El arte visionario y algunos de sus grandes exponentes

enero 16, 2020

Intentar presentar lo espiritual, lo místico y comprender que la creatividad y las imágenes producidas son puentes entre el mundo inferior y el superior, es la principal preocupación del arte visionario. Por lo tanto, es posible definir los dibujos que se encuentran en las paredes de las cuevas, o las máscaras rituales de la cultura africana como algunos de los primeros ejemplos de arte visionario.

¿Qué es el arte Visionario?  

El Arte Visionario considera que las imágenes producidas son en realidad mensajes, pautas o profecías dadas a los creativos por una fuerza divina o por un estado alterado del ser. El arte visionario te inspira a desarrollar tu visión interior. Te invita a usar tu ojo interno intuitivo, el ojo de la contemplación, el ojo del alma. Los autores visionarios utilizan todos los medios posibles para acceder a diferentes estados de conciencia y encontrar la visión resultante.

Historia del Arte Visionario.

En la época prehistórica, las pinturas rupestres ilustraban visiones o representaciones de sueños. Las erigieron como símbolos mágicos. La presentación del cuerpo inimaginable de los dioses, animales míticos, ángeles o santos, no sólo ayudó a muchas culturas a conectar con las ideas espirituales, sino que hizo visible las imágenes públicas para su adoración.

Famosos escultores y pintores italianos, dieron vida a las ideas del misticismo cristiano con el uso del realismo gótico.  Una de las pinturas más famosas que representan el arte visionario, es la célebre obra El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch. Los críticos la definieron como una locura visionaria. El artista creó una de las pinturas más extrañas del mundo, una enciclopedia de un simbolismo metamórfico de plantas, animales y humanos.

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Título: El jardín de las Delicias. Autor: El Bosco. Año: 1490-1500. Dimensiones: 205.5 x 384,9 cm. Técnica: Grisalla, Óleo, sobre madera de roble. Colección. Museo del Prado. España.

Inspiración Divina

A lo largo del tiempo, las ideas de lo espiritual y la conexión con la fuerza divina que crearon sus imágenes e ideas, sirvieron de inspiración a famosos a autores. Uno de ellos fue William Blake, cuyas acuarelas se consideran algunos de los ejemplos más bellos e influyentes del arte visionario.

También es importante señalar que diversas pinturas abstractas e imágenes oníricas del movimiento surrealista expusieron la vida sin reglas, donde se permiten varias yuxtaposiciones extrañas. Estas solo reforzaron la idea del misterio de lo divino y su inmensidad, así como también de los misterios profundos de la psique humana.

Lo que se encuentra más allá del límite de la vista 

El arte visionario busca mostrar, a través de las imágenes de sueños o trances, los estados visionarios que trascienden nuestros modos regulares de percepción. Para varias culturas, el reino de lo desconocido tiene varios nombres: para William Blake se llama imaginación divina, para la cultura aborigen, se llama tiempo de sueño y para los tibetanos se entiende como la dimensión de la riqueza interior.

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Título: Minos. Autor: William Blake. Año: 1824-1827. Dimensiones: 37,4 x 52,8 cm. Técnica: Bolígrafo y tinta negra y roja / marrón y acuarela sobre lápiz y tiza negra, con esponja. Colección: National Gallery of Victoria. Melbourne. Australia.

Para Platón, este era el reino de los arquetipos ideales. Los teósofos se refieren a los planos de conciencia astral, mental y nirvánico. Carl Jung conocía este reino como el inconsciente simbólico colectivo. La conexión con este reino y la capacidad de exponer sus imágenes a través de pinturas o dibujos explican la idea del arte visionario.

Tales obras de arte son consideradas por muchos de los interesados en esta forma de arte como puntos de contacto entre el reino espiritual  y el material. Como sea que elijamos llamarlo, el reino visionario es el espacio que visitamos durante los sueños y estados alterados o elevados de conciencia. 

Representación del Mundo Espiritual.

El artista y poeta místico del siglo XIX, William Blake, dijo haber conversado con ángeles y recibir instrucciones de pintura directas de entidades desencarnadas. Blake publicó sus propios libros de arte y poesía, que revelaron un misticismo idiosincrásico derivado de su percepción interna de los temas religiosos. En suma, este artista se resistió al dogma religioso convencional, y proclamó que “todas las religiones son una”.

La obra de arte de William Blake exalta un reino ideal de inspiración que él llamó la “imaginación divina”. El trabajo de Blake sentó las bases para el movimiento simbolista del siglo XIX que incluía a artistas como Gustav Moreau, Odilon Redon, Jean Delville y Frantisek Kupka. El reino del arte visionario también abarca la abstracción modernista incluyendo las obras de Kupka, Klee y Kandinsky; arte realista surrealista o fantástico; y el trabajo idealista como el de Blake.

 Imágenes como Mensajes 

En la década de 1960,  el movimiento hippie influyó en el arte a través de su estilo de vida, diseños de carteles y pinturas psicodélicas. En los años 70,  ciertos pintores visionarios de California y sus imágenes, fueron publicados y conocidos por seguir la tradición del arte Chamánico.

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Título: Amor y Paz. Usado por 1° vez en la campaña para el Desarme Nuclear, y luego un sinónimo de la oposición a la Guerra de Vietnam. Autor: Shuminweb Wikipedia en inglés.

Actualmente, varias imágenes que relatan la historia de tales ideas y la necesidad de comprender el universo, han sido creadas por visionarios contemporáneos. Los festivales como Burning Man y Boom, junto con el Movimiento de Arte Inter-dimensional, son vistos como una nueva ola de arte visionario y eventos.

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Título: Burning man. Nuevo arte visionario.

Principales Exponentes.

William Blake y Hieronymus Bosch, son solo algunos de los nombres que están estrechamente relacionados con este estilo de creatividad. Como ellos se encuentra el padre del arte del simbolismo, Gustave Moreau, cuyas ilustraciones de las figuras bíblicas y mitológicas, aún atraen la imaginación del público.

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Título: Júpiter y Seleme. Autor: Gustave Moreau. Año: 1894-1895. Dimensión: 213 cm x 118 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Colección: Museo Gustave Moreau. Francia.

Si buscas un  lenguaje estético original, observa las pinturas detalladas y hermosas del pintor Edward Burne-Jones, consideradas también ejemplo de arte visionario. 

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Título: Rey Cophetua y la criada mendiga. Autor: Edward Burnes-Jones. Año: 1884 Dimensión: 290cm x 136 cm. Técnica; Óleo sobre lienzo. Colección: Museo de Arte Metropolitano. Nueva York. USA.

Siguiendo esta forma de arte, encontrarás las primeras imágenes abstractas de Wassily Kandisnsky. Junto a otros como Paul Klee, Joan Miró o Jean Arp, es uno de los artistas modernos que investigaron sobre la espiritualidad en el arte y las cualidades emocionales de la línea, las formas geométricas y el color.

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Título: Murnau, Ferrocarril y Castillo. Autor: Wassily Kandisnky. Año: 1909. Dimensión: 36 cm x 49 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Colección: Museo Lenbachhaus. Maxvorstadt. Alemania.

Kazimir Malevich  y su abstracción invocaron la idea original del arte. Tambien está  Piet Mondrian, cuyos escritos sobre el arte, se consideran de los más filosóficos.

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Título: Composición con rojo, amarillo, azul y negro. Autor: Piet Mondrian. Año: 1921. Dimensión: 59,5 cm x 59,5 cm. Técnica: Óleo sobre Lienzo. Colección: Kunstmuseum Den Haag . La Haya. Holanda. Países Bajos.

Las visiones de pintores surrealistas, como Max Ernst,  Salvador Dalí y Frida Kahlo, mezclaron no solo la esfera de los sueños, sino también los recuerdos y las experiencias de la infancia. Estas influencias se plasmaron en sus fascinantes lienzos.

Escuela de Realismo fantástico

Posterior a la segunda guerra mundial, se creó la Escuela de Realismo Fantástico de Viena, la cual ayudó a establecer la cultura artística visionaria actual. Fundada en 1946, algunos de los creativos más famosos de esta escuela fueron Ernst Funchs y Arik Braue.

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Título: La última cena. Autor: Ernst Fuchs. Año: 1956. Dimensión: Refectorio del Monasterio de la Dormición Católica. Colección: Monasterio de la Dormición Católica. Israel.

Lo que une a estos autores es su talento y su don para presentar el vasto espectro de las dimensiones visionarias de la mente que nos siguen desde los albores del tiempo.

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El estilo y proceso de trabajo de Gustave Klimt

enero 13, 2020

El tema de hoy está dedicado a explorar aspectos de la obra y estilo de Gustav Klimt. Klimt fue un pintor austríaco famoso en su tiempo que sigue siendo reconocido hasta hoy. Lo caracteriza su estilo moderno y la manera en la que logró capturar y transmitir emociones a una intensidad elevada.

Su forma de pintar es particularmente interesante porque empleó en ella técnicas muy variadas: hoja de oro, reboques, texturas, temple, óleo, etc.

Como dato curioso, los personajes de las obras de Klimt han sido famosamente descritos como de apariencia flotante. Dicha sensación se debía en gran medida a que los modelos para sus obras posaban acostados sobre una cama.

Inicios de la carrera artística de Gustave Klimt.

Klimt nació el 14 de julio de 1862, en Baumgarten, cerca de Viena. Desde su infancia, mostró inclinaciones artísticas y por tener un padre artesano pudo desarrollarlas desde temprana edad. Gracias a su talento, en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena. Allí se formó hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.

Sus maestros fueron Michael Rieser Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makar, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Por ello se puede considerar su obra temprana como académica.

Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la RingstraBe. Ya desde sus inicios desarrolló algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra. En 1888, recibió la Orden de Oro al Mérito, de manos del Emperador Francisco José I de Austria, por su trabajo en los murales de Burgtheater de Viena. 

Con solamente 17 años, Gustav Klimt se une a Franz Matsch y a su hermano Ernst Klimt formando su propia sociedad artística que se denominó Compañía de Artistas. Esta sociedad recibiría varios encargos de frescos entre los que destaca la Sala de Reuniones de Karlovy Vary en la República Checa (Las Niñas con Laurel, 1889).

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Título: Niñas con laurel. Autor: Gustave Klimt. Año: 1890. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 55 cm x 128,5 cm. Colección: Wadsworth Atheneum Hartford. Connecticut. USA.

Características del estilo de Gustave Klimt

Como podrás observar en las imágenes siguientes, las obras de Klimt se caracterizaron, en su primera etapa artística, por cultivar un estilo ecléctico, con interés en temas históricos. Posteriormente, Klimt fue uno de los protagonistas del movimiento artístico que lo haría pasar a la historia: El Modernismo (Art. Nouveau) desarrollado en Europa a principios del siglo XX.

Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz 

Era el exponente de un estilo propio y sus obras estaban influenciadas por los mosaicos bizantinos que creaban atmósferas enigmáticas. Destacan obras como Palas Atenea (1898)Friso Beethoven (1902), una reinterpretación de la Novena Sinfonía de Beethoven y El beso (1907-1908).

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Título: Friso de Beethoven. Autor: Gustave Klimt. Año: 1902. Dimensión: 2,15 m x 34 cm. Técnica: Oro, grafito, caseína, mural. Colección: Secesión de Viena. Austria.

Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino. El artista sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante, que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

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Título: Mujer fatal. Autor: Gustave Klimt. Año: 1901. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 84 cm x 42 cm. Colección: Osterreichische. Galerie Belvedere. Viena. Austria.


Patrones en el estilo de Gustave Klimt.

Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el Oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad, con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.  Esta primera etapa se puede considerar como la “Época de Oro”, en buena parte por el uso de hoja de oro en su creación artística.

La severidad de una línea dibujada a mano, con su potencial para la belleza lírica, es esencial para el arte de Gustav Klimt. La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en tonos dorados y elementos ornamentales de vivos colores. También se ha asociado con formas fálicas encubiertas, que oculta las posiciones más eróticas de los dibujos en que se basan  muchas de sus pinturas. Esto se puede ver en Judith I (1901), en El Beso (1907-1908), y especialmente en Danaë (1907).

Los historiadores del arte notan una gama ecléctica de influencias que contribuyen al estilo distintivo de Klimt, incluidas las inspiraciones egipcias, minoicas, griegas clásicas y bizantinas.

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Título: Danaë. Autor: Gustave Klimt. Año: 1907. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 77 cm x 83 cm. Colección: Museo Leopold. Viena. Austria.

Los procesos de trabajo de Gustave Klimt

Cuando Klimt admitía un encargo, iniciaba su particular método de trabajo tras largas meditaciones, más prolongadas sesiones de posado de modelos. Sus pinturas eran de naturaleza abiertamente erótica, pero solía suavizarlas por un enfoque alegórico o simbólico. Este detalle las hacía más admisibles para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. 

Posteriormente Klimt sufriría una crisis personal, que se reflejaría en su obra artística. Por esa razón, hace desaparecer el color oro y la elegancia de las líneas características del modernismo de su obra. Las nuevas obras de Gustav Klimt, persiguen el uso de colores vivaces y vibrantes, y se ven claramente influidas por la pintura expresionista que le había precedido. Algunos ejemplos representativos de esta época son sus paisajes.

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Título: El Girasol. Autor: Gustave Klimt. Año: 1906-1907. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 110 cm x 110 cm. Colección: Privada.

El proceso de dibujo de Gustave Klimt

Como artista, Klimt quería explorar emociones universales como el sufrimiento, la esperanza y el amor. Es una de las razones por las cuales pinta modelos desnudas en su estudio.

Hizo posar a sus modelos en una cama para que sus cuerpos lánguidos simularan flotar, un motivo que es muy importante en su arte. Experimentó con poses, gestos y expresiones, refinándolos hasta que alcanzó un tono perfecto de intensidad emocional a través de la pintura.

Mediante la línea, Klimt buscó transmitir la esencia de la forma humana y la naturaleza de la existencia humana.

La narrativa en la obra de Klimt

En 1911, gracias a su obra La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. Dicha obra es un lugar ideal para contemplar brevemente la gran importancia que Klimt daba a los símbolos para desarrollar la narrativa dentro de sus obras.

Klimt estuvo ocho años pintando esta gran alegoría sobre uno de los principales temas que le obsesionaban: La muerte. En la imagen de abajo la puedes ver, delgada, en la zona izquierda del lienzo, y está envuelta en un sudario decorado al estilo Klimt. Lleva un cetro en la mano y aún sin ojos, parece mirar la danza de la vida a la derecha esbozando una macabra sonrisa.  

Tras un amplio espacio vacío, ahí está la vida, amontonada, caótica, siempre en movimiento, con niños protegidos por el abrazo de las madres, hombres abtazando a sus mujeres… Un remolino de células, tejidos y figuras con los ojos cerrados para no ver lo inevitable. Una anciana penitente en el medio de este conglomerado, parece comprender resignada que la muerte es un lento proceso, tan lento que dura toda la vida.

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Título: Muerte y Vida. Autor: Gustave Klimt. Año: 1916. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensión: 198 cm x 178 cm. Colección: Museo: Leopold. Viena. Austria.

La práctica hace al maestro (Klimt nunca dejó de practicar).

Fue a través de la práctica diaria del dibujo de la vida, que Klimt cultivó sus ideas. A pesar de su gran habilidad para dibujar, Klimt tuvo que esbozar su camino hacia la genialidad. Y esto lo logró con la práctica, lo puedes ver en los más de 4000 bocetos, estudios y composiciones a color que se sabe realizó.

Klimt realizó una pintura llamada Medicina (1907), la cual le fue encargada por La Universidad de Viena, a principios de siglo. El objetivo era que representara la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia. Klimt, puso mucho trabajo y esfuerzo en ésta obra maestra.

La prensa fue implacable y le atacó por su “innecesaria” carga erótica. El Congreso le acusó de “pornografía” y “excesiva perversión” por lo que esos frescos nunca pudieron ser exhibidos en la institución académica. Propusieron al artista trasladar las pinturas a la Galería de Arte Moderno de la capital austriaca, pero Klimt se opuso y acabó por comprarle al gobierno sus propias obras.

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Título: La Medicina. Autor: Gustave Klimt. Año: 1900-1907. Colección: Techo de la Universidad de Viena. Austria.

