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En este curso se analizará cómo emplear el color para detonar y explorar emociones tanto en espectadores como en quien crea. Cómo utilizarlo como un mensajero que manifiesta nuestros sentir y pensar profundo sobre un lienzo.
Existen dos formas de crear la ilusión de perspectiva en la pintura. Una de ellas utiliza la forma y geometría del dibujo para dicho propósito. La otra emplea la lógica del color y se llama perspectiva atmosférica.
Grandes pintores cómo Claude Monet, Degas, Renoir, Manet, Cezanne, Van Gogh, Lautrec y otros reconocidos maestros Impresionistas y postimpresionistas, perfeccionaron en su pintura nuevas maneras de utilizar el color.
Fueron algunos de los primeros pintores de la historia del arte en tener relación directa con teorías del color científicas. Si bien su aproximación a las mismas fue más intuitiva que académica, las teorías del color científicas los marcaron sobremanera.
Con este novedoso conocimiento como arma estudiaron todo lo que les rodeaba.
Turner fue el primer pintor que escribió teoría sobre el color. Inspirado en Isaac Newton decidió poner su forma de pensar en láminas y breves escritos que presento formalmente a manera de conferencias. Tenía una forma característica de emplear y pensar el color, perfecta para esclarecer las necesidades de un pintor. Su teoría consideraba aspectos de ciencia, simbolismo y sobre todo aspectos de pintura.
Muchos hemos visto impactantes dibujos de Rembrandt. Si los analizamos con detenimiento caeremos en cuenta de que no fueron realizados de manera convencional. El uso de contornos en los dibujos de Rembrandt es muy diferente del de muchos artistas actuales. Para empezar, solía no usar contornos precisos al iniciar un dibujo, sino al finalizarlo. También podemos ver que utilizó muchos medios de dibujo distintos. En este curso analizaremos sus técnicas y procesos de dibujo.
Las técnicas de pintura son un conocimiento esencial para cualquier pintor o aspirante a pintor. En este curso aprenderás todo lo que necesitas saber sobre Temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc. Con el abrirás un enorme número de posibilidades plásticas para explorar.
¿Te habría gustado ingresar a una academia barroca y aprender a dibujar en uno de los periodos más significativos de la historia del arte occidental? Si es así, este taller podría interesarte.
"Tengamos tanta técnica que la gente se agolpe alrededor de nuestros cuadros y jure por los mismos cielos que no tenemos técnica alguna.” Escribió Van Gogh al pintor Anthon van Rappard en una de sus cartas.
El conocimiento de la luz, el color y la visión no es suficiente para que un pintor pueda realizar las obras que creaban los impresionistas y post-impresionistas. Ello se debe a que la pintura no solo implica el estudio del color y la luz, sino también el estudio de los pigmentos, las técnicas y los materiales.
Es por ello que los impresionistas ampliaron su conocimiento técnico. De tal manera que pudieran lograr con ello cuadros diferentes a lo que se pintaba durante su época .
Pese a que actualmente, gracias al mercado, muchos artistas están acostumbrados a pensar que la tinta es solamente de un tipo y con una función, acuarelistas y dibujantes de distintas épocas han usado muchos tipos de tintas con diferentes tendencias tonales y corporales para lograr diferentes objetivos.
Así mismo la pintura a la acuarela posee muchas más variables que aquellas que el mercado masivo de productos de arte nos permite ver en su limitada oferta.
Artistas como Rembrandt, Leonardo y Turner, entre otros, utilizaron distintos tipos de tintas y acuarelas cubrientes, transparentes, fluidas, densas, opacas o brillantes, entre otras. La elección de la tinta y la acuarela dependía del uso que deseaban darle, y más importante aún, de los efectos visuales que deseaban conseguir con las mismas.
