Diferencias y similitudes entre el dibujo y la pintura

febrero 13, 2020

Al momento de pintar, dependiendo del tipo de obra y estilo que quieras expresar, un dibujo acorde a tus intenciones podría proporcionarte una ayuda extra. Si bien algunos pintores no consideran el dibujo necesario, como fué el caso de Caravaggio quien es famoso por no dibujar, hay momentos en los que dibujar es esencial. 

En este artículo te hablaré de cómo el dibujo puede ser beneficioso al momento de crear una pintura. Aunque no es una condición restrictiva para pintar, saber dibujar, te permitirá tener una estructura sólida y mayor libertad en tu obra. Así, podrás pintar en cualquier estilo, desde dibujos animados hasta hiperrealismo, contribuyendo a enriquecer tu arsenal de herramientas artísticas.

Definición del Dibujo y la Pintura

Fundamentalmente, dibujar y pintar no son lo mismo, pero tampoco es que sean tan lejanos.

Por un lado, el dibujo puede ser definido como el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos, tonos claros y obscuros.

La clave para entender conceptualmente el dibujo tiene que ver con la palabra gráfica, que es empleada también en áreas no relacionadas con el arte. En cierta forma graficar quiere decir sintetizar drásticamente algo a los elementos esenciales que requiere para ser comprendido. Eso es en cierta forma el dibujo.

Por otra parte la pintura muchas veces va más allá de los elementos esenciales requeridos para la representación gráfica de algo.

Sus diferencias

Las herramientas utilizadas en ambas disciplinas en algunas ocasiones son las mismas. Sin embargo la forma de representar es diferente. Por un lado, el dibujo es por lo general la delineación en una superficie, habitualmente de papel. En la pintura generalmente se recurre a la mancha, mientras que para el dibujo se utiliza la línea. Es decir, la diferencia principal entre ambos se encuentra en el recurso comunicativo que cada uno usa.

Por otra parte, la relación entre ambos es muy estrecha, ya que la pintura es generalmente la ejecución o acabado del dibujo mediante la inserción de de más colores y materialidad. Además, el dibujo también es considerado como un subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, sin embargo, hay quien considera que no forma parte de la pintura como técnica de representación.

Relación entre el Dibujo y la Pintura

El vínculo entre el dibujo y otras formas de arte es muy estrecho.  Existe un estado de dependencia mutua en particular entre la pintura y el dibujo, sobre todo en el caso de bocetos y estudios preliminares para la composición de una pintura. 

El dibujo prepara el camino para la pintura al proporcionar una idea preliminar y una predeterminación del concepto del artista de una obra determinada. Muchos dibujos que ahora se consideran de alto valor artístico, fueron originalmente creados para los fines de la pintura o la escultura. Sin embargo, estos dibujos son completos, autónomos y estéticamente satisfactorios.

Libro de bocetos de Leonardo da Vinci. Se detallan dibujos de la famosa obra La ultima cena

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Título: La última cena. Autor: Leonardo da Vinci. Fecha: 1495-1498. Técnica: Temple y óleo sobre yeso. Dimensiones: 880 cm × 460 cm. Colección: Santa María de la gracia, Milán, Italia

La estrecha relación entre el dibujo y la pintura se evidencia por las características estilísticas que son comunes en ambos. Coinciden en muchos detalles de contenido y forma: 

  • Mediciones
  • Proporciones de figuras
  • Relación de las figuras con el espacio circundante
  • Perspectiva y planos
  • La distribución del tema dentro de la composición según el orden estático, la simetría y el equilibrio de las masas o según los contrastes
  • Los puntos de fuga excéntricos y la sobre acentuación de elementos individuales
  • Representación de planos y perspectiva por color en base a valores tonales y contrastes
  • El orden rítmico en unidades pictóricas separadas en contraste con el flujo continuo de líneas
  • Uso del claroscuro los valores tonales para generar volumen

Todos estos criterios son aplicables a ambas formas de arte. 