La ventaja es que enfocó su propia carrera a través de este trabajo, generó un montón de nuevas ideas en el proceso de creación de esta imagen y se convirtió en un mejor dibujante en el proceso.

La medicina  fue un avance estilístico y temático para Klimt, y muchas de las ideas que exploró mientras se preparaba para La Medicina, las continuó explorando en futuros trabajos.

Los bosquejos afinan la visión. 

Sin duda bocetar afina no solo la capacidad de dibujar, si no también de pensar en imágenes, formas y lineas, cualidad esencial para un pintor. Un trazo puede decir miles de cosas distintas si este es aplicado de formas diferentes. El pintor debe volverse sensible a ello.

Los muchos bocetos y estudios de Klimt le permitieron ir más allá de la mera pintura hábil a la innovación de su “Fase Dorada”,  que es uno de los estilos artísticos más reconocidos hasta hoy de su periodo histórico. Sin embargo lo que realmente ha vuelto a Klimt un referente importante de la historia del arte no es su uso del dorado, sino su capacidad de transmitir por medio de su uso del dibujo y del color dentro de sus obras.

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Estudio de ‘Lasciviousness’ de ‘The Beethoven Frieze’ de Gustav Klimt.

Aprender durante la práctica.

Como podrás imaginar, Klimt realizó muchos dibujos para poder obtener los resultados que buscaba, por ejemplo, en algunos de los dibujos de La Medicina, dibujó una corriente de bebés flotantes. Hizo muchos dibujos del mismo bebé, en la misma pose, y solo cambió las bocas (abiertas, cerradas, relajadas, tensas). Estaba buscando la expresión que comunicara más claramente los pensamientos y emociones del personaje.

Cuando comparas sus bocetos con las pinturas finales, parece que la visión de Klimt para cada pintura se hizo más clara con cada boceto. Básicamente sus bocetos cobraron más vida a medida que su visión se hizo más clara. Por eso no te conformes, haz todos los bosquejos que necesites, hasta lograr la perfección en lo que deseas expresar.

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Jean-Michel Basquiat, precursor del arte urbano

diciembre 26, 2019

Jean-Michel Basquiat  fue un influyente artista afroamericano que alcanzó el éxito durante la década de 1980. Las pinturas de Basquiat son en gran parte responsables de elevar a los grafiteros al reino de la escena de la galería de Nueva York.

Sus coronas pintadas con aerosol y sus palabras garabateadas, hicieron referencia a todo, desde su herencia haitiana y puertorriqueña, hasta cuestiones políticas e íconos de la cultura pop.  Las marcas gestuales y la naturaleza expresiva de su trabajo no solo lo alinearon con el arte callejero de Keith Haring y Kenny Scharf, sino también con los neoexpresionistas Julian Schnabel y David Salle.

Historia

Jean Miguel Basquiat nace en Brooklyn, Nueva York, en el año 1960. Desde su infancia temprana mostró gran interés en el arte, aprendiendo a dibujar y pintar con el estímulo de su madre. Juntos asistieron a las exhibiciones del museo de la ciudad de Nueva York. A la edad de seis años, Jean-Michel era un miembro menor del Museo de Brooklyn.

El arte de Basquiat se basó fundamentalmente el movimiento de grafiti con sede en la ciudad de Nueva York, durante la década de 1970.

Su primera pintura, que data de 1979-1980, es una obra relativamente pequeña titulada “Sin título”. Fue realizada en acrílico, sangre, tinta y collage de papel sobre papel.  En el año 2017, esta pintura estableció el record de subasta por el multimillonario japonés Yusaku Maezawa, comprando la obra del artista “Sin título” en Sotheby’s por $ 110.5 millones.

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Título: Sin título. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1981.Técnica: Acrílico y técnica mixta sobre lienzo. Dimensiones: 205.7 x 175.9 cm. Colección: Privada

Después de incluir su trabajo en el histórico Times Square Show de punk-art de junio de 1980, Basquiat realizó su primera exposición individual en la Galería Annina Nosei, en SoHo (1982). 

El ascenso de Basquiat a un reconocimiento más amplio, coincidió con la llegada en Nueva York del movimiento neoexpresionista alemán. Este movimiento, proporcionó un foro acorde para su propio expresionismo callejero. 

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Título: All Colored Cast (Part III). Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1982. Técnica: Acrílico y crayon sobre lienzo. Dimensiones: 152.5 x 152.5 cm. Colección; Privada.

En 1985, un artículo de la revista New York Times declaró a Basquiat el joven artista estadounidense de la década de 1980. Desafortunadamente, Basquiat se estaba volviendo cada vez más adicto a la heroína y la cocaína, lo que condujo a su trágica muerte en 1988 a la edad de 27 años. 

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Título: Gold Griot. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1984. Técnica: Aceite y pintura al óleo sobre madera. Dimensiones: 297.2 x 185.4 cm. Colección: The Broad Art Foundation, Santa Monica

Influencias en su estilo 

Basquiat también hizo uso frecuente de motivos caribeños y africanos. Sus motivos hicieron hincapié sobre la historia y  la riqueza cultural de la diáspora africana, sus raíces caribeñas y la épica lucha histórica de los afroamericanos. Así, utilizó en su arte dichos temas yuxtapuestos contra poemas crípticos de la conciencia, imágenes de personajes de dibujos animados, logotipos de marcas o los nombres de los cuerpos planetarios. 

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Título: Riddle Me This, Batman. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1987. Técnica: Acrílico y crayon sobre óleo. Dimensiones: 297 x 290 cm. Colección: Privada

También  empleó dispositivos visuales extraídos de la subcultura de escritura de graffiti de Nueva York, como el tachado de nombres para significar un desafío. Además hizo uso de terminología médica extraída de las páginas de Gray’s Anatomy, un libro que su madre le había regalado cuando tenía 7 años.

El uso del Color en su Arte


Una de las mayores fortalezas de Basquiat, fue el  uso del color al servicio de su agenda figurativa y narrativa.  Utilizó el color sin mezclarlo estructuralmente, con pinceladas directas y teatrales.  Su paleta era saturada y subtropical con colores “rosas soleados de Florida, verde manzana, amarillo de jardín de infantes y aguamarina pálida”. Así como también usó colores brillantes, fuertes, oscuros y turbios. 

Para dibujar garabatos al azar, el color fue una importante herramienta. Pero aunque el color mantiene unidas sus imágenes, sus pinturas se dibujan tanto pintadas con trazos rápidos, seguros y lineales, como rascadas en el color húmedo con el mango de un pincel. 

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Título: Obnoxious Liberals. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1982

Técnicas aplicadas por Jean-Michel Basquiat

La forma de comunicación central de Basquiat en sus obras, era mantener al espectador en un estado de conocimiento y misterio dentro de cierta familiaridad. El espectador podía leer sus imágenes sin un esfuerzo extenuante en lo que se refería a las palabras, imágenes, colores y construcción. Sin embargo, era difícil descubrir el punto que señalaban, ya que los niveles más profundos de significado estaban oscurecidos. 

Basquiat eligió la libertad de la que disfrutan los grafiteros que pintaron en los subterráneos de Nueva York durante los años setenta y ochenta. Estas creaciones incluso continúan hasta el día de hoy en las paredes de los edificios de toda la ciudad. Estas grandes pinturas y dibujos móviles podrían ser exhibidas en galerías, museos y adquirido por coleccionistas.

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Título: Profit I. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1982. Técnica: Acrílico, pintura en spray sobre lienzo. Dimensiones: 220 x 400 cm. Colección: Privada

Las Palabras como elementos pictóricos

Basquiat pintó tachando sin cesar palabras, volviéndolas a escribir, corrigiendo, enfatizando y borrando. Utilizó partes del cuerpo, partes de máquinas, figuras, dibujos animados, símbolos exclamativos, declaraciones, sellos oficiales, animales de corral, gráficos, números, diagramas científicos, fórmulas e innumerables palabras sueltas.  Muchas de sus pinturas más reconocidas están llenas de palabras e imágenes. 

Cuando no podía comprar lienzos usaba trozos desechados de madera que conseguía en la calle. También usaba óleo en barra, creyones, pintura en spray y lápices y sacaba palabras de los menús, cómics y libros de texto. Por lo tanto, mantenía estos recursos en el piso de su estudio, trabajando con múltiples proyectos a la vez.

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Título: Eroica I. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1988. Técnica: Acrílico y pincel sobre lienzo. Dimensiones: 230 x 225.5 cm. Colección: Privada

Relatos y Protagonistas en sus Pinturas

Basquiat reutilizó experiencias actuales e historia del arte y las convirtió en un lenguaje visual inventivo. Esto lo logró al crear anatomías astilladas, re-imaginando escenas históricas y trasplantando calaveras de naturalezas muertas clásicas.

Trabajaba como si se insertara en el legado de los artistas que seguía y producía collages que eran tanto una conversación con la historia del arte como con ellos mismos.

Estas pinturas caóticas ganaron rápida aclamación y atención. Pero a pesar de su creciente audiencia general, Basquiat insistía en pintar temas desafiantes sobre la identidad y la opresión. Figuras marginalizadas como prisioneros, cocineros y conserjes se muestran en el centro de la escena.

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Titulo: Irony of the Negro Policeman. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1981, Técnica: Acrílico, crayon y lienzo. Dimensiones: 183 x 122 cm. Colección: Privada

Su obsesión con los cuerpos, la historia y la representación puede observarse en sus obras que evocan el comercio trasatlántico de esclavos y la historia africana. También creó numerosas piezas que tratan de las relaciones raciales contemporáneas.

En menos de una década Basquiat creó miles de pinturas e ilustraciones, así como esculturas y fragmentos de poesía y música.

Título: History of the Black People. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1983

El Legado de Jean-Michel Basquiat

En su corta y problemática vida, Jean-Michel Basquiat llegó a desempeñar un papel importante e histórico en el surgimiento del arte punk y el neoexpresionismo en la escena artística de Nueva York. Mientras que el público en general se aferró al exotismo superficial de su trabajo y quedó cautivado por su celebridad de la noche a la mañana, su arte, a menudo descrito incorrectamente como “naif” y “étnicamente valiente”, mantuvo importantes conexiones con precursores expresivos, como Jean Dubuffet y Cy Twombly .

Luego de su desaparición, Basquiat y su trabajo continúan sirviendo para muchos observadores como una metáfora de los peligros del exceso artístico y social. Aunque el valor de su obra aumentó, la energía y el estilo de sus piezas han tenido un impacto más grande que su valor monetario. Incluso hoy en día vemos su influencia en la música, la poesía, la moda y películas. Sin duda su arte sigue siendo uno de los principales precursores del arte urbano actual.

Título: Riding with Death. Artista: Jean-Michel Basquiat. Fecha: 1988. Técnica: Acrílico, crayón  y lienzo. Dimensiones: 249 x 289.5 cm. Colección: Privada

La Paleta limitada de Zorn

noviembre 6, 2019

Una paleta limitada no sólo es usada por pintores principiantes. Muchos artistas profesionales limitan la cantidad de pigmentos con los que trabajan. Uno de los artistas más conocidos por hacer esto fue Anders Zorn.

Anders Zorn, fue un pintor sueco de finales del siglo XIX (creador de la paleta de colores que lleva su nombre). Este autorretrato (1896) fue creado con la “paleta Zorn” de cuatro colores, la cual puedes observar en su mano izquierda.

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Título: Autorretrato con modelo. Artista: Anders Zorn (1860–1920). Fecha 1896. Media: óleo sobre lienzo. Dimensiones: Altura: 117 cm (46 ″); Ancho: 94 cm (37 ″). Colección: museo nacional de Suecia

La paleta de Zorn

La paleta Zorn a menudo se considera compuesta por los colores: amarillo ocre, rojo bermellón, negro marfil y blanco. Algunos creen que usó un rojo cadmio en lugar de bermellón; de todos modos, el rojo de cadmio es un sustituto moderno del bermellón (el cual es muy tóxico). Sin embargo, lo que realmente importa es lo que podía lograr usando solamente estos dos colores más blanco y negro.

Estos cuatro pigmentos son capaces de crear una gama completa de colores, a pesar de que se emplea el azul. El matiz azulado del negro marfil le permite actuar como azul. Además, se puede mezclar con bermellón para crear morados apagados, y con amarillo ocre para sugerir verdes. La Paleta de Zorn también es efectiva para crear ricos colores oscuros y hermosos grises.

Así la Paleta Zorn da como resultado pinturas sutiles y tonales. Sin embargo, ésta puede no satisfacer a los artistas con una pasión por el color. Incluso el mismo Zorn no la usó de forma exclusiva.

¿Cómo emplear la paleta de Zorn?

Para que tengas una idea específica de cómo emplear la paleta Zorn, hemos seleccionado su obra titulada Magrit (1891). A partir de esta obra, voy a mostrarte cómo puedes jugar con la paleta Zorn. De esta manera te familiarizarás con ella y posteriormente decidir si te gustaría trabajar con ella o si deseas agregarla en tu arsenal de pinturas.

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Título: Margit. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1891. Media: Óleo sobre lienzo, 78 x 63,7 cm.

En primer lugar, veamos por qué Zorn eligió el negro marfil en lugar del azul cobalto:

Por muchos siglos los colores azules fueron algunos de los colores más caros a los que un artista pudiera acceder. Por la misma razón los pintores solían no emplear el color azul para realizar mezclas con otros colores. Sólo empleaban este pigmento para aplicarlo en cielos o en ropas de personajes especiales. En realidad este color era tan caro que a menos que pintaran un encargo para alguien muy adinerado el color ni siquiera aparecía en sus obras. De hecho el área de un lienzo pintada con azul podría determinar el precio final de una obra.

Por esta razón los pintores barrocos y previos al barroco desarrollaron formas de pintar en las que el color azul no era empleado. La paleta de Zorn deriva en realidad de estos métodos más antiguos de pintar. Estos métodos siguieron siendo muy influyentes hasta el siglo XIX y hoy en día están de nuevo tomando fuerza.

Lo más interesante de una paleta con rojos, amarillos, naranjas, negro y blanco es que es magnifica para pintar la piel. De hecho, pintar la piel con esta paleta puede ser incluso más fácil que con una paleta con azul. Lo sensacional de esta paleta para pintar la piel tiene que ver con su posibilidad para generar encarnaciones. Otra ventaja de usarla son los tonos de verdaccio que pueden ser logrados con ella.

¿Cómo Zorn pudo crear todos esos matices de una paleta de solo 4 colores? 

En su obra Magrit (1891), los tonos más notables son los rojos, entre ellos el color rojo oscuro que se ve sobre la falda. Esta tonalidad la logró con la mezcla entre el color negro marfil y el color rojo, este último en cantidad suficiente para obtener la sensación de enrojecimiento que allí se observa. Así como también se observa un  color rojizo más claro en el detalle del cabello. Dicho tono la alcanzó al mezclar los colores rojo, blanco y negro marfil.

Otro punto importante es cómo logró la sensación del color verde de una manera tan sutil. Su importancia radica en cómo se ven todos los colores en conjunto uno al lado del otro lo que genera la sensación final visual. Por lo tanto, se mezcla un poco de negro marfil y blanco hasta obtener un color gris. A dicho color se le añade un poco de amarillo ocre hasta lograr la coloración verdosa. Esta coloración puede cambiar en su tonalidad al agregar más o menos blanco. A este tipo de colores verdosos logrados con la mezcla de negro, amarillo y un poco de blanco es a los que llamamos verdaccios.

Cabe destacar que esta tonalidad verdosa se acentúa cuando se encuentra próxima al color rojo. Este efecto tiene su causa en el principio de contraste simultáneo característico de los cuadros pintados con la paleta de Zorn.

Detalle de la coloración verdosa en el lienzo de Margit

La paleta de Zorn y el Contraste Simultáneo

El citado contraste simultáneo produce un efecto ampliamente utilizado por los impresionistas y teóricos del siglo XIX. Este ocurre al colocar ciertos colores junto a otros. Por ejemplo, si se rodea un parche de color gris claro con un campo de color amarillo más oscuro, el gris tomará un tono violeta. Es decir, parecerá algo violeta. Entonces, si colocas algo de gris al lado de un campo de color, parecerá ser el complemento del campo de color circundante. Un campo naranja hará que el gris se vea azul, y un campo rojo hará que se vea verde. Como no hay azul en la paleta de Zorn, el contraste simultáneo es esencial para que dicho matiz aparezca.

