Explora un mundo más amplio de técnicas y materiales en el arte de dibujar la figura humana. Las herramientas que elijas y la forma en que las utilices pueden ser el puente que conecte o el obstáculo que dificulte tu viaje creativo. Aquí, hallarás la confianza y la libertad necesarias para tu ejecución dibujística, aprendiendo métodos de representación tridimensional mientras descubres los recursos expresivos de cada técnica.
Nuestro objetivo principal es que, como artista, amplíes tus horizontes creativos y alcances espontaneidad al dibujar la figura humana.
Para hablar sobre pintar la piel humana, en ttamayo nos parece necesario hablar de la representación figurativa del cuerpo humano en suma y sobre el retrato en concreto.
No son sólo géneros o elementos dentro de la pintura artística: son intrincados universos de posibilidades gráficas en sí mismos. Hablamos de un elenco de personajes todos reunidos para llenar de vida la piel y la humanidad plasmadas en un lienzo: piensa en la teoría del color, la perspectiva, la anatomía, la geometría y una bolsa llena de técnicas y materiales. No es de extrañar que muchos artistas figurativos los hayan considerado el Monte Everest de los géneros pictóricos. Pero no te preocupes; En este taller, desvelamos los secretos, con especial atención en las técnicas legendarias de Rembrandt y los geniales trazos de Lucian Freud.
La pintura al pastel tiene un linaje fascinante y es la fuente de muchas obras de arte únicas, conmovedoras y hermosas. Fue mencionada por primera vez por Leonardo da Vinci en 1495 y ha sido empleada en forma de barra desde el siglo XV, pero no fue hasta el siglo XVIII cuando el pastel fue visto cómo un medio artístico serio.
Muchos otros artistas utilizaron este medio, incluidos los famosos Edgar Degas, Monet, Edouard Manet y Lautrec, por nombrar algunos. En el siglo XIX, debido a la alta demanda de los artistas, surgieron empresas fabricantes de una amplia selección de pasteles duros y blandos que varían en intensidad y valor de color.
Si bien hoy en día muchas veces se piensa la imprimatura como un complemento necesario o no de la técnica. La realidad es que las imprimaturas no son complementos, si no parte esencial de las distintas técnicas. De tal forma que no podemos hablar de una técnica tradicional sin considerar su imprimatura. En este curso aprenderás a preparar y aplicar las imprimaturas más representativas.
La geometría reverenciada por los griegos permitió a los renacentistas desarrollar otros muchos conocimientos sustentados en dichas claves. Particularmente la luz y su representación en claroscuro no habrían surgido en la pintura sin los conocimientos derivados del entendimiento de la geometría.
Estas herramientas juntas permitieron a los renacentistas dominar con gran detalle la representación del mundo. De tal forma sentaron las bases sobre las que artistas posteriores habrían de fundamentar sus nuevos descubrimientos.
Múltiples grandes artistas identificaron las diversas cualidades de los pigmentos y las aprovecharon en sus pinturas para exaltar lo que a ellos les interesaba. Dando usos específicos a sus pigmentos para utilizarlos en fondos, impastos, veladuras, paisaje, encarnaciones y técnicas diversas, consiguieron resultados que, sin conciencia de las cualidades particulares de los pigmentos, es imposible lograr.
El encausto es una técnica de pintura translúcida de hermosa apariencia que puede ser utilizada de manera tanto espontánea e impredecible así como controlada y de finísima precisión.
Lo importante a considerar al utilizar encausto para abstracción, es que el medio debe permitir precisión o espontaneidad a voluntad. Desde lo perfectamente predecible y controlable, hasta lo completamente impronosticable así como espontáneo, a partir de lo cual se descubren nuevas posibilidades y propuestas, tanto ópticas como matéricas. Así de esta forma expresarnos con plenitud sobre el lienzo.
Abstraer, desintegrar, fragmentar, desmaterializar, deconstruir… son algunas de las muchas maneras de aproximarnos al fenomenal e inagotable universo del arte abstracto.
Casi metáfora, casi poesía, sugerente, polivalente, permite insinuante, liberar todo propósito, todo pensamiento, toda sensación.
En este curso adquirirás técnicas mixtas que te permitirán explorar las posibilidades de la pintura abstracta a tus anchas...
Las técnicas de pintura son un conocimiento esencial para cualquier pintor o aspirante a pintor. En este curso aprenderás todo lo que necesitas saber sobre temple, encausto, óleo, gises al pastel, acuarelas, jabón de cera, técnicas de dibujo, acrílicos, etc. Con el abrirás un enorme número de posibilidades plásticas para explorar.
En este taller de 10 meses se estudiarán con profundidad las materias clave que te otorgarán libertad y seguridad dentro del lienzo par hacer y deshacer a voluntad.
La pintura es un oficio que comprende varias materias en una sola, es esta la razón por la que hace varios siglos se le comenzó a nombrar arte. Ella unifica: teoría del color, perspectiva, anatomía, geometría, técnicas y materiales e historia del arte, entre otras muchas. Antiguamente estas materias eran estudiadas de forma independiente en las academias de arte. Sin embargo las escuelas han cambiado mucho a lo largo de los siglos.
El temple de agua es una técnica que puede usarse de manera similar a la acuarela, puesto que su base es el agua. Sin embargo algo muy interesante de ella es que al secar se vuelve una especie de piel que recubre el soporte u objeto donde fue utilizada. Esta “piel” ha sido en varias ocasiones comparada con la piel lustrosa de una manzana, y sus cualidades estéticas son uno de los aspectos que la han vuelto atractiva para un sin número de artistas de distintas épocas, puesto que ninguna otra técnica la iguala en apariencia.
Pese a que actualmente, gracias al mercado, muchos artistas están acostumbrados a pensar que la tinta es de sólo un tipo y con una función, acuarelistas y dibujantes de distintas épocas han usado muchos tipos de tintas con diferentes tendencias tonales y corporales para lograr diferentes objetivos.
Así mismo la pintura a la acuarela posee muchas más variables que aquellas que el mercado masivo de productos de arte nos permite ver en su limitada oferta.
Artistas como Rembrandt, Leonardo y Turner, entre otros, utilizaron distintos tipos de tintas y acuarelas cubrientes, transparentes, fluidas, densas, opacas o brillantes, entre otras. La elección de la tinta y la acuarela dependía del uso que deseaban darle, y más importante aún, de los efectos visuales que deseaban conseguir con las mismas.
Guía de compatibilidad de pigmentos
