La Paleta limitada de Zorn

noviembre 6, 2019

Una paleta limitada no sólo es usada por pintores principiantes. Muchos artistas profesionales limitan la cantidad de pigmentos con los que trabajan. Uno de los artistas más conocidos por hacer esto fue Anders Zorn.

Anders Zorn, fue un pintor sueco de finales del siglo XIX (creador de la paleta de colores que lleva su nombre). Este autorretrato (1896) fue creado con la “paleta Zorn” de cuatro colores, la cual puedes observar en su mano izquierda.

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Título: Autorretrato con modelo. Artista: Anders Zorn (1860–1920). Fecha 1896. Media: óleo sobre lienzo. Dimensiones: Altura: 117 cm (46 ″); Ancho: 94 cm (37 ″). Colección: museo nacional de Suecia

La paleta de Zorn

La paleta Zorn a menudo se considera compuesta por los colores: amarillo ocre, rojo bermellón, negro marfil y blanco. Algunos creen que usó un rojo cadmio en lugar de bermellón; de todos modos, el rojo de cadmio es un sustituto moderno del bermellón (el cual es muy tóxico). Sin embargo, lo que realmente importa es lo que podía lograr usando solamente estos dos colores más blanco y negro.

Estos cuatro pigmentos son capaces de crear una gama completa de colores, a pesar de que se emplea el azul. El matiz azulado del negro marfil le permite actuar como azul. Además, se puede mezclar con bermellón para crear morados apagados, y con amarillo ocre para sugerir verdes. La Paleta de Zorn también es efectiva para crear ricos colores oscuros y hermosos grises.

Así la Paleta Zorn da como resultado pinturas sutiles y tonales. Sin embargo, ésta puede no satisfacer a los artistas con una pasión por el color. Incluso el mismo Zorn no la usó de forma exclusiva.

¿Cómo emplear la paleta de Zorn?

Para que tengas una idea específica de cómo emplear la paleta Zorn, hemos seleccionado su obra titulada Magrit (1891). A partir de esta obra, voy a mostrarte cómo puedes jugar con la paleta Zorn. De esta manera te familiarizarás con ella y posteriormente decidir si te gustaría trabajar con ella o si deseas agregarla en tu arsenal de pinturas.

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Título: Margit. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1891. Media: Óleo sobre lienzo, 78 x 63,7 cm.

En primer lugar, veamos por qué Zorn eligió el negro marfil en lugar del azul cobalto:

Por muchos siglos los colores azules fueron algunos de los colores más caros a los que un artista pudiera acceder. Por la misma razón los pintores solían no emplear el color azul para realizar mezclas con otros colores. Sólo empleaban este pigmento para aplicarlo en cielos o en ropas de personajes especiales. En realidad este color era tan caro que a menos que pintaran un encargo para alguien muy adinerado el color ni siquiera aparecía en sus obras. De hecho el área de un lienzo pintada con azul podría determinar el precio final de una obra.

Por esta razón los pintores barrocos y previos al barroco desarrollaron formas de pintar en las que el color azul no era empleado. La paleta de Zorn deriva en realidad de estos métodos más antiguos de pintar. Estos métodos siguieron siendo muy influyentes hasta el siglo XIX y hoy en día están de nuevo tomando fuerza.

Lo más interesante de una paleta con rojos, amarillos, naranjas, negro y blanco es que es magnifica para pintar la piel. De hecho, pintar la piel con esta paleta puede ser incluso más fácil que con una paleta con azul. Lo sensacional de esta paleta para pintar la piel tiene que ver con su posibilidad para generar encarnaciones. Otra ventaja de usarla son los tonos de verdaccio que pueden ser logrados con ella.

¿Cómo Zorn pudo crear todos esos matices de una paleta de solo 4 colores? 

En su obra Magrit (1891), los tonos más notables son los rojos, entre ellos el color rojo oscuro que se ve sobre la falda. Esta tonalidad la logró con la mezcla entre el color negro marfil y el color rojo, este último en cantidad suficiente para obtener la sensación de enrojecimiento que allí se observa. Así como también se observa un  color rojizo más claro en el detalle del cabello. Dicho tono la alcanzó al mezclar los colores rojo, blanco y negro marfil.