Tonalidad azul por el contraste entre los colores negro marfil y naranja

Por lo tanto, usando los colores complementarios es posible enfatizar el color de interés. Sólo tienes que colocar su color complemento cerca o colores cercanos en matiz al complementario.

Si además deseas que la pintura aparezca más alta en croma, considera el contrate simultaneo que ocurre entre grises y colores puros. De esta manera, puede “engañarse” al ojo fácilmente  y aparentar que los colores utilizados son mucho más puros y brillantes que los que realmente son.

Colores fríos y cálidos de la paleta de Zorn

Por otra parte también es posible obtener colores cálidos y fríos con la paleta de Zorn. Por ejemplo, el color gris cálido que se obtiene de la mezcla entre los colores negro marfil, amarillo ocre y blanco. El gris frío se obtiene de la mezcla entre los colores negro marfil y blanco. La combinación de las tonalidades frías y cálidas de los colores permite el enriquecimiento de la obra en general.

Es importante tener en cuenta que al utilizar la paleta de Zorn algunos de los colores son más dominantes que otros. Por ejemplo, el amarillo ocre es más débil, por lo tanto al utilizarse es necesario utilizar una mayor cantidad del mismo para evitar que sea oblitearado al mezclarse con un color dominante como el negro marfil.

Zorn realizó una gran variedad de retratos utilizando esta paleta de colores ya que a partir de ella obtenía un rango amplio de los ya mencionados tonos de piel, tanto verdaccios como encarnaciones.

Título: Autorretrato con pieles. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1915
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Título: Un retrato de las hijas de Ramón Subercaseaux. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1892

Finalmente, es importante reconocer que el uso de estos tres pigmentos como primarios permite obtener y mezclar colores “secundarios”.

Por ejemplo, la mezcla entre el rojo y el amarillo da el naranja. El color naranja resultante es apagado ya que el amarillo ocre es bajo en croma. El color rojo bermellón más negro marfil da una gama de tonalidades violetas. Estas tonalidades violetas resultantes serán apagadas porque usas el negro. Por otra parte, la mezcla entre el amarillo ocre y negro da como resultado un tono verde apagado. Pintar con dicha paleta apagada te ayudará a pensar en los valores, el croma y la aplicación de pintura de formas diferentes a como los colores puros y brillantes lo harán.

Un circulo cromático a partir de la Paleta de Zorn

El circulo cromático es un recurso muy importante para todas aquellas personas que deseen iniciarse en el área de la pintura. Dicho recurso permite conocer y jugar con las propiedades que brindan las pinturas de manera matemática. Y gracias a ellas conocer muchas de las posibilidades de colores en una paleta. Por ejemplo, los valores resultantes de las mezclas, su temperatura y como distintas mezclas se comportan y cambian con la adición de blanco, entre otras cosas. 

Hacer esto entrena el ojo de manera que este pueda detectar con mayor facilidad los cambios sutiles en el valor. Y al final quedan estos fantásticos gráficos que puedes usar una y otra vez para enriquecer tu proceso creativo de pintura.

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Paleta circular de Zorn.

Algunas escalas de colores adaptadas para la paleta Zorn que a menudo se usan para retratos o figuras, consisten en tablas donde se mezclan los que podríamos denominar los “colores primarios” de esta paleta. Se trata de rojo cadmio (tradicionalmente bermellón), amarillo ocre, negro marfil (el “azul” en esta línea) y blanco de titanio. 

En el anterior circulo cromático se muestra a partir de ellos la primera escala de los colores “secundarios” (delineados en blanco): naranja, verde y morado. Así como también estos últimos se pueden mezclar desde los primarios terrosos (delineados en gris).

Paleta de Zorn a partir de colores complementarios

La magia de la paleta de Zorn se manifiesta aún más al mezclar cada color secundario con el color que ocupa el lugar de su “complementario”. De esta manera tendrás una idea de cuán amplio rango de colores neutros es posible lograr con esta paleta. “Verde” con rojo de cadmio, naranja con negro marfil y morado con ocre amarillo.

La paleta “verde”, mezclada con rojo de cadmio complementario.  
La paleta Naranja mezclada con el negro marfil complementario.
La paleta Púrpura mezclada con el amarillo ocre complementario.

Así, esta paleta permite tener un mayor control de los colores que se requieran utilizar al momento de pintar, en especial al pintar la piel. Sin embargo dicha paleta es muy útil para todos los artistas en general, no solamente a los interesados en pintar la piel.

Al pintar con una paleta de colores tan limitada, los artistas se ven obligados a utilizar los colores de otras formas. En este proceso puedes darte cuenta que en realidad lo que ellos consideraban de un cierto color realmente es de otro. Esta enseñanza que nos ofrece esta y otras paletas limitadas es invaluable para aprender a ver y emplear el color asertivamente en la pintura.

Algunos artículos afines a este tema son:

Cómo mejorar nuestra paleta de colores (Parte 1)

Teorías en el uso del color durante el neo y post- impresionismo.

Pintar la piel con la paleta de Zorn

Los dos titanes de la pintura francesa del siglo XIX: Ingres y Delacroix.

octubre 14, 2019

A menudo se considera que la rivalidad entre Jean-Auguste-Dominique Ingres y Eugene Delacroix, los dos titanes de la pintura académica francesa del siglo XIX, encarna el conflicto entre el neoclasicismo basado en la tradición y el romanticismo inconformista de la época.

Esta tensión entre el neoclasicismo y el romanticismo continuó durante la primera mitad del siglo XIX, ya que los pintores tendían a ponerse del lado de Ingres o del estilo pictórico del pintor más joven Eugène Delacroix.

A pesar de sus profundas diferencias, Delacroix e Ingres tenían mucho en común. Compartieron un gusto por lo exótico, un amor por la música y una gran ambición inspirada en el arte del pasado. 

Ingres: símbolo de la perfección formal del clasicismo académico.

La obra de Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) ha sido interpretada como el símbolo de la perfección formal del clasicismo académico, opuesto a las experiencias románticas de Eugène Delacroix.

Fue poseedor de un estilo inconfundiblemente personal, caracterizado por el entrecruzamiento de dos propuestas estilísticas: Neoclasicismo y Romanticismo.

La oposición de ambos lenguajes pictóricos no fue materializada de forma plena, puesto que en gran parte de las obras se entremezclan y conviven los dos estilos en distintas dosis.

En Francia, el debate entre neoclásicos y románticos fue muy encendido. Ingres se encuentra dividido entre dos valores contradictorios: la elección del impulso creador personal y la obligación de someterse a las reglas clásicas.

Audacia Pictórica 

Veinte años mayor que Delacroix, fue el primero en comprender la importancia de experimentaciones formales originales, pero demasiado temprano para un público anclado todavía en la tradición neoclásica. En el Salón de 1819, Ingres había puesto las bases de su estilo exponiendo «La gran Odalisca», pintada en 1814 para Carolina Murat junto con otro desnudo, hoy desaparecido, que le valió la reprobación de la crítica. La audacia suprema residía tal vez en el hecho de presentar en el Salón un desnudo femenino desprovisto de todo pretexto mitológico o histórico, y además de gran formato.

Ingres tiene en cuenta la creciente fascinación del público por el exotismo oriental, tema que se había puesto muy de moda. Pero mientras Delacroix hace del desnudo un tema romántico, Ingres mantiene en él una noble pureza clásica. El pintor goza del favor de un crítico como Théophile Gautier pero también de la hostilidad de un Théophile Thoré, reprochándole «haber buscado solo la belleza en sí misma, sin ningún tormento social, sin preocuparse de las pasiones que agitan a los hombres, ni del destino del mundo.»

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Título: La Gran Odalisca. Artista: Jean-Auguste- Dominique Ingres. Fecha: 1814. Dimensiones: 91 cm × 162 cm. Colección: Departamento de Pinturas del Louvre.

Predominio de la Línea sobre el color 

Para Ingres, siguiendo la teoría estética neoclásica, el dibujo es el elemento esencial de la pintura. Defendió el predominio de la línea sobre el color, llegando a afirmar lo siguiente:

“El dibujo comprende tres cuartas partes y media de lo que constituye la  pintura”

Formalmente su pintura reúne características clásicas: color supeditado a dibujo, acabado preciosista, así como un detallismo pulcro y refinado.

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Título: Rafael y la Formarina. Artista: Jean – Auguste- Dominique Ingres. Fecha: 1814. Dimensiones: 68 x 55 cm. Colección: Museo Fogg

Tradición Clásica

Dentro de la tradición clásica, Ingres continúa ejecutando obras para el Estado francés. Con «La apoteosis de Homero», para el plafón de una de las salas del Museo Charles X y presentada en el Salón de 1827. La presencia en el fresco de personajes como Rafael y Mozart subraya el estrecho vínculo entre la Antigüedad clásica y la civilización europea moderna.

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La apoteosis de Homero. Artista: Jean – Auguste- Dominique Ingres. Fecha: 1827. Dimensiones: 386 cm × 515 cm. Localización: Museo del Louvre, París, Francia

Ingres se consagra como retratista de la nobleza

En Martirio de san Sinforiano, Ingres se enfrenta a la violencia y al movimiento de la muchedumbre. Lo violento de la escena recuerda «La matanza de los Inocentes» de Guido Reni; las imponentes musculaturas y los audaces escorzos de algunas figuras se basan en el Juicio Final, la obra de Miguel Ángel tan admirada por los románticos.

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Título: El martirio de San Sinforiano. Artista: Jean Auguste Dominique Ingres. Fecha: 1824-34. Medio: óleo sobre lienzo. Colección: Cathédrale Saint-Lazare d’Autun

La mala acogida que tuvo el «Martirio de san Sinforiano» incita a Ingres a marcharse a Roma como director de la Villa Médicis, consagrándose casi totalmente y por razones financieras, al retrato. Ingres se convirtió en el retratista refinado de la nobleza y la alta burguesía.

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Título: Señorita Caroline Rivière. Artista: Jean- Auguste- Dominique Ingres. Fecha: 1806. Dimensiones: 100 cm × 70 cm. Colección: Museo del Louvre

Eugène Delacroix: Figura Central del Romanticismo Francés

Eugène Delacroix  (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798-París, 13 de agosto de 1863) fue el artista más representativo de la pintura romántica pintando de forma apasionada escenas dominadas por una poderosa imaginación, haciendo estallar la jerarquía de los géneros por la intrusión de escenas de masacre o de horror, y por la violenta utilización de los colores, lo cual acentúa aún más su dramatismo. Su padre pertenecía a esa raza de hombres fuertes; unos eran fervientes apóstoles de Jean-Jacques y otros discípulos determinados de Voltaire. Todos colaboraron con la misma obstinación en la Revolución francesa, y sus sobrevivientes, jacobinos o franciscanos adhirieron con perfecta buena fe a las intenciones de Bonaparte.

Se le reconoce por siempre estar en contra de las normas impuestas por las academias de arte y ser un hombre de una personalidad compleja.

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Título: Autorretrato con chaleco verde. Artista: Eugène Delacroix. Fecha: 1837. Dimensiones: 65 centímetros x 54.5 centímetros. Colección: Museo del Louvre

Delacroix y sus inicios en el arte

Se codea entre escritores como Stendhal, Mérimée, Victor Hugo, Alexandre Dumas, Baudelaire, y con músicos como Paganini, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Franz Schubert, entre muchos otros, protagonistas de un auge de ilustración que se expandía por Europa. La razón de esto se debe a que prefería la compañía de estas figuras del arte antes que de sus propios compañeros pintores, pues sentía un fuerte aprecio por ellos e incluso algunos fueron representados en sus obras.

La destreza su arte comienza a hacerse notar a partir de dos ambiciosos cuadros: Dante y Virgilio en los infiernos (1822) y La matanza de Quíos (1824), en estos condensa todos sus conocimientos adquiridos, trabajando finamente los colores, luces y músculos. Delacroix también tenía una inspiración muy clásica cuyos preceptos podrían resumirse en que la experiencia se entiende como la estética de una época que se inscribe en la constante mención de las tradiciones que conformaron la ideología del s. XIX y la atracción que sentían por lo exótico. Esto se debe a que estaba rozando la era del imperialismo y la conquista de tierras ajenas al mapa occidental. 

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Titulo: La matanza de Quíos. Artista: Artista: Eugène Delacroix. Fecha: 1824. Dimensiones: 417 cm × 354 cm. Colección: Museo del Louvre.

La Barca de Dante 

Delacroix, deseoso de darse a conocer, presenta en el Salón de 1822 «La barca de Dante», obteniendo su primer éxito. En el cuadro, Delacroix mitiga sus audacias formales, bien reales y portadoras del porvenir, por el deseo de mostrar que era un verdadero pintor. Como Géricault, el artista exaltó las poderosas morfologías inspiradas por Miguel Ángel, como la figura de la mujer, realizada a partir de un modelo masculino. La barca de Dante es una reminiscencia del «Juicio Final» de Miguel Ángel en la capilla Sixtina. El pintor, no habiendo estado nunca en Italia, no podía conocer el fresco más que por el grabado.

Dante, con ropa medieval, es reconocible por su caperuza roja y su nariz aquilina, Virgilio, coronado de laurel, fue probablemente inspirado por una moneda antigua. Delacroix juega con los contrastes. El cuadro obtuvo un gran éxito, y fue muy alabado por el pintor napoleónico Barón Antoine-Jean Gros. Otro que lo ensalzó en la crítica periodística fue Thiers, el futuro estadista, que siempre admiró mucho a Delacroix.

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Titulo: La barca de Dante. Artista: Eugène Delacroix. Fecha: 1822. Dimensiones: 1822. 189 cm × 241 cm. Colección: Museo del Louvre.

Delacroix en Inglaterra

En mayo de 1825 se trasladó a Inglaterra y permaneció allí unos meses, estudiando a los pintores ingleses en compañía de dos amigos: Bonington y Fielding. Allí estudió el uso de los colores, investigación que terminó de consolidar en 1832 en su viaje a Marruecos. La luz de aquel lugar, las gentes y los paisajes impactarían en su imaginación y obra posterior. Eugène Delacroix se perfila como exponente del romanticismo francés por los rasgos que combinan erotismo y muerte, decorados orientales, dominio del color sobre la línea, e intentar plasmar la voluntad del hombre como factor fundamental.

En Inglaterra se interesó por Shakespeare, por el Fausto de Goethe y por la lectura de Byron, y también, a través de Bonington, en el cultivo de la acuarela. Delacroix ejecutó poco después otra obra: “La muerte de Sardanápalo”, tema inspirado en Byron y que representa al rey de Nínive.

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Titulo: La muerte de Sardanápalo. Artista: Eugène Delacroix. Fecha: expuesta en París en el Salón de 1827. Dimensiones: 392 cm × 496 cm. Colección: Museo del Louvre.

Un pintor rebelde

En la pintura “La muerte de Sardanápalo” las dos grandes manchas luminosas que forman los dos principales cuerpos femeninos ofrecen el mismo esplendor de las grandes realizaciones de Rubens. El cuadro valió a su autor enorme fama por su potente estilo, y el vizconde de La Rochefoucauld, que en aquel momento desempeñaba el cargo de intendente de Bellas Artes, prometió a Delacroix encargos oficiales si cambiaba su modo de pintar, a lo que el artista se negó.

Inspirada por una obra de teatro de Byron, esta pintura rompía con los cánones tradicionales de orden, de decoro y de racionalidad.

El cuadro fue atacado por la crítica académica por la novedad de la composición considerada demasiado violenta y la utilización de colores “extremadamente” brillantes.

A partir de ahora, el arte romántico exaltará la fe en uno mismo. La diferencia entre la postura racional del artista neoclásico y el mundo subjetivo del artista romántico puede ser resumido en estas palabras de William Blake: «El talento piensa, pero el genio ve.»

 Esta concepción del rol del artista, aparecida en el siglo XIX, jugó un papel determinante en la evolución del arte moderno.

La libertad guiando al pueblo

El lienzo simboliza la Revolución de 1830, mostrando una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia.

La “Libertad guiando al Pueblo” es el homenaje que Delacroix dedicó a los insurrectos de París y presenta una escena la vez histórica y alegórica en la cual por primera vez, la historia contemporánea de Francia se incorpora a la representación pictórica romántica.

