Sin embargo, una comprensión integral de la teoría del color (reglas para el uso del color en el arte) no se comenzó a desarrollar formalmente hasta el siglo XVIII cuando Isaac Newton desarrolló la rueda de colores. Y una teoría del color ligada a la experiencia emocional humana no surgiría hasta tiempo después, con la llegada de Goethe.

Descripción general de la psicología del color.

Esta se define como el “estudio de los matices como un determinante del comportamiento humano”. Esto quiere decir que, los artistas pueden analizar la manera en que nos hará sentir y reaccionar la utilización de los colores. Algunas de estas asociaciones son tan fuertes que, pueden estimular el comportamiento, las acciones y hasta los sentimientos en las personas.

En el arte, podemos utilizar los colores  para expresar nuestras emociones. Así mismo podemos hacer uso de los colores intencionalmente para provocar emociones en nuestra audiencia.

Para ver con más claridad este hecho, usaremos de ejemplo los llamados Período Azul y Rosa de Picasso.

Los periodos azul y rosa de Picasso

En el “Período Azul”, pintó obras monocromáticas, representando en ellas escenas sombrías y desalentadoras. Más tarde, en el “Período Rosa”, utilizó tonos alegres como el rojo, el naranja y el rosa. Así, puedes observar el contraste directo con los colores fríos de su período anterior.

Observa cómo el significado del color jugo un papel importante en sus obras. Tradujo sus sentimientos a una imagen que el espectador podría desempacar. El público tuvo la oportunidad de vislumbrar la mente de Picasso.

Toma en cuenta que el espectador puede tener una interpretación diferente de la pintura, que se aplica a su propia cultura y experiencias de vida. Es importante que tengas presente que los colores y el diseño pueden significar algo diferente para cada persona que los ve. 

La ciencia del color en la cultura Occidental

Si bien aún hoy en día se debate sobre la falibilidad de asociar colores con emociones muy especificas, existen reacciones incuestionables que los colores pueden producir en nosotros los seres humanos.

El estudio del color en relación a la emoción tiene muchas aristas diversas. Tiene connotaciones biológicas, culturales, psicológicas, sociales e incluso mercadológicas.

A continuación mencionaremos algunas asociaciones que coloquialmente se ejercen en relación a diversos colores.

Azul

Hay una variedad de tonos azules en la naturaleza, especialmente en el cielo y los cuerpos de agua. El azul a menudo se asocia con la calma y la satisfacción. Los tonos de azul también se dice representan la confiabilidad. En algunas situaciones, especialmente en el arte, el azul opaco y oscuro ha sido asociado con la tristeza.

Verde.

El verde está aún más ligado a la naturaleza que el azul. Las plantas y árboles aportan una gran variedad de tonos verdes. De hecho, puesto que es el color de muchísimas plantas, mismas que los seres humanos estamos “diseñados” para reconocer, es uno de los colores que percibimos en mayor cantidad de matices. La mayoría de las culturas ven el verde como señal de juventud y salud. Por lo mismo también se relaciona con la prosperidad y la vida.

Púrpura 

El púrpura tiene una larga relación con la nobleza. Por siglos fue un color difícil de producir, por lo que históricamente sólo los ricos podían permitirse artículos de color morados. Actualmente, el violeta  es visto como un ejemplo de creatividad y serenidad. Sin embargo por su herencia histórica sigue también siendo asociado con nobleza y sabiduría.

Rojo 

Un color rojo brillante y abrasivo puede expresar enojo y tumulto. Sin embargo el rojo significa más que solo  frustración o caos. Transmite pasión, incluido el amor. El rojo es usado por muchas marcas comerciales no necesariamente por los sentimientos que evoca, sino porque es muy fácil de notar para el ojo humano. Hay un viejo dicho entre pintores que dice: “si quieres vender un cuadro, pintalo de rojo”.

Naranja

El naranja, como el rojo, es muy visible y usado a menudo en las marcas comerciales, especialmente de equipos deportivos. Los tonos naranjas brillantes son enérgicos y joviales, mientras que los tonos más claros se pueden percibir como relajantes y refrescantes, tal como las puestas de sol y el sorbete de naranja. 

En las culturas occidentales, el amarillo se identifica como alegre y cálido por su relación con el sol. Sin embargo, cuando se usa con demasiada dureza o en el contexto incorrecto, puede provocar frustración e incomodidad. El amarillo también está relacionado con la estimulación del aperito.

Negro

El negro a menudo está relacionado con la oscuridad y el mal. Sin embargo en las sociedades occidentales, el negro denota poder y autoridad.

Blanco

El blanco es interesante porque tiene connotaciones casi opuestas en las culturas occidentales y orientales. En Occidente, el blanco es visto como puro, elegante y limpio. Por el contrario, el blanco está asociado con la muerte en el Este. En algunos casos, como la prisión, la esterilidad del blanco puede usarse para inducir la privación sensorial. 

Indudablemente, hay una variedad de emociones exhibidas a través de los colores. Además, puede haber varios sentimientos evocados simplemente cambiando el tono de un solo color. Por lo mismo definir con exactitud lo que transmiten los colores es un tema de debate significativo, puesto que hay infinitas variaciones sutiles.

Sin embargo, no hay ninguna duda de que los colores son piedras angulares en la transmisión de significado. Este significado muchas veces es transmitido sin que el espectador se dé cuenta conscientemente.