Otro punto importante es cómo logró la sensación del color verde de una manera tan sutil. Su importancia radica en cómo se ven todos los colores en conjunto uno al lado del otro lo que genera la sensación final visual. Por lo tanto, se mezcla un poco de negro marfil y blanco hasta obtener un color gris. A dicho color se le añade un poco de amarillo ocre hasta lograr la coloración verdosa. Esta coloración puede cambiar en su tonalidad al agregar más o menos blanco. A este tipo de colores verdosos logrados con la mezcla de negro, amarillo y un poco de blanco es a los que llamamos verdaccios.

Cabe destacar que esta tonalidad verdosa se acentúa cuando se encuentra próxima al color rojo. Este efecto tiene su causa en el principio de contraste simultáneo característico de los cuadros pintados con la paleta de Zorn.

Detalle de la coloración verdosa en el lienzo de Margit

La paleta de Zorn y el Contraste Simultáneo

El citado contraste simultáneo produce un efecto ampliamente utilizado por los impresionistas y teóricos del siglo XIX. Este ocurre al colocar ciertos colores junto a otros. Por ejemplo, si se rodea un parche de color gris claro con un campo de color amarillo más oscuro, el gris tomará un tono violeta. Es decir, parecerá algo violeta. Entonces, si colocas algo de gris al lado de un campo de color, parecerá ser el complemento del campo de color circundante. Un campo naranja hará que el gris se vea azul, y un campo rojo hará que se vea verde. Como no hay azul en la paleta de Zorn, el contraste simultáneo es esencial para que dicho matiz aparezca.

Tonalidad azul por el contraste entre los colores negro marfil y naranja

Por lo tanto, usando los colores complementarios es posible enfatizar el color de interés. Sólo tienes que colocar su color complemento cerca o colores cercanos en matiz al complementario.

Si además deseas que la pintura aparezca más alta en croma, considera el contrate simultaneo que ocurre entre grises y colores puros. De esta manera, puede “engañarse” al ojo fácilmente  y aparentar que los colores utilizados son mucho más puros y brillantes que los que realmente son.

Colores fríos y cálidos de la paleta de Zorn

Por otra parte también es posible obtener colores cálidos y fríos con la paleta de Zorn. Por ejemplo, el color gris cálido que se obtiene de la mezcla entre los colores negro marfil, amarillo ocre y blanco. El gris frío se obtiene de la mezcla entre los colores negro marfil y blanco. La combinación de las tonalidades frías y cálidas de los colores permite el enriquecimiento de la obra en general.

Es importante tener en cuenta que al utilizar la paleta de Zorn algunos de los colores son más dominantes que otros. Por ejemplo, el amarillo ocre es más débil, por lo tanto al utilizarse es necesario utilizar una mayor cantidad del mismo para evitar que sea oblitearado al mezclarse con un color dominante como el negro marfil.

Zorn realizó una gran variedad de retratos utilizando esta paleta de colores ya que a partir de ella obtenía un rango amplio de los ya mencionados tonos de piel, tanto verdaccios como encarnaciones.

Título: Autorretrato con pieles. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1915
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Título: Un retrato de las hijas de Ramón Subercaseaux. Artista: Anders Zorn. Fecha: 1892

Finalmente, es importante reconocer que el uso de estos tres pigmentos como primarios permite obtener y mezclar colores “secundarios”.

Por ejemplo, la mezcla entre el rojo y el amarillo da el naranja. El color naranja resultante es apagado ya que el amarillo ocre es bajo en croma. El color rojo bermellón más negro marfil da una gama de tonalidades violetas. Estas tonalidades violetas resultantes serán apagadas porque usas el negro. Por otra parte, la mezcla entre el amarillo ocre y negro da como resultado un tono verde apagado. Pintar con dicha paleta apagada te ayudará a pensar en los valores, el croma y la aplicación de pintura de formas diferentes a como los colores puros y brillantes lo harán.

Un circulo cromático a partir de la Paleta de Zorn

El circulo cromático es un recurso muy importante para todas aquellas personas que deseen iniciarse en el área de la pintura. Dicho recurso permite conocer y jugar con las propiedades que brindan las pinturas de manera matemática. Y gracias a ellas conocer muchas de las posibilidades de colores en una paleta. Por ejemplo, los valores resultantes de las mezclas, su temperatura y como distintas mezclas se comportan y cambian con la adición de blanco, entre otras cosas. 

