El Estilo de bocetos y dibujos de Rembrandt

8 octubre, 2020
Jorge González

Los bocetos y dibujos de Rembrandt han maravillado a más de uno a través de la historia. Sin duda alguna, Rembrandt fue uno de los más grandes genios de la pintura holandesa. Este gran maestro utilizó ampliamente una técnica de dibujo rápida y abreviada para registrar impresiones visuales del mundo que lo rodeaba y su propia y abundante imaginación. Su gran destreza técnica y creatividad fueron demasiado innovadoras para su tiempo, cosa que le trajo conflictos en vida. Sin embargo estas mismas características presagiaban los desarrollos del arte moderno ocurridos más de dos siglos después.

Antecedentes

Rembrandt Van Rijn (1606-1669), nació durante el periodo hoy conocido como la Época Dorada Holandesa.

Rembrandt nunca abandonó Holanda, pero eso no evitó que participara en el principal movimiento artístico de su época, el Alto Barroco. De hecho, fue el único artista holandés de su generación que realizó  importantes aportes al retrato grupal, la pintura histórica y el arte religioso.

Después de mudarse a Amsterdam, un importante puerto europeo y centro comercial, Rembrandt tuvo acceso a excelentes ejemplos de arte flamenco, italiano y español. Esta coyuntura también le facilitó material aún más exótico de Asia: miniaturas persas, las cuales copió, y probablemente pinturas y grabados chinos y japoneses.

Explotó el color cremoso y la superficie resbaladiza del papel morera japonés, al imprimir sus grabados del desnudo femenino en el.

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Título: Mujer desnuda sentada sobre un montículo. Autor: Rembrandt. Año: 1631. Técnica: Grabado sobre un papel. Dimensión: 17,7 cm x 16 cm. Colección: Rijksmuseum. Amsterdam.

Haciendo un seguimiento al trabajo de Rembrandt, encontrarás que él combinó este cosmopolitismo estético, con un amor característicamente holandés por lo prosaico.  Por lo tanto, hay escenas de la vida doméstica, las idas y venidas cotidianas de los vecinos y las características poco notables del paisaje local como cabañas campesinas, canales lánguidos, en los que ocasionalmente se dejan ver molinos de viento o árboles aislados.

Paisaje abierto con casas y un molino de viento (el antiguo molino de cobre en Weesperzijde) ca.  1648, pluma y tinta marrón con lavado marrón, 4¾ x 9½.  Colección Albertina Museum, Viena, Austria.
Título: Paisaje abierto con casas y un molino de viento (el antiguo molino de cobre en weesperzijde) Autor: Rembrandt. Año: 1648. Técnica: Pluma y tinta marrón con lavado marrón. Dimensiones: 4  ¾ x 9 ½ pulgadas. Colección: Museo Albertina. Viena, Austria.

La “Taquigrafía” dibujística de Rembrandt

Al describir el estilo maduro de los dibujos de Rembrandt, los críticos e historiadores suelen recurrir a la palabra “taquigrafía”. La taquigrafía es un arte que consiste en la escritura a mano o la caligrafía; es el sistema de escritura abreviada que permite a los taquígrafos tomar dictados “en tiempo real”. El enfoque de Rembrandt  en el dibujo transmite con bastante precisión la esencia de la taquigrafía.  

Según Rosenberg: ”La taquigrafía debe combinar la brevedad con la sugestión, y que ésta sea el resultado de una selección simple, con énfasis en las características significativas, y un atractivo para la imaginación del espectador. La taquigrafía dibujística de los dibujos de Rembrandt y bocetos, cumple con ésta prueba”.

Cristo con sus discípulos y la mujer sangrante ca.  1658, pluma y tinta marrón, 6 x 9. Colección Museo Albertina, Viena, Austria.Dibujos de Rembrandt
Título: Cristo con sus discípulos y la mujer sangrante. Autor: Rembrandt. Año: 1658. Técnica: Pluma y tinta marrón. Dimensión: 6 cm x 9 cm. Colección: Museo Albertina. Viena, Austria.