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Hay muchas ocasiones en que una pintura revela en gran medida las emociones del pintor. Los colores que éste usa reflejan su perspectiva de la vida y su circunstancia emocional.  Han existido muchos grandes pintores que nos han dejado obras maestras inmortales en las que se enfatizó el uso del color como mensajero. A continuación te nombraré y mostraré artistas junto a obras significativas en que emplearon el color para apelar a la emoción humana.

Pablo Picasso

Fue un pintor y escultor español, creador junto con Georges Braque del cubismo.  (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973).

Los amantes

Una de las consideradas obras maestras de Pablo Picasso es Los amantes. Cómo puedes apreciar aquí, él representa a un hombre y una mujer abrazados con suavidad y amor en sus ojos. En ésta maravillosa pintura podemos percibir el amor que el pintor experimentaba al dibujarla.

Vincent Van Gogh

Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo (Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890).

La noche estrellada

La pintura de Van Gogh La noche estrellada, nos muestra su propia naturaleza surrealista. Con giros de nubes, estructuras oscuras, luna, planetas y la representación del movimiento del viento y un colorido que intensifica la dualidad entre luz y obscuridad. En ella podemos ver claramente la variabilidad en la mente del artista. Puedes encontrar en ella distintas interpretaciones según tú estado de ánimo. Por ello es considerada una de sus grandes obras.

Gustav Klimt

Fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918).

El beso

Creada por Klimt El beso es una pintura que  representa la ‘emoción humana de la pasión’. Podemos observar un hombre y una mujer bellamente dibujados, mientras comparten un beso. Puedes apreciar en esta pintura la sensualidad plasmada por el artista en ella, se puede sentir que el beso está ocurriendo realmente.

Uno de los elementos que mayor éxito trajo a la obra de Klimt fue su uso habitual de hoja de oro en contraposición con un carateristico colorido brilante.

Miguel Ángel Buonarroti

Conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obras arquitectónicas (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564).

La creación de Adán

Realizada en el techo de la Capilla Sixtina en Roma, esta obra maestra es realmente una belleza. En ella puedes palpar el amor del pintor por Dios y la humanidad. A través de esta pintura se expresa la magia de la creación divina del hombre. También se puede sentir la emoción humana de la fe.

Johannes Vermeer

Es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. (Bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675)

Chica con un arete de perla

Johannes Vermeer, es considerado uno de los mejores pintores de todos los tiempos por su habilidad para percibir la luz y representarla. Puedes observar gran belleza e impacto pese a la simplicidad de esta pintura; se trata de una niña con un tocado de turbante y un arete de perlas, la cual hasta la fecha es considerada una pieza muy valiosa en la historia del arte. Si bien su valor no solo radica en el turbante azul de la chica, esta pintura ha sido mencionada incontables veces por dicho turbante.

Henri de Toulouse-Lautrec

Conocido simplemente como Toulouse-Lautrec, fue un pintor y cartelista francés. Se le enmarca en el movimiento postimpresionista (Albi, 24 de noviembre de 1864 – Château Malromé, Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901).

En la cama: El beso.

En esta pintura de Henri de Toulouse-Lautrec, En la cama: el beso, podemos ver lo audaz de la misma, al representar dos mujeres besándose. Esta nos muestra una gran cantidad de emociones humanas que el pintor ha capturado con maestría. En la pintura, el artista le ha dado un tinte de color rojo al borde de los labios, dándole a esta pieza un aspecto erótico y al mismo tiempo tierno. La luz nos introduce en una atmósfera que nada tiene que ver con el tabú de la época. Una escena tierna, con una iluminación acogedora, llena de ternura y pasión.

Georgia O’Keeffe

Georgia O’Keeffe fue una artista estadounidense mejor conocida por sus pinturas de flores agrandadas, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido reconocida como la “Madre del modernismo estadounidense” (15 de noviembre de 1887 – 6 de marzo de 1986).

El lago

En la pintura de Georgia O’Keeffe llamada El Lago se pueden apreciar los colores fuertes utilizados en ella, que definen su audaz perspectiva. En esta pintura puedes ver representada la imagen de un lago que fluye suavemente. Se puede apreciar la calma en la mente de la artista y su amor por la naturaleza. Mediante su uso del contraste, representa un intenso haz de luz rodeado por lo que pareciera nuves grises y densas. Con ello la pintora intenta aparentemente hablarnos de esperanza, la llegada de la luz y la calma después de la tormenta.

Matisse

Fue un pintor fauvista francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Se desempeñó como dibujante, grabador y escultor, pero principalmente como pintor. (31 de diciembre de 1869-3 de noviembre de 1954).

Lujo, calma y voluptuosidad.

Esta obra es considerada como una síntesis del postimpresionismo. Puedes apreciar en ésta obra la utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleada  por Matisse en su periodo fauve. Otra característica que puedes observar en esta pintura, es su intención de expresar sentimientos que iban más alla de la representación literal del mundo. Esto hace que se perciba la naturaleza y lo que le rodea priorizando lo subjetivo. Se aprecia la idea de que hay una diferencia entre el color percibido por los ojos y el color procesado por la mente o el pensamiento.

Los fauvistas hicieron gran énfasis en usar el color de manera decididamente distinta de la natural. Decían que era imposible usar el color de manera naturalista despues de haber presenciado la primera guerra mundial. Simplemente los colores “naturales” no eran lo suficientemente intensos para representar lo vivido.

