La práctica de dibujar esculturas

Dibujar esculturas es una práctica bastante antigua y que se ha mantenido a lo largo del tiempo en pos de la investigación, la inspiración y la planeación.

El arte, después de todo, comienza con una idea. Luego viene un boceto, un borrador o los planos. A menudo, se crean múltiples borradores y bocetos, cada uno de los cuales desarrolla la idea poco a poco. Quizás el trabajo en el elemento final comenzará una vez que la idea esté completamente desarrollada.

Esto es cierto para la mayoría de los medios artísticos, y especialmente para la escultura. Dibujar esculturas y esbozar ideas es a menudo el primer paso en el proceso de cualquier escultor antes de hacer una pieza. Es, en sí mismo, una especie de forma de arte, y por eso hemos dedicado esta publicación al tema.

¿Cuál es el punto de dibujar esculturas?

Es esencial que el artista desarrolle y capte lo que quiere producir a través del dibujo, la escultura y el esbozo de ideas. Con el dibujo da comienzo el proceso de decidir qué quieren hacer, cómo hacer mejor su idea y cómo se hará el producto final. Los planes rara vez son definitivos, y las ideas artísticas tienen una forma de expandirse y evolucionar incluso en las últimas etapas de una creación.

El artista mantendrá con frecuencia estos planos y bocetos del diseño en crecimiento en un cuaderno de bocetos, los cuales se utilizarán para seguir la evolución de los diseños o para probar nuevos conceptos — en este sentido, el proceso de dibujar esculturas no difiere demasiado del de cualquier otra obra artística.

Para pintores conocidos como Da Vinci, Dalí, Moore y otros, estas obras (sus dibujos de esculturas) con frecuencia se convierten en obras de arte reconocidas por derecho propio y se vuelven parte del acervo artístico de la humanidad. Así, con ellas se puede investigar los orígenes de otras obras conocidas o, por otro lado, podemos encontrar en ellas información sobre el proceso artístico que siguieron sus creadores. Incluso pueden compartir historias sobre obras maestras que nunca llegaron más allá de las páginas de su cuaderno de bocetos.

Al dibujar esculturas, hasta los pintores más consumados desarrollan bocetos y planos. Simplemente, no hay sustituto para la planificación y el desarrollo de un concepto antes de crearlo, independientemente de la experiencia o el conocimiento. No obstante, hay una excepción a esta regla si la falta de previsión es parte del objetivo estético de la pieza (estoy seguro que como artistas o entusiastas del arte todos podemos comprender esto). Sin embargo, antes de que empieces a tallar un bloque de mármol, definitivamente debes tener un concepto de lo que vas a hacer.

Dibujar esculturas en la historia

El equilibrio, la medida y el estado de derecho eran conceptos clave en el arte, la poesía, el teatro y la filosofía griegos. Pitágoras, por ejemplo, enfatizó la proporción en la música y la filosofía, Polykleitos (Policleto en español) en la escultura y Vitruvio después en la arquitectura.

Polykleitos estuvo activo durante el período Clásico Alto en la antigua Grecia. Tenía un taller con aprendices en los santuarios de los dioses Zeus y Hera en Olimpia. Es uno de los escultores de renombre del período clásico, junto con Myron y Fidias.

El Canon de Policleto fue un tratado sobre la creación y las proporciones de la escultura. De hecho, como mencionamos en nuestra publicación “Dibujo de manos: lo básico”, cuando hablamos del canon de 7 cabezas estamos hablando de éste canon, por lo cual, es uno de los cánones artísticos y escultóricos occidentales más importantes.

Cabe aclarar que un canon (entendido como un conjunto de características consideradas hermosas o atractivas) en el arte podría comprender tanto el contenido del tema como los requisitos de significado, incluida la vestimenta y los accesorios, así como algún sistema de proporciones para las partes del cuerpo en relación con el todo.

El sistema de proporciones se puede adaptar a muchos tipos de humanos, animales y deidades. Las tradiciones canónicas tienen una larga historia en numerosas culturas, incluidos los cánones para el arte y los iconos hindúes, budistas y cristianos, algunos de los cuales todavía se practican en la actualidad.

Basado en la tradición canónica en el arte, Vitruvio describió las proporciones del cuerpo humano. ¿Y quienes estudiaron profundamente a Vitruvio tiempo después? Ni más ni menos que artistas como Albrecht Dürer y Leonardo da Vinci (te recomiendo nuestra publicación: “El Dibujo a la manera de Leonardo da Vinci”) lo cual nos lleva al Renacimiento.

Dibujando esculturas en el Renacimiento

Durante el Renacimiento, surgió una práctica generalizada entre los artistas: dibujar a partir de la escultura. Particularmente, de las esculturas clásicas, debido a su asociación con la perfección y la belleza ideal. Esta práctica ganó popularidad a medida que las estatuas antiguas eran reverenciadas como encarnaciones de la excelencia artística.