La figura de una joven y hermosa mujer que encarna a la libertad y arenga a la gente, preside la escena; va ataviada con el gorro frigio de la República y su vestimenta desgarrada deja su pecho al descubierto. Su brazo derecho enarbola la bandera tricolor, el izquierdo un fusil con la bayoneta calada y camina sobre los restos de una barricada mientras el pueblo enardecido la va siguiendo.

Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo. Fue presentada en el Salón de 1831 y adquirido por Luis Felipe para el Museo Real, quien no tardó en protegerle. Entonces se designó a Delacroix para tomar parte en una misión diplomática que Luis Felipe de Francia envió al Sultán de Marruecos.

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Título: La Libertad guiando al pueblo. Artista: Eugène Delacroix. Fecha: entre octubre de 1830 y diciembre de 1830. Dimensiones: 260cm × 325cm. Colección: Museo del Louvre.

Rivalidad artística entre Ingres y Delacroix

A menudo se considera que la rivalidad entre Jean-Auguste-Dominique Ingres y Eugene Delacroix, los dos titanes de la pintura francesa del siglo XIX, encarna el conflicto entre el neoclasicismo basado en la tradición y el romanticismo inconformista de la época.

El romanticismo no puede considerarse como un movimiento organizado; es la necesidad del artista de expresar libremente sus sentimientos, un estado de alma que se difunde por toda Europa a comienzos del siglo XIX, y se desarrolla en oposición al neoclasicismo.

Escribiendo para la revista Art History, Andrew Carrington Shelton cita un artículo de 1832 de un crítico anónimo como la primera vez que se presentó la disputa:

Es la batalla entre genios antiguos y modernos: Ingres pertenece en muchos aspectos a la época heroica de los griegos; quizás sea más escultor que pintor; se ocupa exclusivamente de líneas y formas, descuidando intencionalmente la animación y el color. Delacroix, por el contrario, sacrifica deliberadamente los rigores del dibujo a las exigencias del drama que representa; su actitud, menos casta y reservada, más ardiente y animada, enfatiza el brillo del color sobre la pureza de la línea.

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Titulo: Caricatura de Delacroix e Ingres en duelo frente al Instituto de Francia, c.1828. Grabado Colección privada. Derechos fotográficos: Librería de arte The Bridgeman.

PD: Gracias por tomarte el tiempo de leer esta publicación y espero que hayas aprendido algo nuevo! Si la publicación te pareció útil, compártela.

Elementos de la pintura en acuarela de John Singer Sargent y William Turner

octubre 1, 2019

En este artículo conocerás aspectos de la forma de trabajar la acuarela de los famosos artistas del medio J.M.W. Turner y John Singer Sargent.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851) es a menudo descrito como el mejor pintor de paisaje en acuarela del siglo XIX. Estaba fascinado por los poderes de la naturaleza y transfirió esta pasión al lienzo mediante sus vibrantes acuarelas.

Tampoco hay duda de que a Sargent (1856-1925) le encantaba la acuarela. Desde el momento en que estudió por primera vez a los maestros en museos y se enamoró de la pintura, utilizó la acuarela para pintar. Y como cualquier verdadero maestro, pudo transferir las técnicas de acuarela que dominó a todos los demás medios con los que trabajó.

J.M.W. Turner

Turner a lo largo de su vida artística implementó todo lo que se entendía como posible dentro del medio de la acuarela. Viajero empedernido, rara vez salía de casa sin un cuaderno de bocetos, lápices y una pequeña caja de acuarelas de viaje. Estos recuerdos de viajes, emociones y fragmentos de paisajes vistos durante sus largas estancias en el extranjero ilustran el desarrollo de su lenguaje estilístico centrado en la experimentación técnica y el potencial expresivo de la luz y el color.

Libertad de expresión

El carácter íntimo y personal de las obras de Turner también brinda la oportunidad de explorar al hombre mismo, obteniendo una comprensión de cómo los desarrollos radicales en su estilo de pintura anticiparon las tendencias de finales del siglo XIX. Desde su amor por las ciudades costeras hasta su interés en representar paisajes atmosféricos ingleses y alpinos, y su estudio detallado de interiores domésticos y relieves arquitectónicos, Turner se dedicó incansablemente a la experimentación, particularmente en acuarelas, con libertad compositiva y estilística innovadora.

El sorprendente uso de colores que hizo Turner durante la creación de sus obras, llevó a sus compañeros a creer que él “parecía pintar con los ojos y la nariz, así como con la mano”.

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Título: La puesta de sol escarlata (1830). Artista: Joseph Mallord William Turner. Medio: Acuarela y gouache sobre papel. Altura: 13,4 cm (5,28 pulg.), Ancho: 18,9 cm (7,44 pulg.)

Combina lo Real y lo Romántico

La Era de la Ilustración del siglo XVIII marcó un momento en que los científicos y artistas se centraron en la importancia de la observación y el estudio. John Ruskin, el gran escritor inglés y crítico de arte de la época, escribió que J.M.W. Turner (1775-1851) “solía caminar por una ciudad con un rollo de papel delgado en el bolsillo para hacer algunos esbozos en una hoja o dos, que eran una indicación taquigráfica de todo lo que deseaba recordar. Cuando llegaba a su posada por la noche, completaba rápidamente la obra y agregaba todo el color necesario para registrar su plan de la imagen”.

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Título: Estudios de color (1) Bocetos. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 1834–6 Medio: Acuarela sobre papel. Dimensiones: 77 x 101 mm. Colección: Tate

Sin duda, Turner fue influenciado por la Era de la Ilustración, pero también fue producto de la Era Romántica (1789-1837), una época en que el arte y la ciencia estaban inexorablemente vinculados. Al igual que otros artistas románticos, no solo estaba interesado en la observación, sino también en la emoción. Sus sujetos a menudo tenían connotaciones simbólicas y su pincelada eran tan subjetiva como objetivas.

Representando la furia de la naturaleza

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Título: La quema de las Casas del Parlamento de Londres. Artista: J. M. W. Turner. Fecha: 1834 o 1835. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 36.2 ″ (92 cm); Ancho: 48.5 ″ (123.1 cm). Colección: Philadelphia Museum of Art

Cuando las Casas del Parlamento de Londres fueron consumidas por las llamas el 16 de octubre de 1834, Turner estaba en alta mar en un bote de remos, registrando rápidamente la dramática escena en su cuaderno de bocetos.  La escena fue capturada desde numerosos puntos de vista, por lo que cada acuarela tiene una perspectiva diferente del suceso.

Cuando Turner pintó este gran monumento en llamas, no se centró en los detalles. Pintó la furia de las fuerzas de la naturaleza. En sus manos, el fuego, el agua y el cielo lleno de humo se convirtieron en un evento apocalíptico.

Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm
Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm.
Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm.

Cuando miras la serie de bocetos del incendio que hizo en el sitio, puedes ver dónde literalmente atacó el papel con pinceladas furiosas. Y en un estudio del suceso realizado un año después, Turner todavía explora el tema de la furia de la naturaleza y lo desarrolla en versiones más ricas y complejas. De hecho, Turner estaba tan fascinado con el tema que lo pintaría una y otra vez tanto en acuarela como en óleos.

Creando atmósferas sublimes

Turner  “Se sintió particularmente atraído por los paisajes donde la tierra se encuentra con el agua, debido a los hermosos efectos causados ​​por la luz y el clima”.

En El lago de Lucerna de Brunnen, con un barco de vapor, Turner utilizó una acumulación de aguadas superpuestas para crear una vasta perspectiva, sumergiendo al espectador profundamente en el espacio de la imagen, con algunas masas de color definidas como sombras. Habiendo logrado este efecto, comenzó a agregar pequeñas manchas de color o detalles delineados usando un pincel muy fino. Drummond describe la serie de la que proviene esta obra como las acuarelas más sublimes, evocadoras y atmosféricas del artista que resultaron de sus viajes a Suiza.

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Título: El lago de Lucerna de Brunnen, con un barco de vapor. Artista: Joseph Mallord William Turner. Dimensiones: 9 ¾ x 12⅛ pulg. (24.8 x 30.8 cm).

Durante las décadas de 1830 y 1840, Turner utilizó pequeñas hojas de papel gris para algunos de sus bocetos más espontáneos. En estos, aprovechó el gris del fondo para exaltar las luces superficiales que colocaba con blanco y hacer que tanto ellas como los colores aparenten ser más vibrantes. Este sistema lo utilizó para crear imágenes de los espacios abiertos de Venecia, o vistas panorámicas sobre los ríos de Alemania.

Contraria a la forma en que hoy en día se trabaja la acuarela siempre sobre fondo blanco, Turner empleó muchos fondos distintos, dependiendo de lo que quería retratar sobre ellos. Así mismo Turner solía emplear en sus acuarelas el color blanco aplicado de distintas formas, práctica también contraria a lo que hoy en día muchos consideran la forma correcta de trabajar la acuarela.

Las hojas en que pintaba generalmente medían alrededor de 5 ½ x 7 ½ pulg., pero estaban dobladas y rasgadas de trozos de papel mucho más grandes.

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Título: Figuras a la orilla de Margate. Artista: Joseph Mallord William Turner. Medio: Acuarela. Dimensiones: 5¼ x 7¼ pulgadas (13.6 x 18.4 cm).

También utilizó las hojas grises de bolsillo, como en Figuras a la orilla de Margate (arriba), en este caso registró sus observaciones de la costa, cerca de su alojamiento en Margate en el sureste de Inglaterra. Además de la acuarela, creó las imágenes aplicando tizas, como reflejos blancos que sugieren tanto las olas espumosas cerca de la orilla como la caída de la luz en edificios distantes. Simultáneamente, el contraste entremezclado del tono más claro con los colores utilizados para las figuras crea una sensación dinámica de animación borrosa.

John Singer Sargent

“Vivir con las acuarelas de Sargent es vivir con la luz del sol capturada y mantenida”, dijo uno de los muchos biógrafos del artista.

John Singer Sargent tenía un enfoque fresco y seguro de la acuarela y para mantener expresiones fluidas, empleó gouache y cera resistente para crear reflejos.

Los caminos de Sargent

En Hombre con paños rojos, todo el espacio vibra con la energía de sus pinceladas.

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Título: Hombre con ropaje rojo. Artistas: John Singer Sargent. Fecha: Después de 1900. Medio: acuarela y grafito sobre papel blanco tejido. Dimensiones: 14 3/8 x 21 1/8 pulg. (36,5 x 53,7 cm)

El genio de la técnica de acuarela de Sargent radica en su capacidad para sugerir formas y detalles con solo unos pocos trazos. Un brillante ejemplo de su dominio y eficiencia es su representación del ombligo de la figura. Se deja un pequeño óvalo de papel en reserva; encima de él, un charco de pigmento más oscuro se reúne, como por accidente, para describir sus contornos.

Un gran pintor, un gran dibujante

Como lo demuestra su pincelada confiada, Sargent fue un excelente dibujante, como resultado de años de práctica constante. Un artista amigo, Adrian Stokes, al observarlo, señaló: “Una vez que se asentó su técnica… la rapidez y la franqueza con la que trabajó fue increíble… Su mano parecía moverse con la misma agilidad que cuando tocaba las teclas de un piano… fue mágico”.

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Título: Roma: un estudio arquitectónico. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1906-7. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimesiones: 34,9×50,2 cm

En Roma: un estudio arquitectónico (arriba) donde se ve un dibujo meticuloso (incluso se pueden ver sus trazos de lápiz en la parte superior de la base de la columna) y una aplicación más cuidadosa de la pintura. Sin embargo, permite que sus colores se mezclen libremente, insinuando la textura de la superficie de la piedra. Cada pintura muestra cómo Sargent se deleita en permitir que la acuarela haga lo suyo, definiendo todo el esquema con la menor cantidad de trazos posibles.

Usar bordes

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Título: Músicos ciegos. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1912. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 39,4×53 cm. Colleccion: Aberdeen Art Gallery & Museums.

En Músicos ciegos (arriba), las dos figuras se fusionan utilizando áreas húmedas con bordes lo suficientemente gruesos como para permitir que nuestra imaginación complete la imagen. Observa  cómo las áreas tonales claras, medias, oscuras y simples describen el sombrero, la cabeza y los hombros del músico de la derecha. También puedes observar su dibujo a lápiz inicial, particularmente en los dos instrumentos.

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Título: Grupo de soldados españoles convalecientes. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1903. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar, con color de cuerpo. Dimensiones: 29.9×40.7cm.

La obra Grupo de soldados españoles convalecientes (arriba) muestra las figuras fusionándose con el fondo oscuro. Su economía de trazo se ve claramente en la figura más cercana con los pliegues de los pantalones y las sandalias representadas con solo unos pocos movimientos del pincel. Con la tercera figura, Sargent ha usado gouache para separarla del fondo, pero, una vez más, ha empleado solo un par de golpes rápidos y seguros del pincel.

Crear áreas tonales

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Título (en inglés): Bed of a Torrent. Artista: John Singer-Sargent. Fecha: 1904. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 36x51cm.

Planear y vincular áreas tonales puede ser una de las tareas más desafiantes y en Bed of a Torrent (arriba) lo ha logrado de manera excelente. Le da sustancia a las piedras utilizando variaciones sutiles de color y tono creando la ilusión de docenas de piedras individuales, pero todas están unidas suavemente. En esta ocasión, ha usado el goache para crear los reflejos más brillantes y en ocasiones cera para bloquear áreas y mantener el color del fondo al trabajar wet on wet permitiendo que los brillos de ciertas piedras tomen el centro del escenario.

Jugar con la luz

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Título: Fuente española. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1912. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 53,3×34,6 cm.

Cualquiera de las acuarelas de Sargent no se vería fuera de lugar en una exposición moderna simplemente porque sus técnicas son tan emocionantes hoy como lo fueron en 1900. Su dominio de la luz probablemente se ilustra mejor en la obra Fuente española (arriba) donde ha logrado combinar de forma deslumbrante, directa y suave la luz reflejada.

A mi particularmente me encanta la representación de la cabeza y los hombros de la figura central. Observa cómo la luz del sol impactando la parte superior del cuerpo contrasta con la sombra proyectada en el hombro que a su vez contrasta con la sombra más oscura detrás. Sin embargo, en la escala tonal, este tono más oscuro no es más fuerte que el del medio. Esto sugiere perfectamente la luz reflejada y muestra qué tan bien pudo controlar este medio.

Si deseas seguir profundizando en el medio de la acuarela, te recomiendo consultar los siguientes artículos del blog:

Historia de la técnica de acuarela

Los mejores colores (pigmentos) para el medio de acuarela

La técnica mixta de Henri de Toulouse-Lautrec

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Los pintores más influyentes de todos los tiempos

septiembre 30, 2019

Desde el quattrocento italiano hasta el siglo XX han existido muchos artistas con gran reconocimiento por sus obras artísticas. En este artículo hemos seleccionado algunos de ellos. Sin embargo esta no es una fácil tarea. Es casi imposible elegir entre cientos de pintores espectacularmente talentosos y reducir una lista de los mejores pintores de todos los tiempos.

¿Qué hace grande a un artista? Se necesita talento, por supuesto, y un genio para la innovación.. Pero un artista verdaderamente grandioso se distingue por una habilidad única para tomar su momento en el tiempo y destilar su esencia para que el trabajo resultante se vuelva atemporal. Limitado al vestido y al peinado, por ejemplo, la Mona Lisa es solo una mujer del Renacimiento. Pero su expresión, sutil, ambigua, le ha dado una mística que sobrevivirá a las edades.

El objetivo de este artículo es reconocer cuáles fueron esos artistas que dejaron un legado importante a la historia del arte y por qué fueron tan importantes sus aportes.

1. JAN VAN EYCK (1390-1441)

Jan van Eyck fue una fuerza líder en la pintura flamenca del siglo XV, debido a sus innovaciones en el uso de la perspectiva óptica y el manejo de la pintura al óleo. Las transiciones graduales entre las áreas de color ahora eran posibles debido al tiempo de secado más lento de la pintura al óleo que, en comparación con el temple al huevo, permitió que los colores se usaran más específicamente para representar la perspectiva, el espacio profundo y el modelado realista. Van Eyck destaca especialmente también por su introducción de un nuevo realismo en obras religiosas y retratos, y su uso de colores brillantes y luminosos.

