La técnica de Caravaggio y otros aspectos de su obra

15 junio, 2020
Jorge González

La técnica de Caravaggio fue fundamental para que lograra la intensidad de sus pinturas. A pesar de ser un hombre violento y agresivo, creó pinturas llamativas e innovadoras que definieron el estilo de todo el periodo barroco posterior a él. Fue pionero en el uso de luces dramáticas y la representación de figuras religiosas. 

Sin bocetos preparatorios, Caravaggio combinó la observación cercana de sus modelos con el uso de fuertes rayos de luz. Enfoco la atención en ciertos elementos de sus imágenes, contrastando luces y sombras.

Este uso del claroscuro forma parte central del estilo altamente individualizado de Caravaggio e imitado por sus contemporáneos. Caravaggio influyó en los pintores que lo rodeaban y en todos los movimientos artísticos posteriores.

En esta oportunidad te invito a que conozcas un poco más a este gran artista del claroscuro, al movimiento que definió y sobre todo a que profundices en la técnica de Caravaggio.

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Título: The Calling of Saint Matthew. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1599-1600. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones : 34 cm x 32,2 cm. Colección: Church of San Luigi dei Francesi, Roma, Italia.

¿Quién fue Caravaggio?

Cuando era niño, Caravaggio era conocido como Michelangelo Merisi, una referencia a su nacimiento en la fiesta del Arcángel Miguel. Huyó a Roma en 1592 o 1593 y permaneció allí hasta 1606. Aquí, Caravaggio pasó varios meses como asistente del artista Giuseppe Cesari, un popular pintor de frescos.

Mientras estaba en el empleo de Cesari, Caravaggio pintaba principalmente fondos de flores y frutas. Con esta experiencia desarrolló un ojo por los detalles y el afecto por los matices de las pinturas de naturaleza muerta. 

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Título: Cesta de Frutas.Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1599. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 31 cm × 47 cm. Colección: Pinacoteca Ambrosiana, Milán, Italia.

El estilo de Caravaggio

El estilo de pintura de Caravaggio es reconocible por su realismo, intenso claroscuro y el énfasis en el espacio extenso.

Las primeras pinturas conocidas de Caravaggio datan de su llegada a Roma en 1592. Las pinturas de este período incluyen fondos neutros, haciendo  énfasis en temas de naturaleza muerta.

A partir de 1595, la carrera de Caravaggio se potenció cuando el cardenal del Monte lo recibió en su corte. Sus obras se centraron en jóvenes afeminados y escenas religiosas. Las composiciones del artista fueron más complejas. Además, sus imágenes se oscurecieron durante este tiempo.

Sin embargo, no sería hasta el periodo que comprende de 1606 a 1610, un periodo de intenso miedo y trauma personal, donde las pinturas de Caravaggio alcanzarían lo último en oscuridad y dramatismo. Centrándose en temas religiosos y retratos, sus obras fueron dramáticas e irreverentes.

Realismo

En sus obras, Caravaggio registró todo, desde las uñas sucias y los agujeros de gusanos en las manzanas hasta la intrincada cavidad de las orejas. Sus métodos de trabajo fueron igualmente atípicos. Su obra antecede por siglos al movimiento realista del siglo XIX e incluso a ciertos aspectos del hiperrealismo. Pese a esta distancia temporal, aborda la realidad desde una perspectiva muy similar a la del realismo de Courbet, retratando no sólo lo bello de la vida, sino también sus matices dolorosos.

Claroscuro

Sus pinturas son reconocibles por el contraste dramático entre un fondo oscuro, sombrío y un interés por los efectos de la luz. Al tipo de luz más característica que empleo Caravaggio se le conoce hoy en día como luz de alto contraste o luz de bodega, cuya cualidad particular es la de unir áreas de alta obscuridad con alta luminosidad. Su forma de usar dicha luz fue sumamente influyente durante el barroco, volviéndose el estilo de pintura más característico de la época.

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Título: Baco. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1598. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 95 cm × 85 cm. Colección: Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia.