Las academias de arte prosperaron en toda Europa durante este período, brindando una plataforma para que los artistas estudiaran y apreciaran las proporciones impecables que se encuentran en las esculturas clásicas. Se animó a los artistas a participar en ejercicios que implicaban copiar estas esculturas, con el objetivo de captar sus cualidades estéticas y complejidades técnicas.

Al estudiar y dibujar esculturas clásicas, los artistas accedieron a un rico repertorio de poses y formas que sirvieron como modelos inspiradores para sus propias creaciones artísticas. Este proceso de dibujar a partir de la escultura no sólo perfeccionó sus habilidades, sino que también imbuyó sus obras con un sentido de influencia clásica y refinamiento artístico.

El Laocoonte (o “Laocoön”), considerado como una de las estatuas clásicas más renombradas de todos los tiempos, ganó su fama perdurable cuando fue desenterrado de un viñedo romano el 14 de enero de 1506. Esta notable obra en mármol captó de inmediato la atención de los estudiosos y entusiastas del arte, ya que era identificada como la misma escultura descrita por el filósofo romano Plinio el Viejo.

Representando al sacerdote troyano Laocoonte y sus hijos en una lucha desesperada contra las serpientes enviadas por el dios Apolo como castigo por el desafío de Laocoonte, la composición mostraba una narrativa compleja y dramática.

En el momento de su descubrimiento, Miguel Ángel Buonarroti, que estaba en Roma sirviendo bajo el Papa Julio II, fue rápidamente dirigido a presenciar esta extraordinaria obra maestra basada en el profundo aprecio del Papa por la escultura clásica. Reconociendo su importancia, el Papa adquirió el grupo de mármol y lo colocó dentro del Patio Belvedere del Vaticano.

Su presencia en este destacado lugar atrajo a numerosos artistas y aficionados que buscaban observar y analizar su audaz composición. Reconociendo su valor como fuente de inspiración, rápidamente se produjeron moldes a escala real y réplicas más pequeñas del Laocoonte para coleccionistas y talleres de artistas, convirtiéndose así en un recurso esencial para fomentar la creatividad.

Estas réplicas permitieron a los artistas que no pudieron visitar Roma seguir estudiando e inspirarse en los intrincados detalles y la destreza artística de la escultura. La influencia del Laocoonte reverberó en toda la comunidad artística, dando forma a los esfuerzos creativos tanto de maestros renombrados como de aspirantes a artistas y le inyectó vida a la práctica de dibujar esculturas.

Muchas de estas reproducciones hechas en bronce, cera y yeso fueron poseídas por el pintor veneciano Jacopo Tintoretto, quien nunca esculpió. Tintoretto, sin embargo, gastó mucho dinero en réplicas de mármoles antiguos y renacentistas, según cuenta su biógrafo Carlo Ridolfi. Varias de sus obras gráficas hablan de su hábito de dibujar esculturas.

Rubens también acumuló una importante colección de copias de esculturas grecorromanas como referencia. Muchas de sus investigaciones fueron asimiladas, interpretadas y finalmente incorporadas a varias de sus pinturas, lo cual es bastante evidente en su estilo.

A lo largo del siglo XIX, se pensó que replicar la antigüedad era la mejor manera de enseñar a los estudiantes principiantes. La escultura clásica proporcionó a los pintores un repertorio de actitudes y formas en las que inspirarse para sus propias obras. Algunos artistas hicieron de la copia de obras que admiraban una práctica de por vida.

Pensar y dibujar como escultor

Como viste anteriormente, dibujar esculturas es un método centenario de aprendizaje para los artistas. Los estudios basados en esculturas importantes proporcionan un método directo para comprender el poder de la expresión y la forma, además del valor técnico de las habilidades aprendidas a través de este procedimiento, uno está expuesto a las decisiones del maestro escultor.

El artista Costa Vavagiakis nos señala que este tipo de estudio tiene cuatro objetivos clave:

• Familiarizar a los alumnos con el cuerpo humano
• Educarlos sobre la estructura clásica
• Mejorar sus habilidades para modelar luces y sombras
• Ayudar en el desarrollo de habilidades de medición objetiva.

Dibujar a partir de la escultura puede conducir a un momento decisivo cuando un artista descubre el camino hacia una visión personal, además de ayudar a los artistas a desarrollar habilidades básicas. Los maestros actuales aprendieron sus primeras lecciones a través del estudio, y construyeron a partir de los trabajos de maestros anteriores.

Así pues, dibujar esculturas puede conducir a un momento decisivo cuando un artista descubre el camino hacia una visión personal, además de ayudar a los artistas a desarrollar habilidades básicas. Los maestros actuales aprendieron sus primeras lecciones a través del estudio, y construyeron a partir de los trabajos de maestros anteriores.