Durante la década de 1650, la pluma de lámina se había convertido en el instrumento de dibujo preferido de Rembrandt. Cristo con sus discípulos y la mujer sangrante (1658), es un dibujo de caña que muestra el estilo cuasi taquigráfico de muchos de los dibujos de Rembrandt en su fase final.

En contraste con sus paisajes del período medio, donde le preocupaba dar una sensación de recesión espacial y atmósfera, en sus dibujos posteriores ignoró muchos de los efectos espaciales a favor de construir con formas tectónicas simples.

De la imaginación a la realidad en los dibujos de Rembrandt

El arte gráfico de los dibujos de Rembrandt, estaba firmemente basado en la observación de la vida. Así, cuando usó su estilo taquigráfico para tomar "dictado" de su imaginación, el resultado tiene naturalidad e inmediatez, como si el mismo Rembrandt hubiera sido testigo de la escena.

Para cuando tenía 50 años, el artista había alcanzado el apogeo de sus poderes: había logrado en su arte una integración casi perfecta de la disciplina artesanal, la inteligencia artística, la percepción emocional y la iluminación espiritual.

Se dice que para Rembrandt, las historias en la Biblia eran tan reales y convincentes, como cualquier cosa que pudiera ver con sus ojos. Esta ferviente creencia le llevó a dedicar gran parte de su genio y energía física a hacerlos "reales" a través de su arte. Su intención era que otros, cuya  fe e imaginación eran débiles, pudieran experimentar su relevancia.

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Título: Descendimiento de la cruz. Autor: Rembrandt. Año: 1633. Técnica: Óleo sobre tabla. Dimensión: 89.4  cm x 65.2 cm. Colección: Pinacoteca Antigua Múnich.

La Oscilación en la técnica de Rembrandt

Una característica sobresaliente de la línea de los dibujos de Rembrandt es lo que Andrew Robison de la Galería Nacional de Arte llama "oscilación". La oscilación consiste en su cambio instantáneo y delicado del trazo descriptivo al trazo abstracto. Estos trazos expresaban libremente la sensibilidad estética de su creador.

Los arabescos de Rembrandt no son principalmente decorativos, sino que tienen una función filosófica, incluso podría decirse religiosa.

Rembrandt rechazó la ininterrumpida línea de contorno. Las parpadeantes líneas de los dibujos de Rembrandt, se extienden constantemente más allá de los objetos que describen, para conectarlos con la cadena de ser más grande y viva: "la corriente continua de la creación", en palabras de Rosenberg.

Como en todo su trabajo en pluma y tinta, Rembrandt dibujó Una mujer joven en su baño (1635), sin ningún boceto preliminar con tiza o grafito. Las líneas en negrita, forman curvas largas y seguras, que terminan en ganchos y bucles, un excelente ejemplo de su obvio deleite en la creación de marcas abstractas y de hermosas formas.

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Título: Mujer joven en su Baño. Autor: Rembrandt. Año: 1635. Técnica: Pluma y tinta marrón, pincel y tinta marrón y gris. Dimensión: 9 ¼ cm x 7 cm. Colección: Museo Albertina. Viena, Austria.

Desarrollos en Taquigrafía

El cambio en el medio de tiza a pluma y tinta, condujo a dos nuevos desarrollos en la técnica gráfica de los dibujos de Rembrandt. El primero es un uso más económico de la línea para describir la forma y el gesto. Observa como en  "Mujer joven en su baño", el artista dibujó con la pluma solo los cuerpos superiores de las dos figuras y concentró la mayor parte de su esfuerzo en el área diagonal desde la cabeza de la mujer de pie hasta las manos de la mujer sentada.

El segundo, es su uso de aguadas oscuras para indicar volúmenes, luces, sombras y énfasis dramático. La transición tonal aquí no es sutil, casi no hay medios tonos luminosos.

 Su fusión sensible de trazos de lápiz con pinceladas, de acentos lineales y tonales, es una de las características de su dominio posterior del medio.

