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En este taller aprenderás a pintar la piel humana dentro de los generos del retrato y la figura humana.
Valiéndonos de la deconstrucción de las técnicas y el proceso pictórico mixtos de antiguos maestros analizaremos como distintas técnicas pueden ser combinadas dentro del desnudo con modelo.
El mayor problema técnico que presenta el dibujo hiperrealista a dibujantes que se interesan en él es el como representar convincentemente las texturas y formas de los diferentes materiales de la naturaleza.
Existen dos tipos de composición, una de ellas es por forma y la otra es por color. Ambos tipos de composición trabajan juntos como una red que entrelaza espacialmente los diferentes elementos del cuadro, generando interacciones particulares entre los objetos.
La geometría reverenciada por los griegos permitió a los renacentistas desarrollar otros muchos conocimientos sustentados en dichas claves. Particularmente la luz y su representación en claroscuro no habrían surgido en la pintura sin los conocimientos derivados del entendimiento de la geometría.
La pintura hiperrealista consiste en representar elementos con extrema precisión figurativa, de tal forma que parezcan reales. Las pinturas hiperrealistas a primera vista parecen fotografías, sin embargo, lograr este tipo de resultados va más allá de meramente copiar una fotografía.
El temple de agua es una técnica que puede usarse de manera similar a la acuarela, puesto que su base es el agua. Sin embargo algo muy interesante de ella es que al secar se vuelve una especie de piel que recubre el soporte u objeto donde fue utilizada. Esta “piel” ha sido en varias ocasiones comparada con la piel lustrosa de una manzana y sus cualidades estéticas son uno de los aspectos que la han vuelto atractiva para un sin número de artista de distintas épocas, puesto que ninguna otra técnica la iguala en apariencia.
Abstraer, desintegrar, fragmentar, desmaterializar, deconstruir… son algunas de las muchas maneras de aproximarnos al fenomenal e inagotable universo del arte abstracto.
Casi metáfora, casi poesía, sugerente, polivalente, permite insinuante, liberar todo propósito, todo pensamiento, toda sensación.
Múltiples pintores vanguardistas de principios del siglo XX partieron de la figuración y se movieron hacia la abstracción persiguiendo emoción, expresividad y novedades plásticas, marcando con ello el arte de todo el siglo XX. El deseo de acentuar sus temas los alejó cada vez más de lo realista y fácilmente reconocible hacia un terreno nunca explorado.
En este taller de 10 meses se estudiarán con profundidad las materias clave que te otorgarán libertad y seguridad dentro del lienzo par hacer y deshacer a voluntad.
La pintura es un oficio que comprende varias materias en una sola, es esta la razón por la que hace varios siglos se le comenzó a nombrar arte. Ella unifica: teoría del color, perspectiva, anatomía, geometría, técnicas y materiales e historia del arte, entre otras muchas. Antiguamente estas materias eran estudiadas de forma independiente en las academias de arte. Sin embargo las escuelas han cambiado mucho a lo largo de los siglos.
Los grandes artistas de la historia no emplearon técnicas de manera genérica. Muchos de ellos cómo Velazquez, Turner, Rembrandt y otros grandes fueron técnicos excepcionales que adecuaron sus técnicas para lograr los resultados que buscaban, por lo que usaron técnicas mixtas.