El carácter estilístico uniforme compartido por el dibujo y la pintura a menudo se expresa menos severamente en el dibujo. Esto es debido al flujo espontáneo del trazo del artista sin restricciones, o la “escritura a mano”, y de la lucha por la forma registrada en los pentimenti (indicaciones en el dibujo donde el artista cambia de opinión y modifica su formulación original). 

¿Es importante saber dibujar para poder pintar?

Esta pregunta aún hoy en día se continúa debatiendo. Sin embargo, en mi opinión muy personal, considero que no hay una respuesta categórica para esta pregunta, “depende” me parece una respuesta más adecuada. 

Dibujar es un paso que se debe implementar para algunos tipos de pintura, pero de ninguna manera es necesario para todo tipo de pintura.  Ciertamente puede ayudarte a ser un “mejor” artista, pero no implica que debas verte paralizado por no poder dibujar.

Saber dibujar o no para pintar dependerá básicamente de lo que quieras pintar. Si lo que te interesa es pintar algún objeto, persona o estructura concreta entonces saber dibujar te será de gran utilidad. Por el contrario, si el tema que te interesa representar es más abstracto dibujar no es tan importante.

Artista: JULIÃO SARMENTO. Titulo: Barnett Newman Fecha: 2018. Técnica: Suite of 3 aquatints on Hahnemuehle 350g paper. Dimensiones: 15.00 x 12.50 in 38.1 x 31.8 cm

La Pintura antes del Dibujo 

La pintura es un arte que implica expresión y descubrimiento. Puede tratarse de color y textura. Implica saber qué diferentes pigmentos y materiales pueden combinar juntos en el lienzo y cómo manipularlos para crear el efecto deseado. Por lo tanto,  aprender a pintar primero, te proporcionará una gran ventaja en cuanto a la composición y el patrón. Sin embargo, el inconveniente se presenta en a la hora de representar las formas, que podrían tener diversos fallos de proporción al no tener experiencia con el dibujo.

Título: Nenúfares y puente japonés. Artista: Claude Monet. Fecha: entre 1897 y 1899. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 89,7 cm x 90.5 cm. Colección: Museo de Arte de la Universidad de Princeton

Ventajas de saber Dibujar antes de Pintar

A continuación te hablaré de cuáles son las ventajas que te proporciona saber dibujar al momento de realizar una pintura:

  • Tu obra tendrá una estructura sólida y creíble, desde dibujos animados hasta pinturas hiperrealistas.
  • El acto de dibujar crea “flujo” y facilidad de expresión. Además de “afinar” tus ojos para observar y asimilar detalles y proporciones. Puedes tomarlo como un ejercicio de calentamiento realmente útil antes de comenzar a pintar. 
  • Si tu meta es aprender todos los conceptos y técnicas relacionados a los términos de valor tonal, línea, bordes, precisión de representación y composición, es mucho más fácil aprender y aplicar toda esta información sin la complejidad extra de la pintura. 
  • El acto de dibujar una escena antes de pintarla te hace pensar realmente en términos de luz, sombra, color, composición y los mejores materiales para usar. Simplemente pintar a partir de una fotografía realmente no funciona y te lleva a la trampa de copiar y retratar de manera idéntica cada detalle.
  • Los errores de perspectiva involuntarios en las pinturas realmente pueden arruinar el disfrute de los espectadores.  Los cambios de perspectiva previstos pueden crear intriga y dinamismo y normalmente son el resultado de muchos pensamientos y dibujos previos.
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Patrón de líneas en la famosa obra The Virgin and Child with Saint Anne

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Título: The Virgin and Child with Saint Anne. Artista: Leonardo da Vinci. Fecha: 1503–19. Técnica: Óleo sobre madera. Colección: The Louvre, Paris, Francia.

