El color es mucho más que un elemento visual; es un puente entre el arte y las emociones, una herramienta capaz de evocar sensaciones profundas tanto en el creador como en el espectador. ¿Cómo puede un mismo tono transmitir calma o angustia según su contexto? ¿De qué manera los colores pueden hablar por nosotros en una obra?
En este curso exploraremos el poder del color como lenguaje expresivo, descubriendo cómo su uso consciente puede transformar una pintura en un vehículo de emociones, narrativas y significados.
Explora un mundo más amplio de técnicas y materiales en el dibujo de la figura humana. Las herramientas que elijas y la forma en que las utilices pueden ser el puente que conecte o el obstáculo que dificulte tu viaje creativo. Aquí, hallarás la confianza y la libertad necesarias para tu ejecución dibujística, aprendiendo métodos de representación tridimensional mientras descubres los recursos expresivos de cada técnica.
Nuestro objetivo principal es que, como artista, amplíes tus horizontes creativos y alcances espontaneidad al dibujar el cuerpo humano.
Durante el siglo XX, las vanguardias tuvieron un interés en el énfasis de la abstracción y la libertad que acabó por desplazar la enseñanza de técnicas tradicionales de dibujo figurativo. Este curso plantea un regreso a estas raíces, al explorar las técnicas y métodos de dibujo desde el Renacimiento hasta el Neoclasicismo, con la intención de cerrar vacíos formativos y fortalecer las habilidades en estructura, perspectiva y claroscuro aplicados al dibujo de los estudiantes.
Diego Velázquez revolucionó la pintura barroca con su dominio de la luz, la atmósfera y la pincelada suelta. Su técnica, influenciada por su contacto con Rubens en Italia, combinaba temple y óleo para lograr una profundidad y luminosidad inigualables. En este curso, exploraremos los secretos detrás de su proceso pictórico y aprenderemos a aplicar sus principios en nuestra propia obra.
Para hablar sobre pintar la piel humana, en ttamayo nos parece necesario hablar de la representación figurativa del cuerpo humano en suma y sobre el retrato en concreto.
No son sólo géneros o elementos dentro de la pintura artística: son intrincados universos de posibilidades gráficas en sí mismos. Hablamos de un elenco de personajes todos reunidos para llenar de vida la piel y la humanidad plasmadas en un lienzo: piensa en la teoría del color, la perspectiva, la anatomía, la geometría y una bolsa llena de técnicas y materiales. No es de extrañar que muchos artistas figurativos los hayan considerado el Monte Everest de los géneros pictóricos. Pero no te preocupes; En este taller, desvelamos los secretos, con especial atención en las técnicas legendarias de Rembrandt y los geniales trazos de Lucian Freud.
El encausto es una de las técnicas pictóricas más antiguas y enigmáticas, capaz de lograr efectos de translucidez y profundidad imposibles de alcanzar con otros medios. Aunque hoy suele asociarse con la abstracción, su historia demuestra su enorme potencial para la pintura figurativa. Prueba de ello son los retratos del Fayum, obras maestras de la Antigüedad que aún conservan su luminosidad y detalle. Este curso explora el encausto como un recurso para la representación figurativa, desentrañando sus secretos y adaptándolo a las necesidades del arte contemporáneo.
“La noche parece tener colores más vivos y ricos que el día”, dijo Van Gogh. Y es cierto: en la pintura, la noche no es solo oscuridad, sino una exploración de luces, contrastes y atmósferas llenas de emoción.
En este curso aprenderás a representar escenas nocturnas con maestría, comprendiendo cómo el color y la luz pueden transformar la penumbra en un espectáculo visual. Descubre los secretos detrás de los contrastes, las temperaturas cromáticas y el manejo de pigmentos para crear obras llenas de profundidad y dramatismo.
Sumérgete en un viaje creativo, explora las técnicas fundamentales para dar vida a tus ideas en lienzo. En el curso "Fundamento de teoría del color y técnicas de pintura" podrás adentrarte en el mundo del arte y desarrollar tus habilidades de manera integral. Aprenderás desde la aplicación magistral del color hasta los secretos del trazo que captura la esencia de cualquier escena desde un enfoque técnico.