Los registros de la carrera profesional de Jan Van Eyck se encarnan en su primer trabajo ampliamente conocido, que es Retrato de un hombre con turbante rojo (1433). Algunas de sus numerosas pinturas incluyen El retrato de Arnolfini (1434). el díptico de La Anunciación, Crucifixión y Juicio Final (1430), Tríptico de Dresde (1437) y La fuente de la vida (1432). Era un artista respetado en su tiempo y sigue siendo una figura relevante en la pintura del Renacimiento del Norte hasta la fecha.

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Retrato de un hombre con turbante rojo (1433). Jan van Eyck. Medio: aceite en panel. Dimensiones: 15.5 × 19 cm (6.1 × 7.4 ″). Colección: National Gallery

2. LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Es casi imposible hablar de pintura sin mencionar al gran artista renacentista conocido como Leonardo Da Vinci.

Es difícil describir de manera concisa el legado de un hombre tan talentoso como Leonardo da Vinci. Desarrolló técnicas artísticas que se consideran perfectas. Su uso del punto de fuga, el efecto de desenfoque suave en su método sfumato, su comprensión de la relación entre la luz y la oscuridad en el claroscuro, y sus enigmáticas expresiones faciales crearon una calidad fascinante y realista en sus pinturas que nunca antes se habían visto.

Si bien gran parte de su arte se centró en la religión y los retratos, pintados en la época del Alto Renacimiento, que anunciaron el final de la edad oscura en la civilización occidental, fueron sus técnicas junto con su composición magistral las que contribuyeron con la mayor influencia en el arte occidental. De hecho, hasta el día de hoy, La Última Cena (1495–1498) y la Mona Lisa (1503) siguen siendo algunas de las obras de arte más reconocibles e icónicas del mundo, reproducidas sin fin en carteles y grabados, y profundamente arraigadas en la cultura popular contemporánea como piezas de gran significado histórico.

 Da Vinci es conocido principalmente como pintor, pero también fue inventor, científico, arquitecto, matemático, astrónomo, escritor y mucho más. Da Vinci fue un verdadero “hombre del Renacimiento”.

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Leonardo Da Vinci

3. RAFAEL (1483 – 1520)

Raphael era conocido como el genio de los pintores del Renacimiento. Cambió la forma en que las personas ven el arte pintando temas emocionales y la vida. Este gran artista lograba hacer que la gente pensara en la personalidad de los personajes al plasmar emociones realistas en sus pinturas.

Rafael es una figura influyente en el arte visual, que marcó con su obra la estética más valorada por las academias barrocas. Rafael creó el Retrato de Baldassare Castiglione (1514–1515), El triunfo de Galatea (1514), La bella jardinera (1507), Transfiguración (1516–20) y Madonna Sistina (1512). De todas sus impresionantes obras, es mejor conocido por La Escuela de Atenas (1509–1511), que sigue siendo una de las obras de la historia del arte más valiosas.

Como dijo Vasari, “los poseedores de dones tan raros y numerosos como se vieron en Rafaello da Urbino, no son simplemente hombres, sino dioses mortales”.

Joshua Reynolds, primer presidente de la Royal Academy en Londres, esperaba que los estudiantes de la escuela se inspiraran en la “chispa divina del genio de Rafael” y les ordenaba copiar los dibujos del gran artista como parte de sus estudios.

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Auto retrato. Artista: Rafael (1483-1520). Fecha: entre 1504 y 1506. Medio: temple sobre panel. Dimensiones: Altura: 47,5 cm (18,7 ″); Ancho: 33 cm (12.9 ″). Colección: Galería de los Uffizi

4. CARAVAGGIO (1571 – 1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio ha sido identificado alternativamente como un ejemplo del estilo manierista tardío, o como un presagio de la era barroca. Caravaggio fue una influencia artística formidable tanto en su tiempo como en periodos posteriores. En 1605, otros artistas romanos comenzaron a imitar su estilo característico, y poco después, artistas fuera de Italia como Rembrandt y Diego Velázquez estaban incorporando los dramáticos efectos de iluminación de Caravaggio en sus propias obras emblemáticas. El estilo de Caravaggio rápidamente ganó seguidores devotos, los ‘Caravaggisti’, quienes imbuyeron a sus composiciones con las cualidades del trabajo de Caravaggio.

Los elementos teatrales de las imágenes de Caravaggio y su iluminación cinematográfica permiten una fácil transferencia al cine y directores como David LaChapelle y Martin Scorsese lo han citado como una influencia en su filmación. En esto, han canalizado el poder y la franqueza de las imágenes de Caravaggio utilizando sus representaciones de cuerpos imperfectos y su capacidad de crear una narrativa desde el punto culminante para sumergir a los espectadores en su propio medio de narración.

Al igual que muchos artistas de este período, sus obras se centraron en temas religiosos y temas de la mitología griega. Entre sus obras más famosas: La vocación de San Mateo (1600), Judith y Holofernes (1599) y El Sepulcro de Cristo (1601-3).

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Título: Autorretrato como Baco. Artista: Caravaggio. Año: 1593. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 67 cm × 53 cm (26 in × 21 in) Ubicación: Galería Borghese, Roma.

5. PETER PAUL RUBENS (1571-1640)

Un artista de estupenda energía y fuerza que dirigía un estudio masivo, con fama prodigiosa como el artista más exitoso y prolífico de la Europa del siglo XVII, cuyas obras brillan con entusiasmo y perspicacia.

Peter Paul Rubens, pintor flamenco, era conocido por su estilo barroco de pintura. Tenía fama de ser uno de los mejores pintores barrocos flamencos. Rubens se sentía cómodo moviéndose entre las élites más influyentes de Europa: trabajó tanto para la iglesia católica como para las familias reales más poderosas del continente, incluidos los monarcas de Inglaterra, Francia y España.

Los temas del artista variaban de lo religioso a libidinoso, salvaje a elegante, incluyendo retratos, escenas de caza, obras devocionales y paisajes. Desde Sanson y Dalila (1609-1610), Autorretrato con su esposa Isabel Brant (1609-1610), El Descenso de Cristo de la Cruz (1612-1614), El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella (1622-1625), hasta la Asunción de la Virgen María (1626), Horrores de la guerra (1637-1638) y más.

Si alguna faceta del talento de Rubens puede unir temas tan dispares, es su uso del color. Para los artistas de finales del siglo XIX, Rubens era el héroe del colorismo, una tradición que llegó a los impresionistas a través de Delacroix. Los impresionistas vieron su uso del color como algo digno y admirable.

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Título: Autorretrato Artista: Peter Paul Rubens (1577–1640). Peter Paul Rubens: Autorretrato. Fecha: 1623. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 91.3 × 70.8 cm (35.94 × 27.87 in). Colección: Galería Nacional de Australia

6. DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1669)

El pintor español Diego Velázquez nació alrededor del 6 de junio de 1599 en Sevilla, España. Aunque sus primeras pinturas eran de temática religiosa, se hizo famoso por sus retratos realistas y complejos como miembro de la corte del rey Felipe IV.

El estilo naturalista en el que fue entrenado proporcionó un lenguaje para la expresión de su notable poder de observación al retratar tanto el modelo vivo como la naturaleza muerta. Estimulado por el estudio de la pintura veneciana del siglo XVI, se convirtió de un maestro de caracterización fiel y en el creador de obras maestras de impresión visual únicas en su tiempo. Con una brillante diversidad de pinceladas y sutiles armonías de color, logró efectos de forma y textura, espacio, luz y atmósfera que lo convierten en el precursor principal del impresionismo francés del siglo XIX.

En sus últimos años, el maestro español produjo un renombrado retrato del Papa Inocencio X y la famosa “Las Meninas”. Murió el 6 de agosto de 1660 en Madrid.

Título: Autorretrato. Arturo: Diego Velázquez. Dimensiones: 45 x 38 cm – Colección: Real Academia de Bellas Artes de San Carlos – Museo de Bellas Artes de Valencia

7. REMBRANDT (1606-1669)

Posiblemente el mejor pintor de la historia, Rembrandt, el escurridizo genio holandés creó una gran cantidad de impresionantes obras maestras, incluidos algunos de los mejores ejemplos de pintura de historia, retratos grupales e individuales, pinturas de género, bodegones y autorretratos producidos en la historia del arte.

Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la importancia de los detalles en la representación del mundo que lo rodea. Fue uno de los máximos exponentes del claroscuro (uso de luces y sombras). También es famoso por el carácter y el contenido emocional de sus lienzos, que introdujeron un realismo revolucionario en la pintura.  La esencia de su genio es que, en lugar de tratar de hacer que las personas retratadas se parecieran fielmente a sus retratos, lo que le interesaba era la calidad de los cuadros, cuánto transmitían las obras en términos artísticos y no que tan bien registraban fotográficamente a sus clientes. No intentó complacer a sus clientes o al espectador. A través de Rembrandt, estás mirando a personas reales, si, pero por sobre todas las cosas estas mirando obras de arte. Rembrandt también fue reconocido durante su época como uno de los mejores dibujantes y grabadores (grabado y punta seca).

Hoy, el trabajo de Rembrandt sigue siendo un elemento fundamental en la historia del arte. Los artistas continúan recurriendo a su realismo exquisito, infundiendo obras contemporáneas con el legado indeleble del maestro.

Algunas de las obras maestras de Rembrandt: La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632), La Guardia Nocturna (1642), Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653), La novia judía (c.1665-8).

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Título: Autorretrato con boina. Artista: Rembrandt (1606–1669). Fecha: 1659. Medio: óleo sobre lienzo. Altura: 52,7 cm (20,7 ″); Ancho: 42.7 cm (16.8 ″). Colección: Galería Nacional Escocesa

8. EDOUARD MANET (1599-1883)

Édouard Manet, nació el 23 de enero de 1832, en una casa burguesa en París, Francia. Edouard Manet estaba fascinado por la pintura a una edad temprana. Sus padres desaprobaron su interés, pero finalmente fue a la escuela de arte y estudió a los antiguos maestros en Europa. Edouard Manet era un pintor francés que representaba escenas cotidianas de personas y la vida de la ciudad. Manet lideró la transición francesa del realismo al impresionismo. Pintor francés que abrió nuevos caminos desafiando las técnicas tradicionales de representación y eligiendo temas de los acontecimientos y circunstancias de su propio tiempo.
Fue un artista destacado en la transición del realismo al impresionismo.

Su Le Déjeuner sur l’herbe (Almuerzo en la hierba), exhibido en 1863 en el Salon des Refusés, despertó la hostilidad de los críticos y el entusiasmo de los jóvenes pintores que luego formaron el núcleo del grupo impresionista. Sus otros trabajos notables incluyen Olympia (1863) y A Bar at the Folies-Bergère (1882).

En el momento de su muerte, en 1883, era un artista revolucionario respetado. Fallece el 30 de abril de 1883 en París.

Título: Autorretrato con paleta. Artista: Édouard Manet Autor: Édouard Manet. Fecha: 1879. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 83 cm (32.6 ″); Ancho: 67 cm (26.3 ″). Colección: colección Steven A. Cohen colección Greenwich, Connecticut…

9. CLAUDE MONET (1840-1926)

Monet es uno de los mejores pintores de su tiempo. Originario de Francia, a menudo se lo considera una figura clave en el impresionismo. Conocido por su fascinación por pintar lirios (una característica común en la casa que compró), sus pinturas pueden ser reconocidas por sus característicos trazos de pincel.

Monet desarrolló el hábito de sentarse junto a una ventana o a “plein air” y pintar lo que veía, capturó los efectos cambiantes de la luz en el paisaje a través de fragmentos prismáticos de color mediante trazos pintados rápidamente. Además, sus múltiples estudios sobre pajares y otros temas anticiparon el uso de imágenes en serie en el Pop Art y el Minimalismo. Pero de la misma manera, sus magistrales pinturas de lirios al final de su carrera anunciaron la abstracción del siglo XX.

Algunas de las pinturas más impresionantes de Claude Monet incluyen –Mujer con Sombrilla (1875), Camille o La mujer de vestido verde (1866), Series de Pajares (1890-1891), Impresión, Sol Naciente (1872) y Nenúfares (1920-1926).

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Título: Autorretrato en boina. Artista: Claude Monet (1840–1926). Fecha: 1886. Altura: 55 cm (21,6 ″); Ancho: 46 cm (18.1 ″). Colección: colección privada

10. VINCENT VAN GOGH (1853-1890)

No se puede hablar de los artistas más influyentes de todos los tiempos sin mencionar a Vincent Van Gogh. Su forma de pintura existió dentro de la era del impresionismo y el postimpresionismo. Van Gogh pinto por corto tiempo, pero en ese corto tiempo, creó más de 800 pinturas.

Su comprensión de las relaciones de color y el trabajo de pincel único lo ha distinguido como uno de los artistas más reconocibles. El fracaso, el rechazo y la alienación produjeron revelación y, de alguna manera, podemos ver los pinceladas apasionadas y líricas de Van Gogh y el uso audaz del color como sus intentos, a través del aceite y el lienzo, para comprenderse a sí mismo y a otros. En otras palabras, las tensiones psicoemocionales de Van Gogh no crearon una barrera para la expresión, sino que proporcionaron un medio para la honestidad y la autenticidad radical. La influencia de Van Gogh continúa hoy.

Si hay algo por lo que Vincent es conocido, son sus autorretratos. Está registrado que hizo muchos autorretratos completando hasta 48 en su carrera profesional. También era conocido por pintar flores y cipreses, Sus obras mas reconocidas son: Campo de trigo con cipreses, Dormitorio en Arles, Autoretrato con oreja cortada, Café Terraza en la Noche y Girasoles.

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Artista: Vincent van Gogh (1853-1890). Título: Autorretrato con sombrero de fieltro gris. Fecha (septiembre de 1887 – octubre de 1887). Medio: óleo sobre lienzo. Altura: 44 cm (17.3 “); Ancho: 37,5 cm (14,7 ″). Colección: Museo Van Gogh

11. HENRI MATISSE (1869 – 1954)

Ningún artista está tan ligado a los placeres sensuales del color como Henri Matisse. Su trabajo fue todo sobre curvas sinuosas arraigadas en las tradiciones del arte figurativo, y siempre se centró en los placeres seductores del pigmento y el tono. “No soy un revolucionario por principio”, dijo una vez. “Lo que sueño es un arte de equilibrio, de pureza y serenidad, desprovisto de temas preocupantes o deprimentes… una influencia relajante y calmante en la mente, algo así como un buen sillón”.

Reconocido por su dominio del dibujo, Henri Matisse también fue grabador y escultor. A principios del siglo XX, Henri fue reconocido como un pintor Fauve. Esencialmente, Fauve es una forma de pintura que enfatiza el uso intensivo de colores. Una de sus pinturas más reconocidas fue creada en 1937, Mujer con abrigo morado. Otras pinturas interesantes de este artista incluyen Ventana abierta (1904), Peces rojos (1911), Mujer con sombrero (1905), La habitación roja (1908) y La Danza (1909 y 1910). La danza es una pintura que genera mucho aprecio y podría considerarse como una de las pinturas más animadas de todos los tiempos. Aunque significativamente mayor, uno de los contemporáneos de Henri Matisse fue Pablo Picasso. Ambos hombres se hicieron amigos íntimos y también fueron competidores iguales. Ambos pintores fueron reconocidos por su uso extenso y creativo del color en sus obras de arte.

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Título: Autorretrato con camiseta a rayas. Autor: Henri Matisse (1864-1959). Fecha: 1906. Medio: Óleo sobre lienzo 55cm × 46cm. Museo Estatal de Arte, Copenhague

12. PABLO PICASSO (1881-1973)

Al igual que Leonardo da Vinci del renacimiento, Pablo Picasso es un nombre que se convirtió en sinónimo de artes visuales en el siglo XX. Nacido en Málaga, España, Pablo es uno de los mejores artistas de su tiempo. Era un artista visual versátil con experiencia en escultura, pintura, grabado, diseño de escenarios y más.

Pablo Picasso, el fundador del cubismo, produjo varias de las más influyentes pinturas del siglo XX. Nacido de un padre pintor, desde pequeño Picasso recibió todo el aliento necesario para construir una exitosa carrera de pintura. Esto le dio el privilegio de estudiar arte en algunas de las mejores escuelas de arte de España.