El color es el componente fundamental de los símbolos visuales y es utilizado principalmente como medio de comunicación. Sin embargo, su simbolismo más fundamental se extrajo de la naturaleza.

En las civilizaciones antiguas, el color era una parte integral de la sustancia y el ser de todo en la vida. Aun cuando existían diferencias individuales en la interpretación de los colores elaboraron formas de simbolismo del color determinadas convencionalmente, generalmente, como parte de una búsqueda de principios básicos con los que organizar un mundo de multiplicidades. Por lo tanto, los colores primarios se asociaron con frecuencia con las divinidades, los elementos y las direcciones.

Por otra parte, el color también se encuentra estrechamente relacionado con los estados mentales y emocionales, e incluso puede llegar a afectarlos de una manera profunda. 

Existen muchas formas de estudiar el color.  Sin embargo, en este artículo nos enfocaremos en el origen simbólico de los colores y como estos se encuentran representados  en diferentes culturas del mundo.

Simbolismo del color: Colores primarios y secundarios

Existe una diversidad muy amplia de colores. Sin embargo estos pueden ser categorizados en colores primarios, secundarios y terciarios. Tradicionalmente se dice que los colores primarios están compuestos por: rojo, amarillo y azul, y las culturas antiguas sumaban a estos tres el blanco y el negro.

En las siguientes secciones, te hablaré de los diversos significados de cada uno de los tres colores primarios más blanco y negro, y alguno que otro color más. Particularmente ahondaremos en el significado de cada uno de ellos en diferentes tiempos, lugares y culturas. Además también te hablaré de sus connotaciones tanto positivas como negativas. 

Colores primarios.

1. Rojo.

El color rojo se encuentra relacionado en distintas culturas con la sangre, el fuego, el sol y el cielo al atardecer. Universalmente se considera como el símbolo básico del principio vital, del fuego y de la sangre. En cuanto a las emociones está estrechamente relacionada con  la alegría, el amor, la pasión y el peligro. En algunos países ha sido utilizado como el color representativo de movimientos políticos como el comunismo y la revolución.

Connotaciones positivas.

Según las leyendas de distintas culturas, el color rojo es el primer color recibido por el hombre. Por otro lado, en tiempos prehistóricos rociaban los cuerpos de los muertos con este color, ya que se creía que restauraba el color cálido de la sangre y la vida.

En la cultura anglosajona, utilizaban el color rojo como amuleto de protección contra el mal y los guerreros lo usaban para obtener “poderes mágicos”.

En las tradiciones culturales chinas, está asociado con la buena fortuna, la felicidad y la celebración. Mientras que en los festivales occidentales, el rojo y el verde se asocian con la navidad. En cuanto a la religión católica y a la monarquía, este color representa la influencia y la autoridad. Siendo utilizado por los cardenales católicos romanos en sus sombreros y en la mayoría de la vestimenta de los reyes. Finalmente el rojo también está relacionado con el amor y la fertilidad.

Connotaciones negativas.

Como el color de la sangre, el rojo es considerado como un símbolo de advertencia, guerra, destrucción, sexo, pecado y asesinato. En la mitología romana, el rojo ha está asociado con el Dios de la guerra, Marte. Antiguamente en Egipto,  el color estaba asociado, al color del desierto y del dios destructivo Seth. Las banderas rojas son empleadas por los revolucionarios socialistas. El rojo se asoció en muchos sitios con las prostitutas.

2. Amarillo.

Según el diccionario Merriam-Webster, la palabra amarillo, proviene del inglés antiguo ”geolu” que es similar al “gelo” alemán antiguo. El tono del color se asemeja a los limones maduros y a los girasoles. En la cultura occidental, este color se encuentra asociado con felicidad, alegría, optimismo, igualmente podemos identificarlo con precaución  y cobardía. En Alemania, representa la envidia. Para la cultura egipcia, este color transmite felicidad y buena ventura. Al tratar con el amarillo, las asociaciones se puedes dividir en dos connotaciones.

Connotaciones positivas.

El color amarillo se encuentra asociado con el sol y sus poderes generadores de vida. El sol amarillo fue adorado como dios en muchas culturas antiguas. Según la mitología griega, la radiante luz amarilla del sol, personificaba la sabiduría divina; mientras en la cosmología mexicana, encontramos que el amarillo dorado, era el color de la nueva piel de la tierra, al comienzo de la temporada de la lluvia, antes de que todo volviera a ser verde. Por lo tanto, el color está asociado con el misterio de la renovación. En china está asociado con el centro del universo. Para los budistas, el amarillo es el color de la humildad.

Connotaciones negativas.

El amarillo nos  anuncia la vejez y el enfoque de la muerte. Para los indios Tewa Pueblo, es el color del oeste, el cual nos anuncia la dirección hacia el inframundo. Para los chinos, el color  negro y el amarillo eran los colores que representaban el norte, esta dirección conducía al reino de los muertos. En la tradición del teatro chino, los actores pintan sus rostros de amarillo como una marca de crueldad, engaño y cinismo. Se usó una bandera amarilla en occidente, para simbolizar enfermedades y cuarentena.

3. Verde / Qing/ Azul.

En la cultura occidental, representa la naturaleza, la conciencia ambiental. En Irlanda, podemos observar sus maravillosos y exuberantes paisajes verdes, los cuales le ganaron el apodo de Isla Esmeralda. Se usa para describir las plantas y los océanos. Varios minerales tienen un color verde, como el Jade y la Esmeralda, de ahí la expresión verde color Esmeralda.  Los animales como la rana, lagarto, insectos y pájaros, aparecen verdes debido a una mezcla de capas de coloración azul y verde en su piel. Muchas criaturas se han adaptado a sus entornos verdes, adoptando u tono verde para camuflarse. El verde tiene connotaciones positivas y negativas.

