¿Qué es la pintura alegórica?
El arte de contar historias está profundamente arraigado en la naturaleza humana y se practica desde tiempos inmemoriales. Inicialmente, la gente usaba bocetos y pinturas como lenguaje visual para transmitir mensajes religiosos o políticos. Como resultado, estos trabajos tenían que ser concisos y fáciles de comprender. Sin embargo, las historias a menudo son más que simples cuentos; también pueden ser alegorías.
Por lo tanto, el uso de la alegoría en el arte es un tema fascinante tanto para los historiadores del arte como para los entusiastas. La pinturas alegórica es una fuente de asombro, ya que contiene elementos que representan algo más y, en última instancia, forman una metáfora extendida. El deseo de percibir el mundo de una manera que supere los límites lógicos, físicos o materiales inspiró a muchos artistas a organizar los componentes de sus obras de arte para crear piezas con significados ocultos.
Las pinturas alegóricas ocultan el mensaje para amplificar su poder, lo que permite a los artistas construir un complejo reino de narrativas y símbolos. Por lo tanto, la alegoría en el arte ha enriquecido al mundo con interpretaciones multifacéticas e historias intrincadas. Además, ha permitido a los artistas ejercitar su creatividad e ingenio para producir obras de arte verdaderamente notables.
El de la pintura alegórica es un mundo fascinante del que aprenderemos más al respecto en esta publicación.
¿Qué es la pintura alegórica?
Alegoría se deriva del término latin allegoria, que a su vez se deriva de la palabra griega que significa "lenguaje velado".
¿Podría haber un enfoque más vívido para explicar el arte alegórico que el concepto de un lenguaje disfrazado? La alegoría se usa en una variedad de campos creativos, incluida la literatura, donde toma la forma de fábulas, parábolas, poemas o cuentos cortos con una historia específica en mente. La alegoría se diferencia del mundo de los símbolos y el simbolismo.
¿Cómo? A diferencia de los símbolos, que usan un objeto, figura o diseño para representar otra cosa, las alegorías en las pinturas usan diferentes aspectos para contar una historia diferente a la que ofrecen los pintores. ¿Qué queremos decir exactamente? Considera la conocida pintura Primavera del maestro italiano Sandro Botticelli (puedes ver y conocer más sobre esta y otras obrasde Botticelli en nuestra publicación "Obras de Botticelli: 20 de las pinturas que lo hicieron famoso a lo largo de su vida").
Es una de las representaciones más reconocidas de una imagen alegórica y mitológica, y ha sido descrita a lo largo de la historia como uno de los casos más comentados de pintura al temple. Los académicos y los historiadores del arte pueden leerlo de infinitas maneras porque la obra en si misma puede servir para referenciar mucha literatura clásica y contemporánea.
Una interpretación común de la obra de arte representa a un grupo de personajes mitológicos en un entorno natural, que simboliza la llegada de la primavera. Otros sugieren que la pintura sirve como metáfora del concepto de amor neoplatónico. Si bien algunos pueden ver la pintura como un ejemplo de pintura de figuras impresionantes, otros pueden cuestionar qué significados ocultos están presentes, particularmente con respecto a la figura central de Venus de pie debajo de su arco. El deseo de comprender plenamente todos los elementos que componen la composición es lo que alimenta la búsqueda de nuevos significados y revela la belleza de la alegoría.
Lo que la pintura alegórica oculta
La alegoría tiene el potencial de congelar la temporalidad de un mensaje, lo cual es muy fascinante. Esto puede parecer un desafío para las personas que disfrutan de una buena historia y siempre están buscando un mensaje. Debido al concepto del paso del tiempo, el rico significado de una persona, flor u otra pieza en particular que forma la composición a veces puede eludirnos. En tales casos, los significados morales y espirituales superiores están fuera de alcance sin la ayuda de un erudito.
Durante las épocas clásica y medieval, la pintura alegórica se usaba predominantemente para hacer referencia a cuentos bíblicos y se empleaban una variedad de símbolos religiosos. Por ejemplo, se utilizaron símbolos como la oveja, la paloma, la flor y el rayo de luz para transmitir el nacimiento de Cristo o la escena de la Anunciación, incluso si las figuras de la pintura se colocaron en un entorno secular, como en el cuadro de Robert Campin, "Virgen y niño ante una chimenea".
En esta pintura, la posición de las figuras y el color de sus túnicas aluden a las figuras religiosas de los textos, que es el mensaje subyacente de la imagen. Sin embargo, este mensaje se oculta a través de la figura femenina, el escenario que ocupa y el mundo fuera de su ventana.
A medida que el arte se desarrolló y avanzó hacia la abstracción, muchos artistas como Marcel Duchamp comenzaron a utilizar símbolos, imágenes, formas o materiales para representar ideas filosóficas y espirituales. La intrincada obra de Duchamp, Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, creada en dos grandes paneles de vidrio, cuenta una historia compleja de principios masculinos y femeninos, leyes únicas de la física y las matemáticas. Algunos críticos lo ven como una representación del deseo masculino y femenino, mientras que otros lo describen como una máquina de sufrimiento.