Hacer esto entrena el ojo de manera que este pueda detectar con mayor facilidad los cambios sutiles en el valor. Y al final quedan estos fantásticos gráficos que puedes usar una y otra vez para enriquecer tu proceso creativo de pintura.

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Paleta circular de Zorn.

Algunas escalas de colores adaptadas para la paleta Zorn que a menudo se usan para retratos o figuras, consisten en tablas donde se mezclan los que podríamos denominar los “colores primarios” de esta paleta. Se trata de rojo cadmio (tradicionalmente bermellón), amarillo ocre, negro marfil (el “azul” en esta línea) y blanco de titanio. 

En el anterior circulo cromático se muestra a partir de ellos la primera escala de los colores “secundarios” (delineados en blanco): naranja, verde y morado. Así como también estos últimos se pueden mezclar desde los primarios terrosos (delineados en gris).

Paleta de Zorn a partir de colores complementarios

La magia de la paleta de Zorn se manifiesta aún más al mezclar cada color secundario con el color que ocupa el lugar de su “complementario”. De esta manera tendrás una idea de cuán amplio rango de colores neutros es posible lograr con esta paleta. “Verde” con rojo de cadmio, naranja con negro marfil y morado con ocre amarillo.

La paleta “verde”, mezclada con rojo de cadmio complementario.  
La paleta Naranja mezclada con el negro marfil complementario.
La paleta Púrpura mezclada con el amarillo ocre complementario.

Así, esta paleta permite tener un mayor control de los colores que se requieran utilizar al momento de pintar, en especial al pintar la piel. Sin embargo dicha paleta es muy útil para todos los artistas en general, no solamente a los interesados en pintar la piel.

Al pintar con una paleta de colores tan limitada, los artistas se ven obligados a utilizar los colores de otras formas. En este proceso puedes darte cuenta que en realidad lo que ellos consideraban de un cierto color realmente es de otro. Esta enseñanza que nos ofrece esta y otras paletas limitadas es invaluable para aprender a ver y emplear el color asertivamente en la pintura.

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Pintar la piel con la paleta de Zorn

La fragilidad de las pinturas de emulsión acrílica

octubre 14, 2019

Las pinturas de emulsión acrílica, desarrolladas a fines de la década de 1950 han sido empleadas extensamente por los artistas y la industria de materiales de arte desde entonces. Sin embargo las pinturas acrílicas presentan varios problemas.

En este artículo revisaremos la información de conservación que existe actualmente sobre ellos. El enfoque de esta revisión será principalmente sobre las preocupaciones actuales de conservación y los efectos de la limpieza de las pinturas a base de emulsión acrílicas.

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Título: Saracen. Artista: John Hoyland. Fecha: 1977. Medio: pintura acrílica sobre lienzo. Dimensiones: 2438 x 2286 x 26 mm. Colección: Tate

Un nuevo medio de expresión artística

Las pinturas de emulsión acrílicas se introdujeron durante la última parte de la década de 1950. Estos materiales ofrecieron una promesa extraordinaria como medio revolucionario para nuevos artistas debido a su gran claridad, su facilidad de manipulación, su facilidad para pintar directamente sobre soportes, estabilidad a la luz ultravioleta, flexibilidad increíble, secado rápido y, por supuesto, dispersabilidad en agua.

A pesar de sus excelentes propiedades mecánicas, las pinturas de emulsión acrílica sufren fácilmente daños, a menudo a través de influencias externas. Dentro de la profesión de la conservación, pronto surgieron inquietudes ya que algunas de estas obras recién pintadas comenzaron a requerir limpieza y reparación.

Problemas fundamentales de conservación de las pinturas acrílicas

  1. La mayoría de los tratamientos de conservación habían sido diseñados para pinturas tradicionales al óleo y se consideraban inadecuados para pinturas de emulsión acrílica, debido en particular a la alta sensibilidad de estas pinturas sintéticas a la mayoría de los solventes orgánicos y al calor. 
  2. La falta total de conocimiento sobre los sistemas de emulsión acrílica, especialmente la complejidad y los cambios constantes en las fórmulas, con información insuficiente proveniente de los fabricantes de materias primas y pinturas de artistas. 
  3. El daño puede ser especialmente notable en las pinturas monocromáticas, lo que altera la delicada textura de la superficie, el color o el brillo, que a menudo son parte integral de la intención de los artistas y pueden alterarse incluso por el más mínimo contacto. 