Connotaciones positivas.

Universalmente, es el color de la vida vegetal, el verde, puede representar despertares, nuevos comienzos y crecimiento. Los chinos la  relacionan con la primavera. También encontramos que, para los celtas el hombre verde es un importante dios de la vegetación y la fertilidad. Antiguamente en Egipto, el verde del dios Osiris simbolizaba la resurrección y la inmortalidad. Su simbolismo espiritual era más importante en el mundo Islámico, para ellos este representaba  el color sagrado del Profeta y la divina providencia. En México, es considerado un color nacional, el cual representa la Independencia de la República. También es considerado el color nacional del Islam. El verde se ha convertido en un simbolismo para los ecologistas.

Connotaciones negativas.

También encontramos un lado oscuro en el mundo natural.  En diversas ocasiones, el color verde ha representado peligro y muerte. Hay muchos casos en que el verde ha está vinculado con poderes sobrehumanos. Los antiguos egipcios temían a los gatos con ojos verdes, y se imponía pena de muerte para los culpables de matar a estas criaturas.

En la Europa medieval, el verde estaba asociado con el Diablo, y usarlo se consideraba desafortunado para los seres humanos. Según las creencias, una persona físicamente enferma, se ve verde alrededor de las branquias. Cualquiera sea el origen de la creencia, la correspondencia del verde y la envidia, se han convertido en una costumbre popular. Además hay otros dos colores similares con el verde: “qing  / azure y azul.

Qing /Azure.

Es el color ortodoxo en la antigua China, en lugar del verde. En  la China tradicional, “el dragón azul”, preside el barrio oriental, como una de las “cuatro criaturas sobrenaturales”. Es difícil para las personas distinguir entre qing y verde o azul.

4. Azul.

El azul es el color más usado en el mundo entero, ya que tiene muchas asociaciones positivas. Históricamente, muchas culturas en todo el mundo no han distinguido el azul del verde. Los amuletos en forma de ojo azul, se cree protegen del mal de ojo. Originalmente, no había una palabra china específica para el azul, en cambio qing se refería a todos los tonos, desde el gris oscuro hasta el azul y verde.

 Los chinos no tienen término separado para “azul” de “verde”, y qing cubre ambos términos. En el Hinduismo, está asociado a Krishna, que encarna el amor y la alegría divina. Hay connotaciones positivas y negativas para estás palabras.

Connotaciones positivas.

Ya sea que hablemos del cielo, (azul  celeste) o del mar ( oceánico), el azul evoca espacios amplios y abiertos, y está vinculado con el infinito y el vacío primordial. El azul del cielo se ha asociado con  el principio masculino, la distancia y los dioses. Aun así, las aguas profundas. En el antiguo Egipto, los dioses y reyes a menudo se representaban con barbas y pelucas azules,  así como la divinidad Hindú Krishna se representa como azul. Por otro lado, también asocian el azul con el principio femenino.

Como símbolo de paz y pureza, es el color de la Virgen María. El azul, es el símbolo de la verdad y la eternidad de Dios y siempre seguirá siendo el símbolo de la inmortalidad humana. La antigua costumbre en las bodas, de que la novia debe llevar algo azul, es para garantizar la fidelidad.

Connotaciones negativas.

La antigua China tenía una actitud ambigua hacia el color azul. Las criaturas de cara azul en el arte tradicional eran demonios, fantasmas. Mientras que, Kui-hsing, el dios de cara azul, era originalmente un erudito. El azul es visto tradicionalmente como una persona enojada, “de cara azul” y el color de “un moretón”. Con frecuencia se considera sinónimo de depresión.

También puede representar abstinencia, aislamiento, soledad e inestabilidad. El azul representa los excesos de la emoción tranquila. La expresión sentirse triste, se relaciona con el azul y se considera sinónimo de depresión.

5. Blanco.

Es un pigmento del color de la leche o la nieve, debido al reflejo de los rayos de luz visibles. Para la cultura occidental el blanco representa la pureza, la paz, la elegancia y la limpieza. Es común que las novias, utilicen un vestido de color blanco en las bodas, el cual representa la pureza, la virginidad.

En algunos países asiáticos, el color blanco representa la muerte, el luto y la mala suerte. En Perú, el color blanco está asociado con los ángeles, la buena salud y el buen tiempo. Al igual que los colores, el blanco tiene connotaciones positivas y negativas.

Connotaciones positivas.

El blanco se puede definir como el color absoluto de la luz, en él se encuentran concentrados todos los colores. Simboliza la verdad, la pureza, la inocencia, y lo sagrado o divino. En muchas culturas las vestimentas blancas, son vestimentas sacerdotales, asociadas simbólicamente con la pureza y la verdad. El blanco es usado por las novias, en los países occidentales.

Podemos encontrar en las pinturas del Juicio Final, que las almas de los justos se encuentran representadas por ropas de color blanco. Los cristianos al ser bautizados, son vestidos con ropa de este color. La asociación del blanco con la pureza y la paz es utilizada por muchas religiones.

Connotaciones negativas.