El Dibujo como Estructura para la Pintura

La pintura es un arte bidimensional debido a su soporte, el cual suele ser plano. Sin embargo también se debe a que el patrón plano de líneas y formas o dibujo, es un aspecto importante del diseño, incluso para aquellos pintores preocupados por crear ilusiones de gran profundidad. Por otra parte, cualquier marca hecha en la superficie de una pintura puede ser percibida como una declaración espacial.

Las formas en una pintura pueden equilibrarse entre sí como unidades de un patrón plano, y considerarse al mismo tiempo como componentes en un diseño espacial.

Las formas y masas geométricas son a menudo las unidades básicas en el diseño de dibujos, pinturas bizantinas e islámicas, y “composiciones escultóricas” como cuadros de figuras barrocas y neoclásicas. Los cuadrados, círculos y triángulos planos y superpuestos que crean el patrón de un mural románico, por ejemplo, se convierten en los componentes cúbicos, esféricos y piramidales entrelazados que encierran las figuras agrupadas y las características circundantes en una composición renacentista o neoclásica.

Artistas Famosos que dieron gran importancia al dibujo

Vincent Van Gogh

Vincent van Gogh dibujaba miles de imágenes para mejorar sus habilidades y para pasar el tiempo libre. Van Gogh dibujo por 7 años antes de comenzar a pintar formalmente. Muestra de su avidez por el dibujo se encuentra en las cartas que le envió a su hermano Theo.

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Título: Hombre joven con una pipa. Artista: Vincent Van Gogh. Fecha: 1884. Dimensiones: 38 x 30 cm. Técnica: Lápiz y acuarela transparente sobre papel. Colección: Museo Van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos.


Pablo Picasso

Entre los elementos más interesantes en la obra de Pablo Picasso se encuentran sus dibujos de un trazo. En ellos demuestra su grandísima capacidad de sintesis y habilidad para dar vida con un único recorrido del lápiz.

Este tipo de dibujos no solo son un placer para la vista de quien las observe, sino que con estos ejercicios Picasso demuestra que el dibujo enseña a observar y pensar. Incluso,  cuando él quería analizar una obra de arte, primero recorría sus líneas esenciales con el dedo.

Título: Tête de Femme. Artista: Pablo Picasso. Fecha: 1985. Técnica: Lápiz sobre papel. Dimensiones: 27 x 21 cm . Colección: Desaparecido.

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El arte visionario y algunos de sus grandes exponentes

enero 16, 2020

Intentar presentar lo espiritual, lo místico y comprender que la creatividad y las imágenes producidas son puentes entre el mundo inferior y el superior, es la principal preocupación del arte visionario. Por lo tanto, es posible definir los dibujos que se encuentran en las paredes de las cuevas, o las máscaras rituales de la cultura africana como algunos de los primeros ejemplos de arte visionario.

¿Qué es el arte Visionario?  

El Arte Visionario considera que las imágenes producidas son en realidad mensajes, pautas o profecías dadas a los creativos por una fuerza divina o por un estado alterado del ser. El arte visionario te inspira a desarrollar tu visión interior. Te invita a usar tu ojo interno intuitivo, el ojo de la contemplación, el ojo del alma. Los autores visionarios utilizan todos los medios posibles para acceder a diferentes estados de conciencia y encontrar la visión resultante.

Historia del Arte Visionario.

En la época prehistórica, las pinturas rupestres ilustraban visiones o representaciones de sueños. Las erigieron como símbolos mágicos. La presentación del cuerpo inimaginable de los dioses, animales míticos, ángeles o santos, no sólo ayudó a muchas culturas a conectar con las ideas espirituales, sino que hizo visible las imágenes públicas para su adoración.

Famosos escultores y pintores italianos, dieron vida a las ideas del misticismo cristiano con el uso del realismo gótico.  Una de las pinturas más famosas que representan el arte visionario, es la célebre obra El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch. Los críticos la definieron como una locura visionaria. El artista creó una de las pinturas más extrañas del mundo, una enciclopedia de un simbolismo metamórfico de plantas, animales y humanos.