En suma, dado que el tratamiento de recuperación de pinturas acrílicas es tan difícil, la conservación preventiva es crucial.

Craquelado de una pintura acrílica

Categorías de conservación

Las preocupaciones de conservación con los medios de pintura acrílica tienden a caer en tres categorías y se presentarán como tales, comenzando con el desarrollo y propiedades de pinturas acrílicas para artistas a base de agua, seguidas de propiedades de pintura, propiedades de envejecimiento y los problemas asociados con la limpieza:

Desarrollo  y propiedades de la pintura acrílica.

Probablemente sea obvio para la mayoría de los artistas que todos los acrílicos no son iguales. Las pinturas acrílicas para artistas se componen de una gama de diferentes aglomerantes acrílicos en bruto. Estos diferentes acrílicos pueden contener diferentes bloques de construcción (monómeros) utilizados para crear estos grandes polímeros. Estos bloques de construcción pueden usarse en diferentes proporciones, creando polímeros significativamente más duros o más blandos, o posiblemente alterando la resistencia a la luz del polímero resultante. El proceso para construir estos polímeros también alterará las características del acrílico resultante. 

Algunos acrílicos son más finos, algunos mucho más gruesos, con diferencias relacionadas en características como el brillo y la adhesión. Y hay muchos componentes diferentes que se utilizan para comenzar el proceso de polimerización, así como la adición de otros aditivos. Estos materiales son necesarios para cambiar el flujo y las características de nivelación del acrílico, su compatibilidad con diferentes superficies y para agregar atributos específicos, como la adhesión sobre sustratos de cuero o plástico.

Los pigmentos

Los pigmentos, el segundo aditivo más importante, se dispersan en el polímero y tienen su propia sensibilidad al agua, así como a otros ingredientes en la fórmula de la pintura y otros solventes. También afectan la película de pintura seca a través de su volumen, concentración, su tamaño y forma.

Los aditivos

Los aditivos volátiles aportan cualidades esenciales para el proceso de formulación y secado y, en su mayor parte, se evaporan de la pintura durante el secado, aunque todavía pueden quedar presentes cantidades residuales en la película seca. Estos incluyen los agentes coalescentes, amoníaco y agentes de congelación y descongelación. Los aditivos no volátiles, (aquellos que no se evaporan) igualmente necesarios para lograr las propiedades deseadas de la pintura, permanecerán en el tensioactivo de película seca junto a los espesantes, antiespumantes y conservantes. Su presencia en la película seca puede afectar la conservación y deberá abordarse en futuras investigaciones.

Finalmente, la película seca varía mucho según el método de aplicación, el sustrato sobre el que se pintó el trabajo, así como todas las demás variables mencionadas anteriormente. Burbujas, agujeros, cráteres, pigmentos que se asientan en la superficie, pinturas subyacentes sirven para crear una película de pintura increíblemente diversa. Por lo menos, incluso la película más perfectamente aplicada contendrá poros o microvoides. 

Porosidad de los acrílicos

La porosidad de los acrílicos se reconoce como positiva en algunas aplicaciones para permitir que el vapor de agua pase a través de la película de pintura, reduciendo el riesgo de delaminación. La porosidad del acrílico también proporciona una adhesión mecánica excepcional de las capas de pintura acrílica entre sí. Por supuesto, una película de pintura porosa en obras de arte tiene muchas implicaciones para pintores y conservadores. 

Un recubrimiento poroso puede atrapar la contaminación del aire, la suciedad y la materia extraña, fomentando el crecimiento biológico. Esta película porosa puede atrapar agentes de limpieza de conservación, dejando bolsas de solvente altamente concentradas que pueden interactuar con la película de pintura a largo plazo, lo que puede causar el debilitamiento de la película.