Por otro lado, el blanco de asocia con palidez, falta de sangre, de vigor y muerte. En varias culturas, se cree que el alma deja el cuerpo en forma de mariposa blanca o pájaro blanco. En China, los actores con caras pintadas de blanco, representan a hombres que no son considerados malvados, pero si astutos y traicioneros. Los ángeles cristianos se representan vestidos de blanco, mientras que los fantasmas, se describen como emitiendo una luz blanca.

6. Negro.

El diccionario Merriam-Webster indica que “negro” se remonta a sus orígenes Proto indoeuropeos, a través de “bhled“, que significa, “quemar y brillar”. El antiguo inglés “blaec” era similar al antiguo “alto blac” alemán (negro).

Para muchas culturas el negro representa la sofisticación y la formalidad, pero también el mal, la muerte, el duelo, la magia, la enfermedad, la mala suerte y el misterio. En el Medio Oriente, puede representar tanto al renacimiento, como el luto. En África, simboliza la edad, la madurez y la masculinidad.

Connotaciones positivas.

El color negro está considerado como la ausencia de luz y en lugar de un color en sí mismo, es un símbolo complejo. Casi todas las culturas reconocen la dualidad y la oposición entre el blanco y el negro. En Egipto, el negro representa  el color del “renacimiento” y la “resurrección”. En Grecia, es el color de Cronos/Saturno, que simboliza el tiempo.

Las diosas Hindúes Kali y Durga, pueden aparecer como diosas negras, lo que sugiere la dualidad luz-oscuridad necesaria para la continuación de la vida. Un pueblo llamado Un-Zehn , adoraba el color negro que representaba la dignidad y pudo estar influenciado por el agua negra del rio Dragon Negro.

Connotaciones negativas.

En el mundo occidental, el negro tiene muchas connotaciones negativas, muchas de ellas centradas en el miedo y lo desconocido.  La muerte y el duelo, están simbolizados en occidente por el negro. La Parca (término empleado por el Cristianismo), como la personificación de la muerte, está oculta por completo con túnicas negras. La magia negra se utiliza para propósitos malvados. Los animales negros se consideran desafortunados, como el cuervo negro, el perro negro, el gato negro y las ovejas negras. El negro denota culpa y vicio. Por ello encontramos que decir, un hombre tiene el corazón negro, es una expresión contigua de depravación.

Mientras tanto, en el teatro chino un hombre con la cara ennegrecida representa una persona honorable y justa. En inglés, utilizar los términos de lunes negro o viernes negro, no se consideran días de suerte, porque en estos días se han producido muchos eventos terribles.

En resumen, el significado de blanco y negro no es absoluto y general y depende de muchas condiciones. Además ha cambiado de vez en cuando y de región a región.

Jean-Michel Basquiat  fue un influyente artista afroamericano que alcanzó el éxito durante la década de 1980. Las pinturas de Basquiat son en gran parte responsables de elevar a los grafiteros al reino de la escena de la galería de Nueva York.

Sus coronas pintadas con aerosol y sus palabras garabateadas, hicieron referencia a todo, desde su herencia haitiana y puertorriqueña, hasta cuestiones políticas e íconos de la cultura pop.  Las marcas gestuales y la naturaleza expresiva de su trabajo no solo lo alinearon con el arte callejero de Keith Haring y Kenny Scharf, sino también con los neoexpresionistas Julian Schnabel y David Salle.

Historia

Jean Miguel Basquiat nace en Brooklyn, Nueva York, en el año 1960. Desde su infancia temprana mostró gran interés en el arte, aprendiendo a dibujar y pintar con el estímulo de su madre. Juntos asistieron a las exhibiciones del museo de la ciudad de Nueva York. A la edad de seis años, Jean-Michel era un miembro menor del Museo de Brooklyn.

El arte de Basquiat se basó fundamentalmente el movimiento de grafiti con sede en la ciudad de Nueva York, durante la década de 1970.

Su primera pintura, que data de 1979-1980, es una obra relativamente pequeña titulada “Sin título”. Fue realizada en acrílico, sangre, tinta y collage de papel sobre papel.  En el año 2017, esta pintura estableció el record de subasta por el multimillonario japonés Yusaku Maezawa, comprando la obra del artista “Sin título” en Sotheby’s por $ 110.5 millones.

Después de incluir su trabajo en el histórico Times Square Show de punk-art de junio de 1980, Basquiat realizó su primera exposición individual en la Galería Annina Nosei, en SoHo (1982). 

El ascenso de Basquiat a un reconocimiento más amplio, coincidió con la llegada en Nueva York del movimiento neoexpresionista alemán. Este movimiento, proporcionó un foro acorde para su propio expresionismo callejero. 

En 1985, un artículo de la revista New York Times declaró a Basquiat el joven artista estadounidense de la década de 1980. Desafortunadamente, Basquiat se estaba volviendo cada vez más adicto a la heroína y la cocaína, lo que condujo a su trágica muerte en 1988 a la edad de 27 años. 

Influencias en su estilo 

Basquiat también hizo uso frecuente de motivos caribeños y africanos. Sus motivos hicieron hincapié sobre la historia y  la riqueza cultural de la diáspora africana, sus raíces caribeñas y la épica lucha histórica de los afroamericanos. Así, utilizó en su arte dichos temas yuxtapuestos contra poemas crípticos de la conciencia, imágenes de personajes de dibujos animados, logotipos de marcas o los nombres de los cuerpos planetarios. 