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Título: El jardín de las Delicias. Autor: El Bosco. Año: 1490-1500. Dimensiones: 205.5 x 384,9 cm. Técnica: Grisalla, Óleo, sobre madera de roble. Colección. Museo del Prado. España.

Inspiración Divina

A lo largo del tiempo, las ideas de lo espiritual y la conexión con la fuerza divina que crearon sus imágenes e ideas, sirvieron de inspiración a famosos a autores. Uno de ellos fue William Blake, cuyas acuarelas se consideran algunos de los ejemplos más bellos e influyentes del arte visionario.

También es importante señalar que diversas pinturas abstractas e imágenes oníricas del movimiento surrealista expusieron la vida sin reglas, donde se permiten varias yuxtaposiciones extrañas. Estas solo reforzaron la idea del misterio de lo divino y su inmensidad, así como también de los misterios profundos de la psique humana.

Lo que se encuentra más allá del límite de la vista 

El arte visionario busca mostrar, a través de las imágenes de sueños o trances, los estados visionarios que trascienden nuestros modos regulares de percepción. Para varias culturas, el reino de lo desconocido tiene varios nombres: para William Blake se llama imaginación divina, para la cultura aborigen, se llama tiempo de sueño y para los tibetanos se entiende como la dimensión de la riqueza interior.

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Título: Minos. Autor: William Blake. Año: 1824-1827. Dimensiones: 37,4 x 52,8 cm. Técnica: Bolígrafo y tinta negra y roja / marrón y acuarela sobre lápiz y tiza negra, con esponja. Colección: National Gallery of Victoria. Melbourne. Australia.

Para Platón, este era el reino de los arquetipos ideales. Los teósofos se refieren a los planos de conciencia astral, mental y nirvánico. Carl Jung conocía este reino como el inconsciente simbólico colectivo. La conexión con este reino y la capacidad de exponer sus imágenes a través de pinturas o dibujos explican la idea del arte visionario.

Tales obras de arte son consideradas por muchos de los interesados en esta forma de arte como puntos de contacto entre el reino espiritual  y el material. Como sea que elijamos llamarlo, el reino visionario es el espacio que visitamos durante los sueños y estados alterados o elevados de conciencia. 

Representación del Mundo Espiritual.

El artista y poeta místico del siglo XIX, William Blake, dijo haber conversado con ángeles y recibir instrucciones de pintura directas de entidades desencarnadas. Blake publicó sus propios libros de arte y poesía, que revelaron un misticismo idiosincrásico derivado de su percepción interna de los temas religiosos. En suma, este artista se resistió al dogma religioso convencional, y proclamó que “todas las religiones son una”.

La obra de arte de William Blake exalta un reino ideal de inspiración que él llamó la “imaginación divina”. El trabajo de Blake sentó las bases para el movimiento simbolista del siglo XIX que incluía a artistas como Gustav Moreau, Odilon Redon, Jean Delville y Frantisek Kupka. El reino del arte visionario también abarca la abstracción modernista incluyendo las obras de Kupka, Klee y Kandinsky; arte realista surrealista o fantástico; y el trabajo idealista como el de Blake.

 Imágenes como Mensajes 

En la década de 1960,  el movimiento hippie influyó en el arte a través de su estilo de vida, diseños de carteles y pinturas psicodélicas. En los años 70,  ciertos pintores visionarios de California y sus imágenes, fueron publicados y conocidos por seguir la tradición del arte Chamánico.

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Título: Amor y Paz. Usado por 1° vez en la campaña para el Desarme Nuclear, y luego un sinónimo de la oposición a la Guerra de Vietnam. Autor: Shuminweb Wikipedia en inglés.

Actualmente, varias imágenes que relatan la historia de tales ideas y la necesidad de comprender el universo, han sido creadas por visionarios contemporáneos. Los festivales como Burning Man y Boom, junto con el Movimiento de Arte Inter-dimensional, son vistos como una nueva ola de arte visionario y eventos.