Los elementos esenciales de la técnica de Caravaggio

La técnica de Caravaggio es conocida hoy en día como técnica veneciana. Esta se desarrolló a partir de la evolución de las técnicas de pintura clásicas anteriores. Cabe señalar que el enfoque de la pintura veneciana que se describe a continuación es una versión basada en el método del Renacimiento tardío. 

Estos métodos de pintura -hoy conocidos como venecianos- aparecieron en el siglo XVII y fueron utilizados por pintores como Tiziano, el mismo Caravaggio y Velázquez, entre otros.

El auge de estas técnicas se observó durante el período barroco y se caracteriza por el uso de temple en conjunto con distintas densidades de aceite espesado, resinas e incluso ceras. Es una de las técnicas al óleo más ricas, de presencia impactante.

A continuación tenemos una breve descripción de los componentes de la misma.

Lienzos e Imprimaturas

La técnica veneciana es una técnica de óleo en la que por lo general se empleaban lienzos blandos de lino. Sobre estos se aplicaba una imprimatura conocida como imprimatura de aceite. En el siguiente texto menciono más sobre la imprimatura de aceite, los lienzos sobre los que se aplica y sus ventajas para pintar al óleo.

Mano prima

La primera capa de pintura que aplicaba Caravaggio solía ser una capa monocromática hecha a mano en valores de sombra y negros. Con ella se establece el rango de valor de la obra. La "base" del cuerpo de pintura del color local se mezclará en ella.

De esta manera, sobre ella aplicaban las luces más brillantes con impastos hechos a base de pútrido. El pútrido es una mezcla de óleo y temple con blanco de plomo. Este fue el blanco mas utilizado durante el barroco. Tiene la característica de refractar fuertemente la luz, cosa que acentuaba el alto contraste buscado por Caravaggio. Sobre estas capas de blanco se aplicaba la mayoría del color.

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Caravaggio, El martirio de santa Úrsula, óleo sobre tela (1610).

Color

El color era aplicado a manera de veladuras translucidas sobre los impastos blancos. Estas veladuras se aplicaban con diversas barnicetas de aceites espesados mezcladas con temple. Solian emplearse varias capas de pigmento para dar brillantes a un color.

Había dos clases esenciales de veladuras: Las primeras eran veladuras translucidas y las segundas eran veladuras que han llegado a ser conocidas como opacas.

En la piel de del Cristo de la siguiente pintura, por ejemplo, pueden verse ambos tipos de veladuras, tanto las translucidas como las opacas que suelen ser mas blanquecinas.

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La flagelación de Cristo, Caravaggio, óleo sobre lienzo, 134,5 x 174,5 cm, Ruan, Musée des Beaux-Arts.

Vidriado

Por último, se aplicaba el vidriado, usando finos velos transparentes de color y aceites con resina conocidos como barnicetas. Imagínalos como finas hojas de vidrio de color mientras trabajas. El vidriado se usa para refinar y tonificar la pintura, no para cubrir ninguna representación debajo de ella. 

Los maestros venecianos usaban este elemento para añadir profundidad, ajustar el color, la temperatura, y cambiar los valores hacia los tonos medios. 

En cierta forma, era un paso que estaba unido a las veladuras previas con las que se daba color al cuadro. Sin embargo, en ocasiones el vidriado podía simplemente aplicarse para resaltar la brillantez o profundidad del color de ciertas zonas, volviendo algunos de ellos un punto intermedio entre las veladuras previas y el barnizado final.

Barniz

Por último, se aplica un barniz a la pintura cuando se haya secado completamente, normalmente se deben esperar seis meses después de terminar de pintarla. El barniz añade brillo y lustre a los colores de la pintura y la protege de daños, conservando la obra.

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Título: David with the Head of Goliath. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1610. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 20 cm x 10 cm. Colección: Museo Borghese, Roma, Italia.

Los pigmentos de la técnica de Caravaggio

Caravaggio no empleó una gran variedad de pigmentos en sus obras, al menos no en relación a la cantidad de pigmentos que hoy en día tenemos. Entre los pigmentos que utilizó encontramos rojo cinabrio, tierras, sienas, ocres y óxidos, casi exclusivamente.