También  empleó dispositivos visuales extraídos de la subcultura de escritura de graffiti de Nueva York, como el tachado de nombres para significar un desafío. Además hizo uso de terminología médica extraída de las páginas de Gray’s Anatomy, un libro que su madre le había regalado cuando tenía 7 años.

El uso del Color en su Arte

Una de las mayores fortalezas de Basquiat, fue el  uso del color al servicio de su agenda figurativa y narrativa.  Utilizó el color sin mezclarlo estructuralmente, con pinceladas directas y teatrales.  Su paleta era saturada y subtropical con colores “rosas soleados de Florida, verde manzana, amarillo de jardín de infantes y aguamarina pálida”. Así como también usó colores brillantes, fuertes, oscuros y turbios. 

Para dibujar garabatos al azar, el color fue una importante herramienta. Pero aunque el color mantiene unidas sus imágenes, sus pinturas se dibujan tanto pintadas con trazos rápidos, seguros y lineales, como rascadas en el color húmedo con el mango de un pincel. 

Técnicas aplicadas por Jean-Michel Basquiat

La forma de comunicación central de Basquiat en sus obras, era mantener al espectador en un estado de conocimiento y misterio dentro de cierta familiaridad. El espectador podía leer sus imágenes sin un esfuerzo extenuante en lo que se refería a las palabras, imágenes, colores y construcción. Sin embargo, era difícil descubrir el punto que señalaban, ya que los niveles más profundos de significado estaban oscurecidos. 

Basquiat eligió la libertad de la que disfrutan los grafiteros que pintaron en los subterráneos de Nueva York durante los años setenta y ochenta. Estas creaciones incluso continúan hasta el día de hoy en las paredes de los edificios de toda la ciudad. Estas grandes pinturas y dibujos móviles podrían ser exhibidas en galerías, museos y adquirido por coleccionistas.

Las Palabras como elementos pictóricos

Basquiat pintó tachando sin cesar palabras, volviéndolas a escribir, corrigiendo, enfatizando y borrando. Utilizó partes del cuerpo, partes de máquinas, figuras, dibujos animados, símbolos exclamativos, declaraciones, sellos oficiales, animales de corral, gráficos, números, diagramas científicos, fórmulas e innumerables palabras sueltas.  Muchas de sus pinturas más reconocidas están llenas de palabras e imágenes. 

Cuando no podía comprar lienzos usaba trozos desechados de madera que conseguía en la calle. También usaba óleo en barra, creyones, pintura en spray y lápices y sacaba palabras de los menús, cómics y libros de texto. Por lo tanto, mantenía estos recursos en el piso de su estudio, trabajando con múltiples proyectos a la vez.

Relatos y Protagonistas en sus Pinturas

Basquiat reutilizó experiencias actuales e historia del arte y las convirtió en un lenguaje visual inventivo. Esto lo logró al crear anatomías astilladas, re-imaginando escenas históricas y trasplantando calaveras de naturalezas muertas clásicas.

Trabajaba como si se insertara en el legado de los artistas que seguía y producía collages que eran tanto una conversación con la historia del arte como con ellos mismos.

Estas pinturas caóticas ganaron rápida aclamación y atención. Pero a pesar de su creciente audiencia general, Basquiat insistía en pintar temas desafiantes sobre la identidad y la opresión. Figuras marginalizadas como prisioneros, cocineros y conserjes se muestran en el centro de la escena.

Su obsesión con los cuerpos, la historia y la representación puede observarse en sus obras que evocan el comercio trasatlántico de esclavos y la historia africana. También creó numerosas piezas que tratan de las relaciones raciales contemporáneas.

En menos de una década Basquiat creó miles de pinturas e ilustraciones, así como esculturas y fragmentos de poesía y música.

El Legado de Jean-Michel Basquiat

En su corta y problemática vida, Jean-Michel Basquiat llegó a desempeñar un papel importante e histórico en el surgimiento del arte punk y el neoexpresionismo en la escena artística de Nueva York. Mientras que el público en general se aferró al exotismo superficial de su trabajo y quedó cautivado por su celebridad de la noche a la mañana, su arte, a menudo descrito incorrectamente como “naif” y “étnicamente valiente”, mantuvo importantes conexiones con precursores expresivos, como Jean Dubuffet y Cy Twombly .

Luego de su desaparición, Basquiat y su trabajo continúan sirviendo para muchos observadores como una metáfora de los peligros del exceso artístico y social. Aunque el valor de su obra aumentó, la energía y el estilo de sus piezas han tenido un impacto más grande que su valor monetario. Incluso hoy en día vemos su influencia en la música, la poesía, la moda y películas. Sin duda su arte sigue siendo uno de los principales precursores del arte urbano actual.

Verdaccio es el término italiano que define a la técnica de pintura que utiliza como base un color de pintura verde. Dicha técnica se origina en el arte italiano del Renacimiento temprano. Fue creado tradicionalmente a partir de la mezcla entre pigmentos negro óxido y amarillo ocre. Fue ampliamente utilizado para establecer valores tonales en la pintura al fresco, creando un suave gris verdoso para las sombras de los tonos para pintar la piel. 

Historia del Verdaccio

En la edad media, los frescos y las pinturas al temple de huevo eran las técnicas más utilizadas. Los artistas habitualmente aplicaban una capa de color verde como mano prima o fondo. Así reducían la intensidad en los tonos de piel anaranjados / rosados que de otro modo se verían plásticos en una pintura. Este efecto se lograba debido a la complementariedad entre los colores verde y rojo. De esta manera la piel en sus sujetos parecía más realista en las capas finales. 