La obra de Duchamp también incluye elementos de apropiación artística, los cuales no pocas veces resultan controvertidos como puedes leer en nuestra publicación "¿Qué es la apropiación artística?".
El uso de símbolos y abstracción en el arte proporciona al artista un extenso vocabulario para transmitir sus ideas, lo que a menudo conduce a nuevas interpretaciones y puntos de vista por parte del espectador.
Pintura alegórica para las Tradiciones Mitológicas
La mitología clásica parece ser un buen lugar para comenzar, ya que los comienzos de la pintura alegoríca se remontan a las grandes mentes de la antigua Grecia y Roma, como el uso de personificaciones de Homero en la Ilíada y la famosa Alegoría de la caverna de Platón.
La historia de Aquiles es una de las leyendas más famosas de la mitología. Fue llevado al monte Pelión cuando era niño para ser acogido por Quirón el centauro. La comprensión de Quirón sobre la ley natural, la medicina, la música y la caza fue buscada por todas las figuras más heroicas de la mitología, incluidos Perseo, Hércules y, por supuesto, Aquiles.
En la representación de esta historia de August-Clément Chrétien, Quirón representa el concepto de Maestro en "La educación de Aquiles" como una figura fuerte pero cariñosa que corrige el agarre de su arco y flecha por parte de su joven alumno.
Con frecuencia hay más en la historia de lo que parece en la mitología. Hay mucho engaño y ocultación. El arte alegórico puede ampliar esto para crear una metáfora más larga que proporcione al espectador más por descubrir. Zeus, rey de los dioses, se transforma en cisne para cautivar a la bella mortal Leda en la historia de Leda y el cisne.
En la pintura de esta fábula de Jean-Léon Gérôme de 1896, Leda, dulce y receptiva, representa la sensualidad misma. Gérôme, un maestro del retrato de la figura femenina desnuda, se sirve de esta historia y sus aspectos, representando tanto a Leda como al cisne como personificaciones de la belleza y el deseo.
Pintura alegórica y las Parábolas Bíblicas
La Biblia ha sido una fuente de inspiración para los artistas durante siglos, y muchas de sus historias se han convertido en temas populares en el arte. Pieter Lisaert, un viejo maestro flamenco, creó una pintura alegórica titulada La parábola de las virgenes imprudentes y las vírgenes sabias (The Foolish Virgins and The Wise Virgins en inglés) , que representa una de las parábolas más conocidas de Jesús.
La pintura está basada en Mateo 25:1-13, que narra la historia de diez doncellas invitadas a una boda por el novio. La pintura de Lisaert muestra a las diez doncellas con lámparas, y las cinco vírgenes sabias en primer plano tienen aceite extra, que usan para mantener sus lámparas encendidas.
En contraste, las cinco vírgenes insensatas en el fondo no tienen provisiones adicionales y se las ve retozando, ignorando las consecuencias de no estar preparadas. Cuando el novio regresa, las vírgenes insensatas lo extrañan y no son conducidas de regreso a las festividades.
La pintura es una representación simbólica de la promesa de Dios de la segunda venida de Cristo y sirve como una instrucción para que el espectador permanezca vigilante, piadoso y siempre preparado ya que no se puede predecir el día y la hora del regreso de Cristo. La cuidadosa composición de Lisaert enfatiza aún más esta lección.
Las vírgenes sabias se colocan en el primer plano de la escena, reunidas en la base de un gran árbol, simbolizando su naturaleza sólida y constante, que se hace eco de las raíces del árbol. En contraste, las vírgenes insensatas se ven tambaleándose en el borde de una ladera de mármol en el fondo, que está fuera de alcance, entregando un poderoso mensaje oculto que es a la vez ingenioso e imaginativo.
Pintura alegórica y las escenas de género
Muchos de los mejores ejemplos de metáforas prolongadas empaquetadas en la pintura alegórica son de Pieter Brueghel el Joven. En su obra, el pintor, como en nuestro ejemplo anterior, quiere informar al observador. Brughel, por otro lado, nos advierte no solo de las trampas de la estupidez, sino también de la avaricia en su obra maestra, El alquimista.
En esta pintura, podemos observar a un alquimista trabajando fervientemente para crear oro, con su esposa, una erudita y un tonto ayudándolo en esta búsqueda poco práctica y arrogante. La práctica de la alquimia, cuyo objetivo era transformar un metal en otro, ya había sido completamente desacreditada cuando se creó esta escena de género en el siglo XVII.
Esta obra de arte habría funcionado como una clara advertencia a las audiencias contemporáneas para que tuvieran cuidado con la tentación de la riqueza no ganada. Brueghel transmite hábilmente las consecuencias de sucumbir a esta tentación a través de detalles intrincados, como el enfoque único del alquimista en la falsedad que tiene ante él, la búsqueda desesperada de su esposa de más monedas en su bolso y el frenético avivamiento de la llama por parte del tonto.
Además, Brueghel revela el resultado final de esta absurda empresa en la esquina superior derecha del panel. En el desastroso resultado del trabajo del alquimista, su familia se ve reducida a mendigar en el asilo. Como ocurre con toda pintura alegórica con un significado oculto, Brueghel imparte un mensaje claro al espectador para reflexionar: la imprudencia conduce a la ruina.