Con la orientación profesional, descubrirás cómo expresar tu visión única a través de la pintura y el dibujo. Ya seas un principiante entusiasta o un artista experimentado en busca de nuevas perspectivas, este curso está diseñado para inspirarte y llevarte al siguiente nivel.
Nuestra meta es que como artista llenes esos vacíos que has tenido en tu formación para alcanzar a plasmar eso que ya está en tu mente.
Gustav Klimt es un referente inconfundible del arte moderno. Su estilo, marcado por la fusión de pintura, diseño y técnicas decorativas, ha influenciado a generaciones de artistas. Inspirado por el simbolismo y el Art Nouveau, Klimt incorporó materiales y procesos innovadores, como la aplicación de oro y la experimentación con texturas, para crear composiciones que trascienden la pintura tradicional. En este curso, exploraremos su técnica pictórica y aprenderemos a aplicar sus recursos en nuestra propia obra.
La luz y el color de las pinturas de Sorolla son las características más reconocibles de sus obras. Cualidades que han inspirado a muchos pintores posteriores a él a pintar haciendo énfasis en la luz. Sin embargo conseguir los efectos lumínicos y de color que él lograba no es una tarea fácil de igualar.
Uno de los aspectos más complejos de representar la luminosidad en una obra es que la pintura no posee luz propia, sino que la representa de manera "ficticia". Esto es un tema particularmente importante que debe reflexionarse y comprenderse para pintar con éxito, cuadros que aparenten tener mucha luz.
La geometría reverenciada por los griegos permitió a los renacentistas desarrollar otros muchos conocimientos sustentados en dichas claves. Particularmente la luz y su representación en claroscuro no habrían surgido en la pintura sin los conocimientos derivados del entendimiento de la geometría.
Estas herramientas juntas permitieron a los renacentistas dominar con gran detalle la representación del mundo. De tal forma sentaron las bases sobre las que artistas posteriores habrían de fundamentar sus nuevos descubrimientos.
La pintura realista consiste en representar elementos con extrema precisión figurativa, de tal forma que parezcan reales. A primera vista, estas pinturas parecen fotografías, sin embargo, lograr este tipo de resultados va más allá de solamente copiar una foto.
Para trabajar exitosamente la pintura realista hay que conocer ciertos aspectos de teoría del color. Aquellos que hacen posible que nuestras obras no solo se vean como copias si no que aparentan ser reales.
Rembrandt van Rijn (1606-1669) revolucionó la pintura al óleo con una técnica magistral que sigue asombrando a artistas y estudiosos. Su dominio de la luz, la textura y la profundidad le permitió crear obras de una intensidad inigualable. Inspirado en la técnica veneciana, pero adaptándola a su visión, Rembrandt logró impastos tridimensionales y efectos lumínicos que transformaron la pintura barroca. En este curso, exploraremos los secretos de su método, desde la preparación de materiales hasta su aplicación en la práctica pictórica, para integrar su legado a la pintura contemporánea.
El simbolismo, el surrealismo y el arte visionario han explorado formas de representar lo invisible: emociones, sueños y realidades que van más allá de lo tangible. Mientras los impresionistas capturaban la luz exterior, los simbolistas buscaban iluminar la imaginación, utilizando el color y la composición para plasmar ideas sin necesidad de imitar la realidad. Su influencia se extendió hasta el surrealismo y el arte visionario contemporáneo, inspirando a generaciones de artistas a crear mundos propios en sus lienzos.
En este taller de 12 meses se estudiarán con profundidad las materias clave que te otorgarán libertad y seguridad dentro del lienzo par hacer y deshacer a voluntad consiguiendo cada vez mejores resultados.
La pintura es un oficio que comprende varias materias en una sola, es esta la razón por la que hace varios siglos se le comenzó a nombrar arte. Ella unifica: teoría del color, perspectiva, anatomía, geometría, técnicas y materiales e historia del arte, entre otras muchas. Antiguamente estas materias eran estudiadas de forma independiente en las academias de arte. Sin embargo las escuelas han cambiado mucho a lo largo de los siglos.
Guía de compatibilidad de pigmentos