Tonos para pintar la piel

El verdaccio  se usaba más comúnmente en pinturas del norte de Europa, Flandes, Bélgica o el norte de Francia. Esto en parte estuvo influenciado con los tonos pálidos que presentaban las personas nativas de dichos lugares. Sus pieles eran pálidas, con tonos de piel transparentes que revelaban el color verdoso o azulado de las venas. 

Por otra parte, la combinación de los colores  gris / verde realzaba las áreas de sombra de la piel, generando así un efecto más translúcido. Por ejemplo, las sombras de las cuencas de los ojos y los huesos de la mano. De estas primeras creaciones surgieron las técnicas de pintura de fondo de verdaccio. 

Los excelentes resultados obtenidos con esta técnica prolongaron su uso a través del tiempo. Esto sucedió incluso después de la aparición de la pintura al óleo. Esto fue debido a que la naturaleza transparente de las pinturas al óleo permiten el paso de la luz a través de las capas superiores de pintura. Además, vale la pena destacar que dicha luz se refracta a las capas de la pintura base. Un ejemplo de ello puede ser observado en obras tales como los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

La Tradición del Verdaccio

La tradición de pintar con el verdaccio pasó de maestro a aprendiz, comenzando con los artesanos griegos y bizantinos a quienes se les encargó pintar las iglesias de Florencia en los años 1200.

Este conocimiento se transmitió a los florentinos. Artistas famosos de la época fueron Cimabue, Giotto y Cennino Cennini. Sus frescos fueron fuertemente influenciados por el arte bizantino. Incluso Cennini escribió un invaluable manual para artistas y artesanos llamado Il Libro dell’Arte (El libro del arte). En este libro, lleno de muchos consejos prácticos de pintura, el joven artista del Renacimiento explica cómo mezclar el verdaccio.

Pintura Base Monocromática: Grisaille, Verdaccio y su propósito

Ejemplos de pintura base son las técnicas de verdaccio y grisaille. A menudo su terminología suele ser utilizada sin distinción. Sin embargo, su principal diferencia se encuentra en los colores que se emplean para cada técnica. En general, la grisaille es predominantemente una pintura de base tonal en blanco y negro (a veces sepias). De ahí la raíz de la palabra grise, que  significa gris en francés. El verdaccio como ya se ha dicho con anterioridad, utiliza tonos verdosos. Sin embargo, la intención en ambas técnicas es lograr un efecto de luz de luna pálida, con reflejos y sombras casi opacos.

Por supuesto, la pintura de base es útil para refinar un dibujo inicial y colocar figuras y objetos con mayor precisión para la pintura. Pero quizás lo más importante es que ayuda a establecer valores tonales adecuados para la pintura. Y sin tener que preocuparse por el color o el tono al mismo tiempo.

El Tono y el Valor 

Dos conceptos importantes que un artista debe comprender para trabajar con fondos en verdaccio o grisallas son el matiz y el valor tonal. El matiz es fácil de comprender para la mayoría de inmediato: el matiz es si vemos un objeto como rojo, amarillo, azul, verde o cualquiera de los otros colores a lo largo del espectro visual. El valor tonal a veces es más difícil de entender, pero se relaciona con la apariencia clara u oscura de un objeto.

Algunas personas tienden a leer mal los valores, ya que optan por demasiado contraste claro / oscuro y no ven esos valores tonales medios correctamente. Para comprender correctamente el uso del valor, un ejercicio útil consiste en completar una pintura de fondo monocromática muy exhaustiva, debido a que te verás obligado a estudiar cuidadosamente y mirar solo los valores de una imagen y no distraerse ni confundirse con el color.

Imagen: Diferencia entre el tono y el valor de un color

Fórmulas para Mezclar Verdaccio, Color y Valores

Por lo general, el verdaccio está hecho de una combinación de pigmentos negro, ocre amarillento y/o óxidos. Dicha combinación se realiza en proporciones variables dependiendo de qué tan verde o gris desee el artista su verdaccio. Los diversos valores tonales de verdaccio se crean mezclando el verdaccio con blanco o más negro en diversas proporciones. 

Los pigmentos negros a utilizar para producir verdaccio pueden ser diversos. Tradicionalmente se empleban principalmente negro de carboncillo, negro de marfil, negro de hueso, tierra negra o negro ocre.

Podrías usar óxido amarillo u ocre amarillo mezclado con cualquiera de los negros mencionados para crear tu verdaccio. De esta manera lograrás un color verdoso más intenso. En el caso de que desees ahorrar tiempo y esfuerzo, muchos fabricantes de pinturas venden hoy colores verdaccio prefabricados. Sin embargo es mejor preparar los propios, puesto que distintos verdaccios pueden funcionar mejor en ciertas circunstancias que en otras.

El Enfoque Verdaccio para el Arte y el Retrato Realista

Una vez que tengas la base verde para el verdaccio, el siguiente paso es mezclarlo en una serie de valores para que puedas comenzar a pintar. Del mismo modo que un buscador de valores de escala de grises, muestra diez valores de blanco a negro. Tu paleta de valores de verdaccio premezclados también debería hacerlo.

Al principio puede parecer un trabajo tedioso mezclar y preparar tantos valores de pintura. Sin embargo una vez que comiences a pintar encontrarás lo útil que es. Trabajar una versión monocroma de una pintura como referencia previa a la pintura, ayuda a determinar los valores y aprender a realmente “verlos” con mayor precisión. 