Su estilo y técnica fueron excepcionalmente prolíficos a lo largo de su vida, produciendo un total aproximado de 50,000 obras de arte, incluidos dibujos, pinturas y esculturas, entre otros. De todas las formas de arte, Picasso sobresalió más en pintura.

Algunas de sus mejores obras incluyen Familia de Saltimbanques, Mi niña bonita y La Vida, que adoptó un estilo de pintura monocromática que era dominante en ese momento. La niña ante un espejo y tres músicos son algunas de sus formas de arte cubista más famosas. Fue un artista consumado con una conciencia política global que a menudo se reflejó en sus obras como Guernica, Masacre en Corea y muchas de sus otras obras.

Título original: Autorretrato. Artista: Pablo Picasso. Fecha: 1901. Estilo: expresionismo. Período: Período Azul. Medios: óleo, lienzo. Dimensiones: 81 x 60 cm. Lugar: Museo Picasso, París, Francia

11.

La pintura de claroscuro según Da Vinci, Caravaggio y Rembrandt.

septiembre 22, 2019

El claroscuro es un término artístico que se usa con bastante frecuencia, pero a veces sin comprender exactamente lo que significa. Este artículo cubrirá los aspectos más importantes del claroscuro, principalmente en lo que respecta a la pintura según los grandes maestros Leonardo Da Vinci, Caravaggio y Rembrandt.

 ¿Qué es el claroscuro?

El claroscuro es otro término artístico con sus raíces en el idioma italiano. El claroscuro se usa para describir la técnica que los artistas emplean para agregar luz y sombra a un objeto con la finalidad que que aparente ser tridimensional. Por ejemplo, es lo que hace la diferencia entre un dibujo de un círculo y un dibujo de una esfera. A veces esto se conoce simplemente como “sombreado”, pero la técnica va un poco más allá de eso, ya que la representación detallada del efecto de la luz en una superficie es lo que le da una sensación real de profundidad y volumen.

El claroscuro en la historia del arte

La pintura y el dibujo de civilizaciones antiguas generalmente se centraron en lo básico: capturar formas, líneas y colores, así como la ubicación de personas y objetos para contar una historia. A medida que el arte progresó a través de los siglos, los artistas exploraron y aprendieron más sobre cómo representar el mundo 3D en una superficie plana de una manera que parecía más realista. Uno de los mayores avances en este desarrollo fue la perfección del claroscuro, aunque es algo que damos por sentado en estos días. Para darle una idea visual de cómo el claroscuro hace su magia, observa la diferencia entre este antiguo mural egipcio a la izquierda y la figura pintada por Miguel Ángel durante el Renacimiento italiano aquí a la derecha:

El desarrollo del claroscuro fue un gran avance para los artistas al usar una superficie plana para recrear lo que vemos en el mundo tridimensional. Puedes ver en la pintura de Miguel Ángel de Cybil aquí que la representación meticulosa de cada pequeño lugar de luz y sombra da vida a la figura y a los textiles.

El claroscuro de Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci fue el primero de los Viejos Maestros en realmente explorar ampliamente el potencial del claroscuro . Fue particularmente hábil en el uso del claroscuro para dar dimensionalidad a los textiles, así como una sensación de redondez a la forma humana, como se puede ver en su pintura “La Virgen de las Rocas”, que se muestra a continuación:

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Virgen de las Rocas (entre 1491 y 1499 y desde 1506 hasta 1508). Leonardo da Vinci y taller. Medio: aceite sobre madera de álamo (panel acunado). Dimensiones Altura: 189.5 cm (74.6 ″); Ancho: 120 cm (47.2 ″). Colección: National Gallery

En su obra Virgen y Niño con Santa Ana y Juan el Bautista (1500), Da Vinci usó carbón o tiza negra para dibujar los temas en papel teñido de color marrón. Creó la ilusión de sombras (en los pliegues de sus ropas, en sus rostros y cuellos, etc.) construyendo gradualmente capas de tiza claras y más claras. Utilizó tiza blanca para resaltar áreas de importancia, como el niño y los rostro de los otros personajes. Si observas con detalle la parte inferior de la ilustración, puedes ver partes del dibujo sin terminar, sin ninguna representación.

Si prestas atención también veras que Leonardo emplea dos tipos de luces, unas más calidas y rojizas y otras de apariencia azulada. Mediante el uso de colores cálidos y fríos en sus luces Leonardo acentuó la ilusión de luminosidad en su dibujo preparativo.

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La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista (entre 499 y 1500). Leonardo da Vinci. Dibujos para una pintura, dibujo sobre papel. Dimensiones Altura: 141.5 cm (55.7 ″); Ancho: 104,6 cm (41,1 ″). Colección: National Gallery

El claroscuro y el desarrollo de pintura al óleo

Los artistas del Renacimiento estaban interesados ​​en reproducir el mundo que vieron a su alrededor. El descubrimiento del arquitecto Filippo Brunelleschi de la perspectiva lineal les dio a los artistas una fórmula para crear la ilusión de profundidad y proporción realista en una superficie plana. Pero un descubrimiento igualmente importante durante este período fue el de la pintura al óleo. Antes del Renacimiento, el medio más popular era la pintura al temple, un medio de secado rápido creado a partir de yema de huevo. El medio puede ser difícil de mezclar debido a su tiempo de secado rápido y no siempre es adecuado para estratificar debido a la consistencia del material, el cual es un tanto delicado.

La pintura al óleo, que utiliza pigmentos molidos en un medio oleoso como el aceite de linaza, se seca más lentamente. Este tiempo de secado lento, combinado con su translucidez, permite acumular capas delgadas de pintura (conocidas como veladuras). Esto hizo mucho más fácil para los artistas del Renacimiento mezclar y construir tonos graduales de color, ayudando al claroscuro a convertirse en una técnica viable para modelar formas realistas.

Detalle del Arcángel Uriel de la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci (1452–1519). National Gallery, Londres

Caravaggio

El pintor italiano del siglo XVII, Michelangelo Merisi da Caravaggio, llevó el claroscuro al extremo, a menudo oscureciendo grandes porciones del fondo e iluminando con luces intensas temas de primer plano. Esta combinación de usar alto contraste con una sola fuente de luz enfocada tuvo un efecto increíblemente dramático.

Caravaggio comenzó a usar fondos profundos y oscuros para muchas de sus pinturas, y parecía casi llamar la atención sobre sus figuras. El alto contraste en esas pinturas creaba obras de arte intensamente poderosas y dramáticas.

A veces, la fuente de la intensa iluminación en una pintura, estaba realmente en la pintura; puedes ver ejemplos en obras religiosas como la siguiente, donde un ángel u otra figura sagrada realmente ilumina toda la escena.

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La inspiración de San Mateo (1602). Michelangelo Merisi da Caravaggio. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones 9 ‘8 1/2 “x 6’ 2 1/2” Colección: Capilla Contarelli, Iglesia de San Luigi dei Francesi

Otras veces, la fuente de luz es simplemente una vela o el fuego.

Todas estas situaciones ofrecieron a los artistas la oportunidad de explorar siluetas y otros extremos, y obviamente hicieron que el énfasis en la luz y la sombra fuera más importante que la escena en muchas ocasiones.

En la pintura a continuación, los sujetos se iluminan desde una sola fuente de luz que proviene de la derecha de la pintura. El drama en la escena se intensifica por el marcado contraste entre las sombras profundas y las cálidas luces y tonos medios. La luz nos lleva a enfocar la atención en los sujetos sentados en la mesa.

El llamado de San Mateo (1599-1600). Caravaggio,

Tenebrismo

El uso de grandes parches de fondo negro combinado con sujetos intensamente iluminados está tan estrechamente relacionado con el trabajo de Caravaggio que se denomina Caravagismo. Otro término para este estilo de claroscuro es tenebrismo, que proviene del término italiano tenebroso, que significa oscuro, sombrío o misterioso.

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David con la cabeza de Goliat (entre 1606 y 1607). Michelangelo Merisi da Caravaggio. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 125 x 101 cm. Colección: Galleria Borghese, Roma

En la pintura de arriba, David adquiere una apariencia luminosa cuando la luz cae sobre él desde la izquierda de la pintura. Fue pintado con tonos de grises diversos y bordes suaves. Además, observe cómo las zonas de David que están en la sombra se mezclan suavemente con el fondo negro.

Por el contrario, la cabeza cortada de Goliat, con cintas de sangre que aún brotan de su cuello, es empujada, ligeramente por encima, hacia el primer plano inferior derecho. La luz cae más directamente sobre Goliat, iluminando con dureza las sombras de su cabello, su ceño arrugado y sus ojos hundidos.

Los “Caravaggisti”

El tenebrismo de Caravaggio fue tan exitoso que muchos artistas entusiastas comenzaron a imitar su estilo. Estos artistas se hicieron conocidos como los “Caravaggisti”. Los Caravaggisti utilizaron una combinación cruda de oscuridad y luz para varios propósitos: modelar volúmenes tridimensionales, llamar la atención sobre ciertas áreas de la pintura y crear una sensación de drama.

A continuación se muestra un ejemplo del trabajo de la Caravaggisti Artemisia Gentileschi. La protagonista de la obra, Judith, extiende su mano para bloquear la luz que fluye desde la izquierda. El resultado es una curva cruda de sombras proyectadas contra su propio rostro.

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Judith y criada con jefe de Holofernes (entre 1645 y 1650). Artemisia Gentileschi. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 235 cm (92.5 ″); Ancho: 172 cm (67.7 ″). Colección: Musée de la Castre, Cannes

Claroscuro holandés

Otros artistas adoptaron un enfoque más delicado para el claroscuro, utilizándolo para crear un ambiente tranquilo y reflexivo.

El Claroscuro de Rembrandt

Rembrandt Van Rijn, uno de los artistas barrocos más prolíficos de la historia captura magistralmente la esencia del claroscuro en su obra La conferencia de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632).

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Título: La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp. Fecha: 1632. Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 169.5 cm (66.7 ″); Ancho: 216,5 cm (85,2 ″). Colección: Mauritshuis

Una de las primeras cosas que atrae la atención al mirar por primera vez la pintura es el cadáver. Es la parte resaltada más grande de la imagen; sin embargo, las otras características destacadas más notables son todos los rostros y cuellos de los hombres. Tener un objeto, una persona o una característica austera bajo la luz es una parte vital de lo que hace que una obra de arte tenga éxito al analizar la pintura en función de sus méritos de claroscuro. Debido a que el cuerpo está en el centro de la pintura y tiene una luz más intensa que los de más personajes sobre el, hace que el doctor y sus estudiantes, que están acurrucados alrededor de él, parezcan salir de las sombras para observar el examen del Dr. Tulp del brazo izquierdo del cadáver.

Estereotipos del claroscuro

La composición general de la pintura no es infrecuente para una pintura de claroscuro de la época barroca. La idea de varias figuras acurrucadas y / o rodeando el cuerpo de otra persona, una mesa u otro objeto algo misceláneo era estándar para ese período y estilo en la historia del arte.

El claroscuro es una de las técnicas más convincentes de la pintura para crear una escena con sujetos dinámicos que, por el contrario, casi puede parecer que también están congelados en el tiempo. Con el uso de luces estratégicamente ubicadas y con la intensidad correcta, se llama la atención sobre las facetas más importantes de la pintura.

Autorretrato de Rembrandt

Rembrandt conocía el valor de la iluminación directa del claroscuro (para mostrar los rasgos de un rostroato a continuación, Rembrandt utilizó pinceladas y esgrafiados para explorar la relación entre la luz y la sombra. A diferencia de muchos otros retratos, la mayor parte del rostro de Rembrandt está en la sombra, con solo un lado de su rostro ligeramente expuesto a la luz. Además, el fondo está pintado con tonos medios, en lugar de negro profundo.

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Título: Autorretrato con cabello despeinado. Fecha: entre 1628 y 1629). Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Medio: óleo sobre tabla de roble. Dimensiones Altura: 22,6 cm (8,8 ″); Ancho: 18,7 cm (7,3 ″). Colección: Rijksmuseum

Gerard van Honthorst

Gerard van Honthorst es otro maestro holandés que exploró el uso del claroscuro. En la pintura a continuación, los temas se adelantan desde la oscuridad y su atención se centra en el niño, que parece brillar con la luz. Los otros sujetos se deleitan en una luz más sutil, con el hombre en el fondo saliendo de la oscuridad.

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Título: La Adoración de los pastores. Fecha: 1622. Autor: Gerard van Honthorst. Técnica: óleo sobre tela. Dimensiones Altura: 164 cm; Ancho: 190 cm. Colección: Museo Wallraf-Richartz

Claroscuro moderno

Hay muchos otros artistas que hicieron un uso creativo y logrado del claroscuro.

Joseph Wright de Derby usó el claroscuro al pintar escenas de interés científico durante la revolución industrial. En su pintura a continuación, un planetario (un modelo mecánico del sistema solar) está iluminado por una lámpara de aceite que se coloca en el centro del modelo para representar el sol.

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Título: Un periodista dando una conferencia sobre Orrery. Artista: Joseph Wright de Derby. Fecha: 1766. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 147,2 cm (57,9 ″); Ancho: 203,2 cm (80 ″). Colección: Museo Derby y Galería de Arte

Francisco Goya adoptó el tenebrismo más dramático de Caravaggio para representar la tensión y la emoción aumentada asociada con la guerra moderna.

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Título: El 3 de mayo de 1808. Artista: Francisco Goya (1746–1828) Fecha: en 1814. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 2.6 m (104.7 ″); Ancho: 3,4 m (11,3 pies). Colección: Museo del Prado

Técnicas de claroscuro

  • Algunas de las técnicas de sombreado utilizadas para un claroscuro efectivo incluyen sombreado con líneas paralelas y tonos de capas del mismo color.
  • Para construir gradaciones tonales, generalmente es más efectivo trabajar de oscuro a claro.
  • Para más drama, es recomendable considerar usar solo una fuente de luz fuerte.
  • Nuestros ojos se sienten naturalmente atraídos por las áreas más claras, por lo que estos tienden a ser los puntos focales en la pintura.
  • El nivel de contraste entre la luz y la oscuridad ayuda a determinar el estado de ánimo de la pintura.
  • El tenebrismo, que se refiere a contrastes particularmente altos entre las áreas oscuras y claras de la imagen, puede usarse para crear una fuerte sensación de drama.
  • Las elecciones de composición, como colocar a los sujetos de manera prominente en primer plano, pueden aumentar los efectos del claroscuro.

Elegir sabiamente cuando usar la técnica del claroscuro

Para los pintores de hoy, la iluminación dramática es una herramienta para ser utilizada intencionalmente, con cuidado.

Cuando el foco de una pintura está en la forma de los objetos, o la forma de una figura, el claroscuro puede ser extremadamente útil. La luz direccional fuerte acentuará detalles y características, y dará una verdadera apariencia tridimensional.

Pero no todas las pinturas se beneficiarán del claroscuro si es mal usado. Ciertos usos del claroscuro pueden ser demasiado duros, demasiado antinaturales o simplemente demasiado dramáticos para lo que se está tratando de retratar. Existen otras formas de generar contraste las cuales también exaltan la iluminación sin abusar de la relación entre colores claros y obscuros. Si te interesa saber más al respecto en nuestro texto “Las teorías del color según Van Gogh, Monet, Matisse y otros artistas” abordamos otras formas de pensar el contraste más modernas que también logran la exaltación del color y la luz.

Entonces, la próxima vez que veas un ejemplo de claroscuro, piensa en cómo se usa: ¿el uso del alto contraste ayuda o perjudica el mensaje general de la pintura?

Las teorías del color según Van Gogh, Monet, Matisse y otros artistas.

septiembre 21, 2019

El fauvismo fue el primer movimiento de arte de vanguardia del siglo XX. Encabezado por un trío de jóvenes pintores con sede en París, Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, se caracterizó por un color intenso, expresivo y no naturalista, junto con pinceladas sueltas y formas simplificadas.

Activos desde 1905 hasta 1910, los fauvistas recurrieron y avanzaron varias corrientes de arte recientes: principalmente la de los impresionistas, postimpresionistas y puntillistas, haciendo particular énfasis en dos pintores; Gauguin y Van Gogh, quienes se negaron a usar los colores de una manera que literalmente correspondía a los temas que estaban describiendo.