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Título: Burning man. Nuevo arte visionario.

Principales Exponentes.

William Blake y Hieronymus Bosch, son solo algunos de los nombres que están estrechamente relacionados con este estilo de creatividad. Como ellos se encuentra el padre del arte del simbolismo, Gustave Moreau, cuyas ilustraciones de las figuras bíblicas y mitológicas, aún atraen la imaginación del público.

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Título: Júpiter y Seleme. Autor: Gustave Moreau. Año: 1894-1895. Dimensión: 213 cm x 118 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Colección: Museo Gustave Moreau. Francia.

Si buscas un  lenguaje estético original, observa las pinturas detalladas y hermosas del pintor Edward Burne-Jones, consideradas también ejemplo de arte visionario. 

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Título: Rey Cophetua y la criada mendiga. Autor: Edward Burnes-Jones. Año: 1884 Dimensión: 290cm x 136 cm. Técnica; Óleo sobre lienzo. Colección: Museo de Arte Metropolitano. Nueva York. USA.

Siguiendo esta forma de arte, encontrarás las primeras imágenes abstractas de Wassily Kandisnsky. Junto a otros como Paul Klee, Joan Miró o Jean Arp, es uno de los artistas modernos que investigaron sobre la espiritualidad en el arte y las cualidades emocionales de la línea, las formas geométricas y el color.

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Título: Murnau, Ferrocarril y Castillo. Autor: Wassily Kandisnky. Año: 1909. Dimensión: 36 cm x 49 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Colección: Museo Lenbachhaus. Maxvorstadt. Alemania.

Kazimir Malevich  y su abstracción invocaron la idea original del arte. Tambien está  Piet Mondrian, cuyos escritos sobre el arte, se consideran de los más filosóficos.

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Título: Composición con rojo, amarillo, azul y negro. Autor: Piet Mondrian. Año: 1921. Dimensión: 59,5 cm x 59,5 cm. Técnica: Óleo sobre Lienzo. Colección: Kunstmuseum Den Haag . La Haya. Holanda. Países Bajos.

Las visiones de pintores surrealistas, como Max Ernst,  Salvador Dalí y Frida Kahlo, mezclaron no solo la esfera de los sueños, sino también los recuerdos y las experiencias de la infancia. Estas influencias se plasmaron en sus fascinantes lienzos.

Escuela de Realismo fantástico

Posterior a la segunda guerra mundial, se creó la Escuela de Realismo Fantástico de Viena, la cual ayudó a establecer la cultura artística visionaria actual. Fundada en 1946, algunos de los creativos más famosos de esta escuela fueron Ernst Funchs y Arik Braue.

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Título: La última cena. Autor: Ernst Fuchs. Año: 1956. Dimensión: Refectorio del Monasterio de la Dormición Católica. Colección: Monasterio de la Dormición Católica. Israel.

Lo que une a estos autores es su talento y su don para presentar el vasto espectro de las dimensiones visionarias de la mente que nos siguen desde los albores del tiempo.

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Consejos para dominar el claroscuro en dibujo y pintura

septiembre 4, 2018

Con el motivo del aniversario luctuoso del gran pintor español José de Ribera este 3 de septiembre, hemos decidido escribir un texto en el que profundizaremos en uno de los temas por los que es famosa su pintura. El uso del alto contraste, tan enfatizado por de Ribera, es uno de los estilos pictóricos mas influyentes de la historia del arte. Sin embargo, pocos pintores lograron el dominio del mismo al nivel en que José de Ribera lo consiguió en vida.

Iniciado por Caravaggio, el estilo pictórico de alto contraste implica un dominio del claroscuro basado en la observación y el análisis de varios temas que conciernen a la pintura. Siendo los más importantes la luz, las formas, los materiales de pintura y la visión humana. Sirviéndonos de la obra de José de Ribera, en este texto analizaremos los sistemas técnicos y procesos del dibujo y pintura con los cuales puede adquirirse un mayor dominio del claroscuro.