Algunos fabricantes venden “Kits Verdaccio” premezclados de 8 a 10 valores de pintura. Si bien son convenientes de usar, estos kits premezclados no les enseñan a los artistas las habilidades involucradas en la mezcla de sus propios valores de pintura.

El verdaccio no es un verde

Es muy importante mencionar que el verdaccio no es un verde. Los verdaccios son colores de apariencia verdosa, pero no son necesriamente verdes. De hecho los verdaccios suelen verse verdosos a lado de rojos o naranjas y rojisos a lado de verdes.

De Verdaccio al Color

Diferentes artistas adoptan diversos enfoques sobre hasta qué punto termina la pintura base de verdaccio. Algunos lo hacen de manera aproximada. Estableciendo valores y el tono verdoso sobre el cual pintar a todo color. Otros prefieren ser muy precisos en sus pinturas de base logrando que se vea lo más cerca posible de una imagen terminada antes de agregar color. ¡Al ser tan minucioso en la pintura base, es posible que solo tengas que aplicar esmaltes de color sobre la pintura de base y permitir que el verdaccio haga el resto del trabajo!

Cuando eres principiante con el verdaccio es recomendable ser muy minucioso en la precisión de la pintura base. De esta manera te aseguras de que un retrato capture correctamente una imagen. Así como también evitas corregir los posibles errores mucho más tarde en el proceso de pintura. Sin embargo, si eres un artista muy confiado puedes no necesitar tanto cuidado en tu pintura base, especialmente si tienes la intención de pintar opacamente sobre la imagen completamente en color.

A continuación podemos ver el verdaccio de fondo empleado por Rembrandt como base sin ningún tipo de detallado previo. Posteriormente verás una copia hecha a un cuadro de Rembrandt pero trabajada de forma detallada a manera de grisalla en verdaccio.

Imagen: Añadiendo color a un cuadro pintado previamente con verdaccio

Aplicación de Tonos de piel sobre Pintura Base Verdaccio 

Existen muchas técnicas diferentes en las que puedes aplicar tonos piel sobre una pintura base verdaccio terminada. Por supuesto, la pintura base debe estar parcialmente seca antes de proceder con los tonos piel para no enturbiar los colores. 

Lo que se debe considerar es que hay dos tipos de zonas de color que irán sobre el verdaccio: zonas de colores sombra y zonas de colores luz o encarnaciones. Los primeros son generalmente más rojizos obscuros. Los segundos son rosas, naranjas y amarillos muy blanqueados ( en caso de pieles blancas o morenas claras y cada vez menos blanquedos en pieles más obscuras)

Una forma ideal de aprender a trabajar tanto los verdaccios como los colores de sombra en la piel y las encarnaciones superiores es mediante la paleta de zorn mencionada en el siguiente enlace.

La Pintura Flamenca y El Verdaccio

En el caso de la técnica mixta flamenca, se aplicaba el verdaccio con una capa inicial de temple al huevo. Esta primera capa aplicada a menudo era monocromática y consistia en las técnicas de  verdaccio o también de grisaille.

Algunos retratos flamencos revelan partes del  verdaccio  hecho en temple de huevo.  Debido a un truco de percepción, el verde nos parece distante, ya que está muy agrisado. Mientras que el rosa, que es un color más fuerte y cálido, parece estar más cerca. Entonces, aplicando estos conocimientos algunos pintores flamencos representaban los colores de las venas frías en  verde  primero y luego los cubrían con los tonos de piel más cálidos y rojizos. De manera que el color de la piel se viera más cerca que las venas.

Por esta razón, el pintor flamenco uso la técnica de verdaccio. Esta técnica además le permitía la formación de matices sutiles de la piel y un tono de piel más anaranjado o rosado cuya transparencia dependía de la necesidad. Además, las venas se pueden evocar sutilmente dejando estos tonos de verde con velos muy finos y esmaltes de tonos de piel. Este es un proceso altamente sofisticado que surgió en la fase posterior de la pintura al óleo medieval-renacentista.

El Verdaccio y Los Grandes Maestros.

Artistas famosos de la época que utilizaron la técnica del verdaccio fueron Giotto y Da Vinci. Además sus frescos fueron fuertemente influenciados por el arte bizantino.

Por ejemplo, muchos verdaccio en frescos (florentino) comenzaron con una base de siena cruda (o el amarillo cálido más transparente) y no de ocre. Esto debido a que a menudo funcionaba como una transparencia de masa de sombra deseable, con sombras reales establecidas más tarde.

Giotto usó muchos verdaccios, especialmente para modelar formas. Los aplicó en capas desde lo oscuro a la luz hasta proceder con otros colores. Su verdaccio típicamente contenía más que solo dos pigmentos. A veces era más abiertamente verde “azul” y otras veces más verde amarillo.

Leonardo Da Vinci empleó el verdaccio en varias de sus obras. Sin embargo, parece que pudo haber hecho el verdaccio en capas ópticas, en lugar de mezclar un tono como el método Giotto. La Adoración de los Magos puede ser la primera capa de esta técnica. Comenzando con una capa amarilla transparente y “filtrando” diferentes “zonas”. Luego, las capas de sombra las volvió más “verdaccio” agregando negro translucido. Es posible que también haya utilizado esta técnica en otras de sus obras características como La Mona Lisa.

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