¿Alegoría en el arte contemporáneo?
La escena del arte contemporáneo actual es realmente variada, lo que permite una amplia gama de técnicas y estilos. A medida que pasa el tiempo y la civilización, el lenguaje visual actual rara vez hace referencias religiosas tan abiertas, pero hay numerosos ejemplos de artistas que emplean cosas cotidianas para reflexionar sobre temas urgentes actuales. Sarah Lucas, una artista británica, es una de esas autoras que emplea la escultura y las instalaciones para fomentar la alegoría en el arte.
Para Lucas, el uso de la alegoría demuestra cómo un solo objeto puede tener múltiples significados. Utiliza la comida para hablar de política sexual en su obra Two Fried Eggs and a Kebab. Este cambio de tema nos hace reconocer que la premisa de usar la alegoría siempre será la misma.
Finalmente, la pintura alegórica utiliza numerosos temas de obras de arte y los diversos elementos que componen las composiciones para reflejar implicaciones morales, espirituales y políticas más profundas y para hablar sobre la vida, la muerte, el amor, la moralidad y la justicia. A menudo, el mensaje y la lección que todos reconocemos no es un recordatorio violento, sino uno que nos permite interpretarlo como mejor nos parezca.
A lo largo de los muchos movimientos artísticos, evolucionaron las pinturas alegóricas. Dioses, diosas y personajes mitológicos se utilizaron en el período clásico para inspirar nuevas narrativas, pero el surrealismo hizo referencia al inconsciente y se trasladó a la no figuración.
La ambigüedad de la pintura alegórica es precisamente la razón por la que es tan popular. En el arte alegórico, el conocimiento proporcionado por una historia o un sistema de imágenes observado con atención toca una parte básica de la experiencia humana.
La alegoría es utilizada por artistas contemporáneos como Walton Ford y Kara Walker para ilustrar las dificultades en la percepción. El artista Hahan realiza instalaciones complejas estéticamente densas como "Operación silenciosa: Estudio de signos basado en la fórmula del arte (visual) contemporáneo", una alegoría sobre cómo tener éxito o no en el mundo del arte contemporáneo.
La instalación multimedia y digital del artista Lu Yang "La gran aventura del mundo material" explora el viaje del yo a través de la narrativa de un avatar digital en un mundo de videojuegos. La escultora Juie Lluch recreó el Spoliarium en su "Irresistible Grace: In the Time of Plague" como una alegoría de la sociedad filipina contemporánea.
Según el libro de Craig Owen El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo, los tres subgéneros del alegorismo moderno incluyen caprichoso, inspirador/espiritual y paradójico. Estos subgéneros describen el mecanismo a través del cual el artista transmite el mensaje.
Las alegorías modernas caprichosas usan el humor de una manera no crítica para alentar al espectador a cuestionar sus propias perspectivas y comportamiento. Las alegorías modernas inspiradoras/espirituales intentan inspirar al espectador a creer en sus propias habilidades y confiar en sus dones innatos. Las alegorías modernas paradójicas colocan los elementos comunes de manera contraria a las expectativas del espectador para animar al espectador a evaluar el lugar común y ver sus propias ideas preconcebidas bajo una nueva luz.
Pintura alegórica en tiempos modernos… ¿Poca cosa?
En su sitio web, la artista Gillain Holding analiza la otra cara de la actitud moderna hacia la pintura alegórica. Cuando se trata de posmodernismo, el 'ismo' de una sociedad posmoderna de consumismo masivo, "cultura sin profundidad" y cultura superficial de celebridades. Los teóricos de la cultura comenzaron a pensar en qué tipo de métodos gramaticales y culturales podrían encapsular este universo, pidiéndonos que contempláramos el montaje, el pastiche, la ironía, la parodia... y, sí, la alegoría.
Pero el hecho de que la alegoría se convirtiera en un tema serio de investigación a finales del siglo XX no la hacía menos humillante para los artistas que admitían tener una inclinación alegórica. Las palabras de Friedrich Melchior Grimm sonarían inútilmente en los oídos de cualquier artista:
“Por mi parte, creo que nada atestigua tanto la falta de genialidad de un artista como recurrir a la alegoría”.
Suena trágicamente privativo y snob. Sin embargo, el impulso alegórico es difícil de ignorar para los artistas contemporáneos. La apropiación de imágenes vaciadas de su significado original es evidente en una variedad de prácticas artísticas contemporáneas, y las instalaciones específicas del sitio informadas por el culto alegórico de la ruina son dos manifestaciones observadas por Craig Owens en sus célebres ensayos de principios de la década de 1980.
Hay pintura alegórica y escultura alegórica siendo realizadas por todo tipo de artistas de todo el mundo que intentan transmitir mensajes a los que no les importan los puntos de vista absolutistas de cualquier índole sobre cómo ser un genio o un artista genuino. Hay tendencias y movimientos, pero los artistas continuarán utilizando la pintura alegórica y cualquier otra herramienta que consideren aceptable para su propia producción y expresión. Eso es un hecho.