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Ixión (detalle). (1632). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 220 cm x 301 cm. Museo del Prado, España.

Semblanza de José de Ribera

Jose de Ribera (17 febrero de 1591 al 3 septiembre 1652), también conocido como Jusepe de Ribera. Fue el pintor tenebrista español más importante de su momento. Desarrolló toda su carrera artística en Italia; primero en Roma y posteriormente en Nápoles.

Su pintura evolucionó de un estilo tenebrista, en el que se enfatizaba dramáticamente el alto contraste, hacia un estilo más colorido influenciado por el pintor flamenco Anton van Dyck. Pero la realidad es que su pintura siempre conservó características propias del tenebrismo. Ya que su estilo pictórico y la misma forma en la que abordaba sus cuadros se mantuvieron sustentados en esta corriente.

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Un anacoreta. (s. XVII.). José de Ribera. Óleo sobre tela. Tamaño 128 cm x 93 cm. Museo del Prado, España.

Entonar el lienzo

José de Ribera comenzaba sus cuadros entonando el fondo, nunca empezaba directo sobre un fondo blanco. En primer lugar lo hacía porque en la época no se estilaba comenzar sobre fondo blanco. En segundo lugar, su forma de trabajo requería que el lienzo estuviera entonado.

Al igual que Caravaggio, José de Ribera por lo general comenzaba sus cuadros con lienzos entonados en colores de sombra natural o sombra tostada. Estos tonos los utilizaba como medios tonos que fungían como punto de partida para ir hacia sombras y luces.

Generalmente, cuando pensamos en un medio tono lo que nos viene a la mente son colores más claros, como tonos ocre, óxido o tierras. Si empezamos con valores de sombra muy oscuros, no tendremos tonos mucho más oscuros con los cuales acentuar posteriormente nuestras sombras. No obstante, José de Ribera utilizaba colores de sombra para exaltar tanto como fuera posible la luminosidad en sus cuadros. Más adelante analizaremos el por qué detrás de su sistema.

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El Salvador. (1630). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 77 cm x 65 cm. Museo del Prado, España.

Contornos y sombras

Una vez entonado el lienzo, José de Ribera trazaba contornos y sombras importantes con tonos aún más obscuros o ya directamente con negros. Una característica interesante de su forma de trazar los contornos es que éstos no sólo fungían como líneas para determinar formas, sino que eran colocados de tal manera que cumplieran a la vez dos funciones: la de señalar el bulto de aquello que se estaba pintando y sus rasgos, y a la vez las sombras más importantes del objeto mismo.

Esto quiere decir que el uso que de Ribera hacía de estas líneas de contornos y sombras implicaba destreza, pues no se colocaban donde no fungieran a la vez como sombras. Para poder trabajar de esta forma el pintor requería tener un dibujo bastante preciso, puesto que las líneas de guía no estarían presentes sobre el lienzo.

La ventaja de esta forma de trabajar es que así se lograba respetar el color de fondo, el cual, al igual que la forma de colocar las sombras, tampoco era colocado de manera arbitraria. El fondo cumplía una función de suma importancia al generar la atmósfera de la obra.

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Detalle de la cabeza del Dios Baco. (1636). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 55 cm x 46 cm. Museo Nacional del Prado

La autosombra

Autosombra es uno de los nombres que se le da a lo que también se conoce en español como joroba de la sombra. Esta sombra, que también es conocida en inglés como core shadowes la sección más obscura de la sombra y se sitúa entre la parte más tenue de la luz y el reflejo de un objeto. Emplear las líneas de contorno a la manera de José de Ribera implicaba dibujar guiándose por la autosombra y no por los contornos de las orillas de los objetos.