En el siguiente texto hablamos más sobre los pigmentos empleados durante su periodo: La paleta de colores del barroco.

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Título: Judith Decapitando a Holofernes. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1598–1599 o 1602. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 145 cm × 195 cm. Colección: Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma, Italia.

El proceso de magro a graso en la técnica de Caravaggio 

Características de magro a grasso

Una característica muy importante de la técnica veneciana empleada por Caravaggio y otros artistas barrocos y posteriores es el proceso conocido como de magro a grasso. Este consiste en aplicar la pintura en las primeras capas con menor cantidad de aceite ("magro") e ir anexando cada vez más aceite en las capas superiores ("graso"). Para entender mejor estos conceptos en la práctica, los podemos definir de la siguiente manera:

Graso - Si añades aceite a la pintura que sale del tubo, la pintura se vuelve más gruesa. La pintura grasa se caracteriza por una textura más pegajosa, brillante y cargada de aceite.

Magro - Si añades disolvente (como trementina o aguarrás) a la pintura que sale del tubo, esta se diluye con un agente secante, y se hace más magra. La pintura se verá más delgada, con menos brillo, y tendrá un aspecto más mate o satinado.

Esta técnica es empleada para asegurar una película de pintura estable. Para que la pintura se adhiera en capas, y seque en los momentos adecuados, necesitas emplear la técnica de magro a grasso. No se refiere al grosor de la pintura, sino a la cantidad de aceite. Pintura con más contenido de aceite (Grasa) sobre pintura con menos contenido de aceite (Magro).

El lenguaje visual de Caravaggio: 

Cuatro criterios distinguen el lenguaje visual de Caravaggio: la sensualidad, la irreverencia, las citas artísticas y su uso espacial de luz y oscuridad. Caravaggio pintaba como si la luz fuera cayendo en un ángulo desde arriba, proyectando sombras profundas.

Los paisajes o detalles espaciales generales son raramente reconocibles, dando mayor énfasis a los sujetos u objetos representados. 

En los primeros años del siglo XVII, Caravaggio fue celebrado por muchos contemporáneos por su "divino arte de la pintura". El poeta Gaspare Murtola, alabó el efecto de sus figuras, que él afirmaba eran apenas distinguible de los seres vivos. 

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Título: Sick young Bacchus. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1593. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 66 cm x 52 cm. Colección: Museo Borghese, Roma, Italia.

La iluminación y la técnica de Caravaggio

Caravaggio tenía el ojo más increíble para la luz y tenía el don de llevar cualquier pintura a una representación realista.  

Fue capaz de controlar el enfoque del espectador, dirigiendo la atención hacia dónde quería que el espectador se fijara.

La conversión de San Pablo (1600-1601)
Título: La Conversión de San Pablo. Autor: Michelangelo Caravaggio. Año: 1601. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 230 cm x 175 cm. Colección: Colección Privada Odescalchi Balbi. Roma. Italia.

La Conversión de San Pablo (1601), se trata de una pintura espectacular, con gran dinamismo, pues está llena de movimiento y emoción, gracias al brillante uso del Tenebrismo de Caravaggio (uso dramático de la luz y la oscuridad). El tipo de iluminación focalizada empleada en esta obra lleva al espectador a fijarse de un rostro a otro.

Los procedimientos pictóricos tenebristas y la técnica de Caravaggio 

Los pintores renacentistas le heredaron un gran realismo y una alta figuración al tenebrismo. Sin embargo, Caravaggio le imprimió su violento uso del claroscuro y el uso de intensos contrastes entre luces y sombras. A grandes rasgos, podemos decir que adaptó la técnica renacentista tardía para lograr con ella este nuevo estilo.

Es debido a esto y a las demás particularidades que hemos mencionado acerca de su obra que Caravaggio es considerado, sin duda alguna, uno de los pintores más influyentes de todos los tiempos.

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Título: Saint John the Baptist in the Wilderness. Artista: Michelangelo Caravaggio. Fecha: 1604-1605. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 172,7 cm x 132 cm. Colección: Museo de Arte Nelson-Atkins,Kansas, Estados Unidos de América.

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