En este artículo haremos un recorrido por las formas de uso del color por los impresionistas y posteriormente cómo fueron evolucionando en las obras de los fauvistas.

Teorías del color en el impresionismo

Los impresionistas consideraban que los colores utilizados por Eugene Delacroix (1798-1863) y los otros pintores románticos de principios del siglo XIX eran demasiado oscuros para sus propósitos. Prefirieron limitar su rango más o menos a los colores del espectro, y eligieron amarillo, naranja, bermellón, carmesí, violeta, azul y verde. Estos estaban en línea con los estudios científicos de Chevreul a principios de siglo, y con los estudios de Maxwell, Young y Lambert que habían transformado la química del color.

Teorías del color de Chevreul

Según la teoría de Chevreul, los colores se pueden dividir en dos grupos: los colores primarios, amarillo, rojo y azul; y los colores secundarios, naranja formado al mezclar rojo y amarillo, verde al mezclar amarillo y azul, y violeta al mezclar rojo y azul. Un color secundario parece más fuerte cuando está al lado del color primario no incluido en su mezcla. Por ejemplo, el naranja se intensifica cuando se coloca junto al azul, puesto que el azul es complementario del naranja; de la misma manera, el rojo es el color complementario del verde y el amarillo es el complementario del violeta.

Chevreul señaló que los colores complementarios se anulan entre sí cuando se mezclan en proporciones iguales, lo que desde el punto de vista del pintor significa que producen un gris neutro. También notó que cuando se mezclan en proporciones desiguales, dos colores complementarios dan un color degradado, es decir, un color neutro que tiende hacia el marrón, gris u oliva. De todo esto resulta una serie de leyes ópticas que pueden enunciarse en términos cuasi algebraicos:

  • Complementario puro adyacente a complementario roto = dominio de uno y armonía de los dos.
  • Puro complementario en un tinte claro adyacente al puro complementario en un tono oscuro = diferencia de intensidad y armonía.
  • Dos colores similares uno al lado del otro, uno puro y el otro degradado, hacen un sutil contraste entre sí.
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Ejemplos de los tipos de contraste antes mencionados

Pintura impresionista: estudio del color tal como se produce en la naturaleza

Los impresionistas fueron los primeros pintores de la historia del arte en tener relación directa con la teoría científica del color. Si bien su aproximación a la misma fue más intuitiva que académica, ella les influyó considerablemente. Estudiaron la naturaleza, y cualquier ecuación científica se utilizó para adaptarse a su conveniencia en su lucha por la luminosidad. Las leyes de la ciencia dieron un apoyo moral al pintor impresionista. Ahora se atrevió a hacer lo que Delacroix no habría hecho. El científico estudió la luz para analizar sus cualidades o buscar medios artificiales para producirla, pero el pintor intentó expresar su cualidad poética.

La mezcla negativa de colores en la paleta reducía su “pureza”, por lo que el artista trató de lograr la mezcla positiva recibida por el ojo, en la que los colores conservaron su pureza y parecieron vibrar, exaltándolos aún más mediante el uso de los contrastes correctos. Cuando se ve desde una distancia adecuada, los colores “puros” yuxtapuestos colocados en relación a colores contrastantes parecen mezclarse en la superficie del lienzo para dar combinaciones ópticas positivas (que exaltan la “pureza” y luminosidad del color”). La pintura impresionista se formó por la yuxtaposición de distintos colores, dispuestos de acuerdo con las leyes ópticas de los colores complementarios. La técnica impresionista da la apariencia de una atmósfera con luminosidad exaltada conformada por colores de pureza acentuada que remite a la experiencia directa de la luz y el color en la naturaleza.

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Título: Paisaje cerca de Montecarlo. Artista: Claude Monet. Fecha: 1883

Monet y la teoría del color

Uno de los pintores con una comprensión profunda de la teoría del color fue Monet. Sus esquemas de color siempre parecen estar perfectamente controlados. Él tenía una jerarquía, lo que es importante tenerlo en cuenta al jugar con los colores. Por supuesto, es mucho más fácil de controlar cuando se pinta en comparación con la fotografía, pero entender cómo el color puede atraer la atención o completar una paleta es valioso para cualquier artista que intente crear una obra artística de colores armoniosos.

El color rojo es bien conocido por llamar nuestra atención. Aquí podemos ver cómo Monet lo usa no solo para llamar la atención sobre las flores (lo que agrega una buena repetición a la composición de la escena), sino que hace algo más importante. Enciende el esquema de color con su paleta limitada y da vida a la pintura mediante contrastes. Vemos principalmente colores “fríos” (azules luminosos y verdes agrisados), luego un toque de “calor” para encenderlo (rojos, naranjas y amarillos).

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Artista: Claude Monet. Título: Campo de amapolas rojas en Argenteuil. Fecha desconocida. Técnica: óleo sobre tela. Dimensiones Altura: 500 mm; Ancho: 650 mm. Colección: Museo de Orsay

Equilibrio en la paleta de colores

Monet emplea tres tipos de contraste en la escena:

  • Entre colores obscuros y claros (verde obscuro en relación a colores claros)
  • En medio de colores complementarios (vedes y rojos, azules y naranjas)
  • Entre colores puros y agrisados (verdes agrisados y rojos naranjas puros)

La luminosidad en el cuadro se logra aprovechando todos los contrastes antes mencionados para exaltar la luminosidad de los colores más puros de la escena.

El uso del color de Van Gogh

Vincent van Gogh es quizás uno de los pintores postimpressionistas más famosos en el mundo actual. Un pintor semi autodidacta a menudo asociado con colores vivos y llamativos debido a las pinturas de su carrera posterior en Francia. Su teoría del color, derivada de las teorías del color de Eugène Delacroix, se basó en gran medida en la yuxtaposición de colores primarios y secundarios conocida como la ley del contraste simultáneo, y la contraposición de colores puros en relación a colores muy agrisados. Un concepto descrito por primera vez por Michel Eugène Chevreul, la ley del contraste simultáneo, así como los contrastes tonales y la relatividad del color formaron la base de la teoría del color de Van Gogh como se ve en su obra (ahora altamente desteñida) Dormitorio en Arles.

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Título: Dormitorio en Arles. Autor: Vincent van Gogh. Fecha: octubre de 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 72,4 cm (28,5 ″); Ancho: 91,3 cm (35,9 ″). Colección: Museo Van Gogh

Van Gogh y la ley del contraste simultáneo

El contraste simultáneo es más evidente cuando los colores complementarios se colocan uno al lado del otro. Piensa en el uso de Van Gogh de azules brillantes y naranjas amarillos en la pintura “Café Terraza en la Place du Forum, Arles” (1888) o los rojos y verdes en “Café de la noche en Arles” (1888).

En una carta a su hermano Theo, van Gogh describió el café que representó en “Café nocturno en Arles” como “rojo sangre y amarillo opaco con una mesa de billar verde en el centro, cuatro lámparas de color amarillo limón con un brillo naranja y verde. En todas partes hay un choque y un contraste de los rojos y verdes más dispares”. Este contraste también refleja las” terribles pasiones de la humanidad” que el artista observó en el café.

Van Gogh utiliza un contraste simultáneo de colores complementarios unido a un contraste entre colores puros y colores muy agrisados para transmitir emociones fuertes. Los colores chocan entre sí, creando una sensación de intensidad luminosidad y calor.

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Artista: Vincent van Gogh. Título: Café nocturno en Arles Fecha: septiembre de 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 72,4 cm (28,5 ″); Ancho: 92,1 cm (36,2 ″). Colección: Galería de Arte de la Universidad de Yale

Contrastes tonales

La segunda parte de la teoría del color de Van Gogh es el uso de contrastes tonales y la relatividad del color. Los contrastes tonales (no confundir con valores tonales), también conocidos como tonos rotos, y la relatividad del color son aspectos importantes de la teoría del color complementario. Los contrastes tonales, como lo describe Charles Blanc en su ensayo sobre Delacroix, ocurren al mezclar colores complementarios en proporciones desiguales. Esto hace que los colores se destruyan solo parcialmente, lo que da como resultado un tono roto que será una variedad de grises.

En una carta a su hermano Theo, Van Gogh describe este concepto con el uso de verde y rojo. Una mezcla igual de verde y rojo, por ejemplo, produce gris, mientras que proporciones desiguales resultan en gris rojizo o gris verdoso. Tales mezclas desiguales, conocidas como tonos rotos, se debilitan entre sí cuando se yuxtaponen. Sin embargo, si un tono roto, como un gris rojizo, se coloca junto a un tono completo, rojo, por ejemplo, el resultado será un contraste.

Relatividad del color

En el ensayo de Blanc, se analiza la relatividad del color y el hecho de que el efecto de un color depende de quienes lo rodean. Este concepto tuvo una impresión duradera en Van Gogh, ya que era relevante por su uso de colores complementarios para crear contrastes simultáneos además de la aplicación de contrastes tonales en una pintura. Entendió que podía pintar un color muy oscuro y, sin embargo, hacer que pareciera claro, siempre que los tonos de color circundantes fueran aún más oscuros. Dado que el color es relativo y depende de los colores que lo rodean, no es necesario elegir un color que coincida con la realidad.

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Título: Florero con catorce girasoles. Artista: Vincent van Gogh (1853-1890). Fecha: 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 92.1 cm (36.2 ″); Ancho: 73 cm (28.7 ″). Colección: National Gallery

Los colores vívidos del Fauvismo

¿Qué es el fauvismo?

Fauvismo, estilo de pintura que floreció en Francia a principios del siglo XX. Los artistas del fauvismo utilizaron colores puros y brillantes aplicados agresivamente para crear una sensación de explosión en el lienzo.

Nada tenía prioridad sobre el color para los Fauves. El color puro y crudo no era secundario a la composición, definía la composición. Por ejemplo, si el artista pintó un cielo rojo, el resto del paisaje tenía que seguir su ejemplo. Para maximizar el efecto de un cielo rojo, podría elegir edificios de color verde lima, agua amarilla, arena naranja y barcos de color azul real. Podría elegir otros colores igualmente vívidos. La única cosa con la que se puede contar es que ninguno de los Fauves representó paisajes con colores realistas.

Los Fauves pintaron directamente de la naturaleza, como los impresionistas lo habían hecho antes que ellos, pero las obras fauvistas fueron investidas de una fuerte reacción expresiva a los temas retratados. Exhibidas formalmente por primera vez en París en 1905, las pinturas fauvistas conmocionaron a los visitantes del Salon d’Automne anual. Uno de estos visitantes fue el crítico Louis Vauxcelles, quien, debido a la violencia de sus obras, llamó a los pintores fauves (“bestias salvajes”).

Henri Matisse

El líder del grupo era Henri Matisse, quien había llegado al estilo Fauve después de experimentar con los diversos enfoques posimpresionistas de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Sus estudios lo llevaron a rechazar las representaciones tradicionales del espacio tridimensional y a buscar un nuevo espacio de imagen definido por el movimiento del color. Expuso su famosa obra Mujer con el sombrero (1905) en la exposición de 1905. En esta pintura, los trazos vivos de color —azules, verdes y rojos— forman una visión enérgica y expresiva de la mujer. La aplicación de pintura cruda, que dejó expuestas áreas de lienzo en bruto, fue espantosa para los espectadores en ese momento.

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Mujer con el sombrero (1905). Henri Matisse.

La característica más prominentemente asociada con el fauvismo es un uso brillante y audaz del color. La pintura a gran escala de Matisse, Le bonheur de vivre, ilustra este interés. Aunque la escena se basa en un entorno natural, Matisse renunció casi por completo a tonos neutros para un esquema de color caleidoscópico. Además de los naranjos, la hierba azul y un cielo rosa pálido, también representaba las figuras en un arco iris de tonos.

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Título: Le bonheur de vivre. Fecha: 1905-1906. Artista: Henri Matisse. Óleo sobre lienzo, 176,5 x 240,7 cm (69 1/2 x 94 3/4 pulg.). En la colección de la Fundación Barnes.

Uno de los mejores coloristas del siglo XX

Involucrado en la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura, Matisse utilizó los colores de la manera más expresiva y decorativa. Sus pinturas Fauve se caracterizan por el uso de colores puros contrastados y el blanco del lienzo expuesto que creó una atmósfera llena de luz. Como fue influenciado principalmente por el arte de varias culturas, a menudo incorporó elementos decorativos del arte islámico, japonés y africano. Puso un gran énfasis en la figura humana y la trató de varias maneras. El pintor se centró principalmente en temas como la naturaleza muerta y el desnudo. Una vez escribió que quería crear arte que fuese “una influencia calmante y relajante en la mente, algo así como sentarse en un buen sillón”.

Para Matisse, la relación entre los colores en un lienzo es intrínseca al proceso de selección de colores. “Hay una gran proporción de tonos que pueden inducirme a cambiar la forma de una figura o transformar mi composición”, escribió en Notas de un pintor. “Hasta que haya alcanzado esta proporción en todas las partes de la composición, me esfuerzo por seguir y seguir trabajando. Entonces llega un momento en que cada parte ha encontrado su relación definitiva, y desde ese momento en adelante sería imposible para mí agregar un trazo a mi imagen sin tener que pintarla de nuevo”.

Andre Derain

Pintor y escultor francés, Andre Derain fue cofundador del fauvismo con Henri Matisse. Las pinturas fauvistas de Derain traducen cada tono de un paisaje en color puro, que aplicó con pinceladas cortas, contundentes y vibrantes.

Sus pinturas se caracterizan por el uso expresivo de colores, la simplificación de la forma y la fascinación por el arte primitivo. Este interés por el arte primitivo surgió después de la exposición en el Museo Negro de Londres que dio como resultado el inicio de una colección de arte tribal de África. A lo largo de su práctica, buscó encontrar arte que no necesitara un contexto para ser valorado y que influyera en varias generaciones en el futuro. Este enfoque lo acercó al simbolismo. Derain jugó un papel clave en el desarrollo de otro movimiento artístico significativo. Su asociación con Pablo Picasso y Georges Braque fue parte integral del cubismo temprano.

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Título: La danza. Artista: Andre Derain. Fecha: 1906. Medios: óleo, lienzo. Dimensiones: 175 x 225 cm. Ubicación: Colección Privada

La pintura al óleo según Rembrandt, Rubens, Tiziano y otros grandes artistas

septiembre 17, 2019

¿Alguna vez has querido probar una vieja técnica de pintura para ver si puedes crear los mismos efectos que los pintores del Renacimiento? ¿Alguna vez te preguntaste como realizar una pintura al óleo al estilo de la escuela barroca de pintura?

Resulta que la mayoría de las técnicas modernas de pintura al óleo se derivan de solo dos escuelas principales: la flamenca y la veneciana.

¿Cómo se desarrolló la pintura al óleo?

No hay una fecha exacta en la que se utilizó por primera vez la pintura al óleo. La práctica de la pintura de caballete con colores al óleo surgió de los métodos de pintura al temple del siglo XV (quattrocento). Ocurrió en gran parte como resultado de las mejoras en el refinado del aceite de linaza y la disponibilidad de nuevos pigmentos de color y solventes volátiles después de 1400, todo lo cual coincidió con la necesidad de un medio alternativo al de temple de yema de huevo puro para cumplir con los nuevos requisitos creativos del Renacimiento.

El desarrollo de la pintura al óleo transformó totalmente la pintura del Renacimiento temprano, gracias a los esfuerzos de varios pintores (incluido Van Eyck) que realizaron diversos experimentos exitosos en el norte de Europa e Italia durante la primera mitad del quattrocento.

La Escuela Flamenca de pintura

El enfoque flamenco de la pintura al óleo es una de las técnicas maestras más influyentes y antiguas de la pintura al óleo. No pasó mucho tiempo antes de la pintura al óleo fuera popular entre los pintores del Renacimiento en Italia, Alemania y el resto de Europa.

Un elemento común del método flamenco es el uso de una superficie rígida como un panel de madera. Los viejos maestros comenzarían con bocetos (dibujos en papel muy refinados) que solían resolver posibles problemas pictóricos antes de comenzar a pintar.