La gran ventaja de dibujar por la autosombra, en lugar de hacerlo por los contornos externos de los objetos o por la líneas estructurales, es que las líneas que coloquemos de esta forma tienen la función de ser tanto trazos de la figura como sombras dentro de la misma. De esta manera, el dibujo se vuelve un punto intermedio entre dibujo y pintura, puesto que el mismo se comienza a modelar.

Si a esta forma de dibujo le aunamos una selección de color pensada en relación a la atmósfera dentro de la que queremos trabajar nuestra obra,  nos ahorraremos pasos y a la vez conseguiremos una pintura íntimamente ligada y dirigida por la sensación de la luz sobre los volúmenes de los objetos que estemos retratando.

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Ecce Homo. (1620). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 97 cm x 81 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Sacar luces con pútrido

Una vez se había colocado el fondo con un tono de sombra y sugerido los volúmenes con los tonos de autosombra, llegaba el momento de trabajar las luces y realmente sacar con las mismas los volúmenes de los objetos. Durante la época esto se hacia con un blanco conocido como pútrido, el cual es una mezcla de temple con óleo y blanco de plomo. Éste era empleado como óleo blanco y a la vez como carga para realizar empastes.

Ya que los fondos de José de Rivera eran hechos en sombras, los volúmenes se conseguían con el uso del color blanco. No con los tonos obscuros colocados previamente. En realidad, los tonos más obscuros eran tan escasos y poco contrastantes en relación a las sombras, que apenas sugerían la locación de los objetos. Esto daba a los blancos toda la responsabilidad de modelar los volúmenes de los objetos.

Una vez que estas luces con pútrido se habían trabajado, se comenzaba a velar sobre ellas con colores. Tanto translúcidos, como empastados, para construir con este esfuerzo la imagen en su totalidad.

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La piedad. (1633). Temple y óleo sobre lienzo. Tamaño 157 cm x 210 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid

Grisallas para alto contraste

Al proceso de fondear, trazar sombras y posteriormente luces se le conocía como grisalla. Lo cual ha sido realizado por distintos artistas de muchas maneras diferentes. El estilo de José de Ribera es bastante interesante, por lo sintético y por su efectividad.

Podríamos decir que, a diferencia de otros pintores, de Ribera trabajaba sólo con luces duras y sombras duras, reduciendo los reflejos y medios tonos a un mínimo. Es precisamente este sistema de trabajo el cual es propio de la pintura de alto contraste de Caravaggio y otros tenebristas.

En la obra de José de Ribera, la forma de distribuir estos colores surgió, por un lado, de la influencia que la obra de Caravaggio ejerció sobre su trabajo. El sistema de trabajo de ambos artistas implicaba procesos de pintura inspirado en el método veneciano. Sin embargo, el método estaba adaptado de tal forma que fuera más allá de sólo acentuar el color mediante el uso de transparencias sobre la grisalla. Incluso llegando a poder exaltar la luminosidad y la obscuridad en la representación pictórica.

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Saint James the Greater. (1630-1635). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 77 cm x 65 cm. Museo del Prado

La lógica detrás del sistema de José de Ribera para enfatizar el alto contraste

Para entender por qué José de Ribera pintaba de la forma en que lo hacía, es necesario analizar un poco la manera en que nuestros ojos reaccionan ante la luz.

Cuando nos encontramos en un lugar muy oscuro, nuestras pupilas se dilatan. Esto permite el acceso de una mayor cantidad de luz, cosa que es importante para poder ver un poco en situaciones de luz escasa. Por otra parte, cuando hay mucha luz en el ambiente en que nos encontramos, nuestras pupilas se cierran para permitir la entrada de una menor cantidad de luz. Esta acción impide que las luces lastimen nuestros ojos. Pero también ocasiona que de las zonas de sombra entre también una menor cantidad de luz. Es esto lo que da la ilusión de mayor contraste.