Principales Aspectos del estilo dibujístico de Rembrandt y de sus técnicas de dibujo

Algunos aspectos interesantes que podrás encontrar en la forma de dibujar de Rembrandt, son: 

  • Para él era muy importante el impacto que producía la pintura por sí misma, no solamente la representación que se había asignado a ella. Lo mismo ocurría en sus dibujos.
  • La forma de composición de Rembrandt no tenía tanto que ver con el dibujo del  contorno o la composición por líneas. En realidad su enfoque principal era el uso de la luz y el contraste para marcar espacios. La llamada composición por color. En los siguientes téxtos puedes saber más al respecto: composición a la manera de Rembrandt y sobre composición por color.
  • Los materiales empleados por Rembrandt en sus obras, fueron seleccionados  específicamente para exaltar el efecto de la luz y exaltar los planos espaciales. También tenían como objetivo representar emociones en sus dibujos, grabados y telas.
  • Entre sus materiales se encontraban el blanco de plomo y el carboncillo, los cuales eran utilizados para determinar valores de luz y sombras. Estos materiales igualmente le servían para producir profundidad y cercanía.

El mejor grabador de la historia

Podríamos decir que una de las vertientes más importantes de los dibujos de Rembrandt son sus grabados.

Rembrandt es considerado por muchos grabadores como el mejor grabador de la historia del arte, al alcanzar una perfección técnica sin par.

Para Rembrandt, el grabado no era un mero producto derivado de sus pinturas, sino un género dotado de un valor propio en sí mismo.

Con el paso de los años, Rembrandt fue adquiriendo una creciente maestría en las técnicas del grabado, utilizando con mayor frecuencia la punta seca y el buril, y trabajando directamente sobre la plancha de cobre.

Él no delegaba en terceras personas de su taller la ejecución material de sus diseños previos, lo que explica la altísima calidad de sus obras. 

A raíz de su obra "La estampa de los cien florines" (1646-1650), surgiría su estilo final de grabado. Estilísticamente hablando, en esta obra Rembrandt invirtió todo su genio al combinar diferentes procedimientos en una misma pieza.

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Título: La estampa de los cien florines. Autor: Rembrandt. Año: 1646-1650. Técnica: Agua fuerte, punta seca y buril sobre papel. Dimensión: 28 cm x 39,4 cm. Colección: Rijksmuseum. Amsterdam.

En ella experimentó con efectos de impresión sobre diferentes papeles, principalmente vitela y, recurrió al entrapado como medio para obtener un “tono superficial”. También utilizó técnicas mixtas. Por ejemplo, al combinar el aguafuerte con  la punta seca para conseguir unas líneas más definidas y precisas.

Uno de los puntos fuertes del Rembrandt grabador es su capacidad para jugar con los claroscuros, recreando una gran variedad de tonos medios entre el blanco y negro. Con ello buscaba dos cosas, por un lado jugar con la composición, y por sobre todo exaltar la luz y lo que la obra transmitía gracias a ello.

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Título: Las tres cruces. Autor: Rembrandt. Año: 1653. Técnica: Punta seca y buril sobre papel. Dimensión: 38,7 cm. Colección: Rijksmuseum. Amsterdam.

Resolución final

A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la interpretación de escenas bíblicas por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.

Estilísticamente, su pintura evolucionó desde la suavidad y la representación ilusionista de formas a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil o "impasto". Este aspecto áspero en sus obras al parecer se debe en mucho al uso de plumbonacrita en sus óleos así como cuarzos molidos y otras cargas. La plumbonacrita es un tipo de carbonato de calcio rico en plomo, el cual tiene una apariencia perlada.

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Título: Autorretrato. Autor: Rembrandt. Año: 1655. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 133,7 cm103,8 cm. Colección: Frick. Nueva York. USA.

​En cuanto al grabado, podría hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su madurez, especialmente a partir de finales de la década de 1640, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos.

En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra.

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