Richard McKinley de Artists Network nos relata al respecto una anécdota al margen muy apropiada.  Siendo un artista pictórico con experiencia, había intentado dibujar esculturas antes, pero no crear una. El nos cuenta:

“Aprendí una de esas lecciones hace muchos años y ha tenido un impacto duradero en mis pinturas. Pasé mucho tiempo estudiando para dibujar y pintar retratos cuando comencé como pintor. Después de varios años de arduo trabajo, había adquirido un mínimo de habilidad y, a pesar de mi juventud, creía que sabía todo lo que había que saber sobre el arte en general. Sin embargo, con el paso del tiempo, esto ha sido completamente desacreditado.”

“Elegí intentar esculpir la cabeza humana, porque podía pintar un retrato. Comencé el proceso ese primer día, sentado frente a mi montículo de arcilla. Mientras enfocaba mi atención en la figura y la arcilla comenzaba a tomar forma, pensé: ‘Espera a que la instructora vea mi pieza; voy a recibir tantos elogios frente a los demás estudiantes’. Finalmente, el instructor se acercó. Ella se inclinó sobre mi hombro y giró el plato giratorio sobre el que estaba la arcilla mientras yo esperaba mis cumplidos inminentes.”

“Mientras giraba, me asombró darme cuenta de que había colocado las orejas a una pulgada y media de profundidad de los ojos. Ese era el ancho visual mientras se miraba de frente, pero cuando se veía la cabeza desde un lado… Estaba claro que la brecha estaba más cerca de las cuatro o cinco pulgadas de profundidad. ¡Esto fue impactante! El escultor trabaja con profundidad literal, mientras que alguien que pinta o dibuja debe crear la ilusión. El pintor debe pensar como escultor, y el escultor debe pensar como pintor.”

Puede ser difícil aplicar esto a nuestro arte. Nos quedamos atrapados en los anchos y altos visibles de los objetos que estamos pintando, y nos olvidamos de que en realidad tienen profundidad. Un símil sería como cuando sólo se pueden ver una pulgada o dos de un campo, pero este puede representar una distancia de 1 a 3 kilómetros.

¿Qué se hace entonces? Aplicar líneas geográficas tenues en el dibujo inicial antes de intentar pintar es una forma de recordar las superficies con las que estamos trabajando. Esta visión simple, aunque se pierda al comienzo de la pintura, luego se absorbe y tomamos decisiones más inteligentes cuando tratamos con los elementos de borde, valor y color, lo que da como resultado una pintura más profunda.

Es igual con la práctica de dibujar esculturas. Hay que aprender a ver las formas que componen un objeto es necesario para dibujar bien. También debemos aprender a dibujar formas básicas a partir de estas formas para poder dibujar de manera realista. Todos los objetos se pueden reducir a estas formas básicas. Nuestro dibujo mejora cuando podemos combinar estas formas básicas para crear la ilusión de un elemento. De hecho, las habilidades de dibujo aumentadas resultan de una comprensión de la estructura de los objetos que estamos dibujando.

Piensa como escultor

Para hacer una escultura representativa, los escultores primero deben comprender los elementos que están imitando. Deben comprender las formas, construir las formas y luego moldear las formas. Para el artista Matt Fussell son dos las similitudes que resaltan:

1. Los escultores que usan técnicas de modelado comienzan de manera flexible: el modelado es una técnica de escultura en la que se moldea un material suave y flexible para darle forma. La construcción manual con arcilla es un ejemplo de modelado. Los escultores que utilizan esta técnica comienzan con formas muy sueltas y las transforman lentamente en la escultura terminada.

El dibujo exitoso a menudo imita esta técnica. Podemos comenzar con líneas sueltas diseñadas para “encontrar” la forma. Una vez que se define la forma, se modela usando valor hasta que se logra la ilusión final de la forma.

2. Los escultores juntan formas simples para crear la escultura terminada y más compleja: la segunda similitud entre el dibujo y la escultura se puede encontrar en cómo estos dos tipos de artistas abordan la creación de la obra de arte.

Los escultores observan y encuentran las formas del objeto que están esculpiendo y luego crean formas para imitar lo que observan. Al dibujar, hacemos lo mismo.

Encontramos las formas y luego dibujamos las formas que vemos. Cuando tenemos éxito en juntar las formas, tenemos éxito con nuestros dibujos.

Es por estas razones que el dibujar esculturas ha sido y sigue siendo una práctica tan recomendable para la comunidad artística pictórica.  Para mucho, dibujar esculturas tal vez no parezca el más interesante de los temas, pero para el dibujante o la pintora en busca de pulir su técnica, tener un modelo que permanece totalmente inmovil y al cual se puede explorar desde todo tipo de ángulos, distancias y/o tipos de iluminación (esto último dependiendo de la escultura y su localización) resulta un recurso muy valioso para su carrera y proceso creativo.