La realidad de la entrada de una menor cantidad de luz a nuestros ojos cuando venimos de un lugar con luz intensa se vuelve fácilmente reconocible cuando pasamos de un lugar con luz muy fuerte a un lugar con luz muy escasa, al quedarnos casi ciegos por unos segundos.

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San Andrés. (1630). José de Ribera. Óleo sobre lienzo. Tamaño 123 cm x 95 cm. Museo del Prado, Madrid.

La luz de bodega o luz de alto contraste

La luz de la obra de José de Ribera une ambas circunstancias ópticas en una. Sus cuadros tienen luces muy intensas que son vistas desde lugares de gran oscuridad. A este tipo de luz se le conoce como luz de bodega o alto contraste y es la huella de la pintura tenebrista.

La forma en que funciona es la siguiente: cuando nuestros ojos están en espacios oscuros y vemos luces intensas, estas luces aparentan ser mucho más intensas que si las viéramos en espacios con mayor iluminación.

Para generar esta misma sensación, José de Rivera empleaba el sistema de pintura que antes desglosamos. Entonaba su lienzo con tonos de sombra intensos, y a la vez modelaba los volúmenes con casi blancos puros, que posteriormente teñía con veladuras.

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Juan el bautista. (1604). Caravaggio. Tamaño 173 cm x 133 cm. Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City

El alto contraste y la luz de bodega en la obra de otros artistas

Grandes artistas como Joaquín Sorolla o Johannes Vermeer se dieron cuenta de este fenómeno óptico. Lo cual los impulsó a pintar desde zonas oscuras para que sus ojos percibieran una mayor luminosidad en lo que estaban viendo. Si bien no sé de registros que digan que Caravaggio o José de Rivera también lo hicieran, al analizar su forma de trabajar se vuelve obvio que deben haberse dado cuenta del mismo fenómeno.

Lo que sí sabemos de Sorolla es que muchas veces pintaba tras estudiar a sus sujetos desde una cámara fotográfica, de aquellas en las que tenías que cubrirte la espalda con una tela negra para observar y no velar el negativo. Sorolla era originalmente fotógrafo y durante toda su carrera esta “cámara obscura” continuó siendo un elemento valioso para su obra. Puesto que le permitía observar el mundo con una “luz de bodega” portátil.

Vermeer es otro pintor que empleó este mismo método. En su caso construyó una cámara obscura propia en su estudio, desde la cual veía a sus modelos. Esta práctica le permitió aprovechar igualmente la entrada directa a sus ojos de esta exaltación lumínica.

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Recogiendo la vela. (1908). Joaquin Sorolla. Óleo sobre lienzo. Tamaño 91 cm x 110cm.

Sistema de pintura basado en la luz de bodega

Una característica interesante de los pintores que trabajaban de esta forma es que tienden a empezar sus cuadros con tonos de sombra oscuros o con colores muy grises. Ambas formas de empezar tienen resultados diferentes, pero que en ciertos puntos se tocan.

En el caso de Sorolla, comenzaba con colores muy grises que hacían que los colores que fueran colocados sobre ellos, o a lado de ellos, se vieran sumamente brillantes y luminosos en comparación. Haciendo uso de este método consiguió que, tanto los pigmentos puros como los blancos, se vieran muy impresionantes en su intensidad y brillantez. De esta manera, trabajar sobre estas capas grises era una especie de manera de pintar con la capacidad de sentir fácilmente la luz.  Suceso que con un medio tono más claro no siempre es fácil de hacer.

La otra forma de conseguir esta intensidad lumínica dentro del contraste es la de José de Ribera, la cual ya se detalló a profundidad. En su caso, el empezar con colores de sombra conseguía que incluso, los colores de tonos grises se vieran intensamente luminosos gracias al sistema. Esto es, precisamente, la enseñanza que la obra de José de Ribera nos transmite hasta el día de hoy.

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El arte de la pintura. (1666). Jan Vermeer. Temple y óleo sobre panel. Tamaño 120 cm × 100 cm. Museo de Historia del Arte, Austria