Los antiguos maestros flamencos transferían el dibujo al panel mediante el trazado, el método de cuadrícula, etc. Una vez transferido el dibujo sobre la imprimatura, el pintor comenzaba la grisalla o entonado general con una pintura base transparente o semitransparente en bold u otros colores en medios tonos como tierras, ocres o siennas. Esta fungía como preparación para armonizar la atmosfera de los colores posteriores y permitir un juicio más preciso de los valores o tonos.

Técnicas de pintura de la Escuela Flamenca

Con la imprimatura seca y entonada y el dibujo transferido, era hora de comenzar a pintar. En el proceso de pintura posterior a los medios tonos se continuaba con tonos oscuros aplicados con veladuras transparentes para las sombras y otros pasajes oscuros.

Seguidamente se agregaban los tonos medios luminosos, que podían ser transparentes, opacos o en algún punto intermedio, ellos se aplicaban de forma translucida con veladuras o bien semicubriente con socapas.

Los reflejos y los tonos claros se agregaron al final y siempre fueron más opacos. Ellos contenían blanco de plomo y también carbonato de calcio en las áreas que se deseaban volver aún mas cubrientes. Los reflejos o luces secundarias generalmente se pintaban de forma más transparente que las luces principales por lo que iban mucho menos empastadas.

El proceso podría tomar varias capas, aplicadas después de que cada capa anterior estuviera seca. Los pintores solían usar cepillos redondos de pelo suave para este método. Generalmente se aplicaba una capa cubriente o semi cubriente seguida de una o más capas veladas, para posteriormente volver a colocar capas cubrientes y así ir modelando los volúmenes.

Pintores de la Escuela flamenca

Algunos de los pintores prominentes que fueron pioneros en esta vieja técnica maestra son Johannes Van Eyck (1390-1441) y Hans Holbein el Joven (1497-1543).

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Los embajadores (1533). Hans Holbein El Joven. Medio: aceite y temple sobre tabla de roble. Dimensiones Altura: 207 cm (81.4 ″); Ancho: 209 cm (82.2 ″). Colección: National Gallery

Johannes Van Eyck

Con Van Eyck, la pintura entró en una nueva era. Incorporó en sus pinturas nuevos métodos técnicos. En su trabajo, logró un nivel de realismo asombrosamente sofisticado, hasta ese entonces desconocido en el arte de la pintura. Logró representar brillantes joyas, metales reflectantes, exuberantes telas satinadas y terciopelos, e incluso la piel humana con un grado tan alto de naturalismo que parecía haber conjurado un nuevo medio artístico.

Durante muchos años, la invención de la pintura al óleo se atribuyó al artista flamenco Jan van Eyck y a su hermano Hubert. Si bien es cierto que los Van Eycks revolucionaron la práctica de la pintura al óleo y la llevaron a un temprano nivel de perfección, no la inventaron. En cambio, sus orígenes son más antiguos. El tratado de Theophilus del siglo XII (el seudónimo posiblemente de Roger de Helmarshausen, un orfebre y monje benedictino) menciona “colores brillantes con aceite”.

Algunas de sus obras

El Retablo de Gante (1432) es considerado su primera obra maestra, seguido de cerca por el Retrato de Arnolfini (1434). Estas obras, junto a Retrato de un hombre con turbante rojo (1433) son unos de los ejemplos más famosos del arte renacentista del norte durante el siglo XV.

Retrato de Arnolfini

La pintura representa a una pareja rica (Giovanni di Arrigo Arnolfini y Giovannna Cenami), ambas de las familias bancarias más grandes de Lucca, que se reúnen en un salón de moda francesa.

Al artista se le atribuye el logro de innovaciones en el minimalismo y su atención al detalle es asombrosa. El espejo en la parte posterior de la pintura es único, ya que toda la escena se replica en el espejo pequeño. Se cree que van Eyck usó una lupa para lograr este efecto.

Como se ve en el sombreado de las imágenes, van Eyck empleó un tiempo de secado mucho más largo que el del temple o fresco, y mezcló los colores con el sombreado apropiado en una técnica llamada “wet on wet”. La aplicación de capas sucesivas de pintura permitió al artista mezclar los colores por superposición y eliminar los bordes muy marcados.

Van Eyck usó múltiples capas de veladuras de óleo delgadas para obtener sus colores más oscuros. Colocó múltiples capas de pintura al óleo hasta alcanzar el tono que prefería, por lo tanto, la pintura es más gruesa donde hay colores oscuros y más delgada en las áreas más claras. Esta forma de trabajar es reminiscente de la pintura de temple, particularmente del temple de agua, cosa que nos deja ver la gran cercanía qué existía entre ambas técnicas durante ese momento, puesto que la pintura al óleo en realidad surgió de una pintura al temple con extra aceite. (Para obtener más información sobre el nacimiento de la pintura al óleo, puedes leer el texto: Los secretos técnicos del nacimiento de la pintura al óleo.)

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Retrato de Arnolfini (1434). Jan van Eyck. Medio: aceite en panel. Dimensiones: Altura: 82 cm (32.2 ″); Ancho: 59.5 cm (23.4 ″). Colección: National Gallery

Retrato de un hombre con turbante rojo

La contribución técnica de Van Eyck al arte de la pintura al óleo, en particular su uso meticuloso de capas delgadas de pigmentos de color transparentes para una máxima luminosidad, hizo posible los efectos ópticos precisos y el esmalte espejo que hacen que este retrato sea tan realista. Observa por ejemplo, los efectos de los dos tonos o los VASOS capilares en la superficie blanca del ojo izquierdo.

Su uso y aplicación del color ha sido comentado por numerosos artistas y críticos: en esa zona del cuadro, por ejemplo, el color blanco del ojo se mezcla con pequeñas cantidades de rojo y azul. Se colocó una capa muy delgada de rojo sobre esta capa inferior, pero de tal manera que la capa inferior quedó expuesta en varios lugares. El iris del ojo está pintado en color ultramarino, con adiciones de blanco y negro hacia la pupila. Los aspectos más destacados son cuatro toques de blanco de plomo: uno en el iris y tres en el blanco.

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Retrato de un hombre con turbante rojo (1433). Jan van Eyck. Medio: aceite en panel. Dimensiones: 15.5 × 19 cm (6.1 × 7.4 ″). Colección: National Gallery

Su uso del Claroscuro

Los ricos pliegues rojos del marco del turbante o chaperón contrastan con la cara iluminada que emerge de la oscuridad. Y el espectador se ve irresistiblemente atraído hacia la imagen por la mirada firme del modelo, de la cual nada más puede restar valor. Su uso del claroscuro es magistral, como lo es su tenebrismo dramático.

La Escuela Veneciana de pintura

A principios del siglo XVI, Tiziano y Giorgione desarrollaron el enfoque veneciano de la pintura al óleo. Esta nueva técnica de óleo es similar a la técnica flamenca en que el artista usaría veladuras transparentes para las sombras y luego pinturas opacas para los reflejos y luces.

El método veneciano

El método veneciano evolucionó más allá de la técnica flamenca en términos de los materiales de pintura al óleo. Por un lado, utilizaron lienzos en lugar de pesados ​​paneles rígidos de madera. Por otro lado, los pintores venecianos usaban grandes pinceles de cerdas rígidas (que son ideales para impastos), aunque también usaban los pinceles de pelo suave (ideales para veladuras) como lo hicieron los pintores flamencos. Como resultado, puedes ver tanto bordes suaves como impastos con bordes marcados en las pinturas de la escuela veneciana.

El control de los bordes suaves y las veladuras de los pinceles suaves, junto con los brochazos irregulares y texturados dejados por los pinceles de cerda permitieron a los pintores venecianos enriquecer las técnicas de la pintura al óleo más allá de todo lo desarrollado por pintores en épocas anteriores.

Técnicas de pintura de la Escuela Veneciana

Algunos de los maestros antiguos más importantes que pertenecen a esta escuela son Tiziano Vecellio (1488-1576), Peter Paul Rubens (1577-1640) y Giorgione (1478-1510) .

Venus dormida (1508), Giorgione. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 108.5 cm (42.7 ″); Ancho: 175 cm (68.8 ″). Colección: Gemäldegalerie Alte Meister

En la técnica de pintura veneciana, los artistas prepararon el lienzo con una mezcla de cola animal, aceite y cal, proporcionando un fondo blanco puro similar al gesso utilizado hoy en dia. A este paso técnico le llamamos “imprimación”. Luego, el artista veneciano aplicaba un tono de valor medio, generalmente de color parduzco, a casi todas las superficies, luego comenzaba a aplicar una subcapa opaca en esmaltes semiopacos de blanco para los reflejos y luces. Esto permitía definir los valores oscuros de sombras y luces, creando una imagen casi monocromática de su tema elegido pero que transmitía una idea de la luz y el colorido futuro del cuadro.

El secreto del desarrollo de la técnica del artista veneciano está en la construcción de capa por capa de pintura al óleo sobre los impastos blancos antes mencionados. Como el aceite se seca lentamente, los colores se pueden mezclar para lograr gradaciones sutiles. Además, cuando la pintura al óleo aplicada en forma de veladuras se seca, permanece algo translúcida. Como resultado, todas esas capas delgadas reflejan la luz y la superficie adquiere una altísima luminosidad. Los conservadores de pintura incluso han descubierto que Bellini, Giorgione y Tiziano agregaron vidrio molido a sus pigmentos aplicados en veladuras para volverlos más translucidos y reflejar mejor la luz.

Tiziano

Los artistas venecianos de la época de Tiziano habían perfeccionado la técnica de pintura al óleo, pero fue Tiziano quien se dio cuenta de que el lienzo se adaptaba mejor a la técnica de pintura veneciana que producía composiciones más grandes.

Mientras que el acabado brillante del Método Flamenco era ideal para paneles de madera pequeños, en pinturas grandes distraía y era exagerado. Por lo tanto, Tiziano refinó el proceso de pintura para producir una superficie menos reflejante. Lo más probable es que disminuyera los potenciadores del brillo como el exceso de resina y los bálsamos como trementina de Venecia, que eran muy usados en la técnica de temple, y los reemplazara con pinturas más simples que se basaran principalmente en aceite crudo de linaza.

Sin embargo, esta forma de emplear y producir la pintura al óleo la volvía más espesa, cosa que requirió de los cepillos grandes y rígidos de cerdas antes mencionados. Esto dificultó el logro de los bordes finos que ocurren naturalmente en la técnica flamenca y generó un nuevo estilo de pintura al óleo muy distinto de todo lo que se había hecho hasta la fecha.

Su técnica

Su técnica también hizo que las pinturas parecieran más realistas, ya que los resultados estuvieron más cerca de lo que nuestros ojos ven. Tiziano utilizó una pintura inferior opaca y absorbente, dejando los bordes suaves para permitir una mayor flexibilidad con ajustes posteriores. Esta pintura de base se dejó secar durante un tiempo y luego se pintó a color, comenzando con veladuras de esmaltes transparentes aplicados a las áreas de sombra (una práctica clave de la Técnica flamenca), y luego empleó tonos más opacos destinados a crear el efecto de luces y reflejos.

Flora (1515-1517). Tiziano. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: Altura: 79 cm (31.1 ″); Ancho: 63 cm (24.8 ″). Colección: Galería de los Uffizi

Peter Paul Rubens

La pintura del periodo de Rubens estaba profundamente influida por la pintura del periodo veneciano. Los aceites de secado utilizados en la época de Rubens eran linaza (todavía el alimento básico en el norte de Europa), nuez y amapola. Se sabía que los dos últimos se amarilleaban menos y a su vez se secaban más lentamente. En esta época el óleo se trabajaba con varios materiales añadidos dependiendo del resultado que se buscaba. Entre estos se incluyeron yema y clara de huevo así como cola de animal para formar emulsiones. Los aceites también eran tratados con calor, luz solar y oxigenación para espesarlos de distintas maneras. También era muy común la adición de óxido de plomo (litargirio) y sulfato de zinc para volver a los aceites más secantes.

Lejos del uso frecuente de pinturas espesas, Rubens usó “esencia de trementina” destilada de resina de pino así como barnicetas hechas en base a ella. Con ellas reducía la viscosidad de sus pinturas para su aplicación mediante capas delgadas. En ocasiones, la aplicación rápida de pintura diluida resultó en goteos y salpicaduras, que se pueden ver en algunas de sus pinturas.

Rubens normalmente usaba una imprimatura de medio tono, sobre la cual pintaría a partir de un boceto o estudio al óleo que se usaría como modelo. Sin embargo no usaba un mismo medio tono siempre, dependía del tipo de luz que deseaba transmitir en la escena.

La expulsión del Jardín del Edén (1620)

Este parece ser un estudio bien terminado, en el que gran parte de su pintura parece haberse aplicado en forma bastante líquida, y algunas zonas fueron pintadas con la técnica wet on wet. Las áreas destacadas por la luz, como las de la piel y las telas blancas, se han agregado en último lugar, usando pintura más viscosa mojada sobre seca.

Expulsión del Jardín del Edén (1620). Peter Paul Rubens. Óleo, dimensiones desconocidas. Colección. Galería Nacional de Praga

El repertorio de técnicas de Rubens se puede apreciar mejor en sus bocetos y estudios al óleo que produjo en preparación para las obras terminadas.

Rembrandt

Rembrandt, quien se cree que aprendió de Jacob van Swanenburgh y Pieter Lastmann, sin duda tomó pistas estilísticas de la Técnica flamenca y la Técnica veneciana. Al observar su trabajo, uno puede ver que experimentó libremente moviéndose entre todas las técnicas y reinventándolas. Con el tiempo, a medida que aprendió cada método, incorporó aspectos específicos de cada una a su estilo, mientras que, por supuesto, agregó innovaciones propias.

Rembrandt y su excelente dominio del empaste

Los trazos gruesos pueden cumplir una serie de funciones en las pinturas. Primero, los impastos pueden intensificar los reflejos al aumentar las propiedades reflectantes de la luz de la pintura. Este efecto extiende el rango tonal de la pintura al hacer que los reflejos y lueces parezcan más brillantes. En segundo lugar, los impastos trabajados con habilidad y minuciosidad pueden representar la piel arrugada o la textura de superficies intrincadamente elaboradas de joyas y telas.

Autorretrato de Rembrandt

Rembrandt usó impastos para acentuar los reflejos y luces para generar una mayor iluminación de las superficies de cara directa a la fuente de luz y exagerar las sombras en las superficies alejadas de la misma. Parece que esta fue la única intención del empaste en las partes iluminadas de la cara en su Autorretrato de 1659 en la Galería Nacional de Washington.

No está claro exactamente cómo Rembrandt creó las texturas encontradas a la luz de sus retratos, sobre todo las texturas de la piel de su Autorretrato de 1659.  Es muy probable que estas hayan sido producidas acumulando capas gruesas de pintura opaca con pinceles de cerda y luego colocando veladuras de color con óleo y temple arrastrando un cepillo suave sobre la superficie mientras el impasto aún estaba semi húmedo. En la mayoría de los casos, después de ejecutar reflejos o luces en capas gruesas, Rembrandt eventualmente los cubriría total o parcialmente con pintura delgada como esmaltes.

Autorretrato (1659). Rembrandt. Medio: óleo sobre lienzo. Altura: 84,5 cm (33,2 ″); Ancho: 66 cm (25.9 ″). Colección: Galería Nacional de Arte

Blanco de plomo

A medida que Rembrandt desarrolló esta técnica de glaseado sobre impastos, empleó un blanco de secado rápido, que consistía en blanco de plomo, tiza, cuarzo molido y aceite. Los impastos cada vez más pesados ​​en las pinturas de su período posterior, modificados por delgados esmaltes de color, crearon multitud de efectos ilusorios especiales, un ejemplo extremo de ello es la manga dorada del hombre en La Novia judía en el Rijksmuseum de Amsterdam.

The Jewish Bride (1665-1669). Rembrandt. Medium: oil on canvas. Dimensions: Height: 121.5 cm (47.8 ″); Width: 166.5 cm (65.5 ″). Collection: Rijksmuseum

Si deseas profundizar en más detalles con respecto a los temas tratados en este artículo, puedes leer los siguientes artículos:

La técnica veneciana y su historia

Los materiales de Rembrandt (primera parte)

Los materiales de pintura de Rembrandt (segunda parte)

Los Bocetos de Rubens