Propiedades de la  pintura

Termoplasticidad

La sensibilidad a la temperatura de los acrílicos puede ser problemática, especialmente cuando las pinturas están almacenadas o en tránsito. Su baja Tg los hace gomosos a temperatura ambiente, atrayendo la suciedad y la contaminación del aire. (La Tg es la temperatura por encima de la cual los polímeros dejan de tener características de rigidez y fragilidad para pasar a ser sólidos plásticos, o sea deformables). Las altas temperaturas y la HR pueden hacer incluso que los materiales de empaque se adhieran a la superficie. 

Bajas temperaturas y humedad relativa

Las bajas temperaturas y la humedad relativa son particularmente dañinas, ya que pueden causar una disminución significativa en la elasticidad de la película de pintura y el consiguiente agrietamiento de la pintura al doblarse. En diversos estudios, las películas de emulsión fueron expuestas a varias combinaciones de temperatura y humedad relativa (HR). Se midieron la resistencia, el módulo y el alargamiento en la rotura. La advertencia fue clara: las bajas temperaturas y la HR baja, condiciones que son factibles en invierno, hacen que las pinturas de emulsión acrílica sean frágiles y susceptibles de agrietarse.

Por el contrario, un ambiente cálido y húmedo, puede alentar el crecimiento de moho. En este caso, el moho suelto y la suciedad se eliminaron con un cepillo seco y una aspiradora, y luego con agua destilada y no iónica. Sin embargo, este tratamiento se complicó aún más por la naturaleza mate y pulverulenta de la pintura; el moho dejó manchas negras en algunas áreas de la pintura.

 Propiedades de envejecimiento

Decoloración

Los medios transparentes de pintura acrílica se observaron amarillentos o decolorados ligeramente en tres estudios. En el primero, los medios acrílicos fueron sometidos a envejecimiento natural y acelerado. Se observó decoloración en las muestras aplicadas a soportes de algodón y lino, más que en las aplicadas al vidrio.

La decoloración apareció poco después de que las muestras se hubieran secado naturalmente; entonces, el envejecimiento acelerado no significa un aumento del color amarillento. La decoloración se atribuyó a la migración de componentes desde el soporte hacia el medio durante el secado. El agua en los medios humedeció el soporte y los componentes internos y, al evaporarse a través de la superficie de la película, introdujo los decolorantes en los medios.

Amarilleo

El color amarillento de los medios de emulsión acrílicos también se notó durante otro estudio. Las muestras de medios acrílicos transparentes, soportadas en placas de vidrio, mostraron un ligero color amarillento (y un aumento de la fluorescencia UV) después del envejecimiento natural en la oscuridad, después del envejecimiento ligero y después del horno. Durante el proceso de envejecimiento, las películas se sometieron a extracción periódica con solvente para monitorear los cambios en MW a través de la viscosidad. El aumento en el amarillamiento coincidió con una disminución en la solubilidad. El amarillamiento se atribuyó a una ligera reticulación de la película. 

Finalmente, en un estudio adicional, se exploró el amarillamiento de las películas acrílicas claras en la oscuridad, lo que proporciona evidencia de que se pueden blanquear a la luz, en diversos grados, al igual que la pintura al óleo; las películas con SID son menos susceptibles al blanqueamiento ligero.

Reticulación y oxidación

La reticulación en emulsiones acrílicas a base de agua puede ocurrir en tres etapas: durante la polimerización / producción de la resina de polímero en bruto; durante el secado / coalescencia de la película de pintura; y durante el envejecimiento (tanto natural como acelerado) de la película seca. Las emulsiones acrílicas pueden formularse para experimentar diversos grados de reticulación durante el secado, dependiendo del uso final del producto, utilizando aditivos llamados reticuladores. Se ha informado que durante el envejecimiento, una película puede reticularse y oxidarse como resultado de la fotodegradación y del efecto del tensioactivo residual.

Las principales consecuencias de la reticulación son un aumento en la fragilidad y dureza, que en realidad pueden mejorar la resistencia de la película a la suciedad y a la abrasión.

Problemas asociados a la limpieza

Utilización de estereomicroscopía para examinar los efectos de los materiales de limpieza de superficies en muestras de pintura acrílica. Foto: © 2015 Tate.

Se confirmó que muchos conservadores tratan las obras de arte acrílicas con productos y técnicas desarrolladas para pinturas tradicionales que  se consideran “autodidactas” en el tratamiento de las pinturas acrílicas en lugar de recibir capacitación a través de su programa universitario.

El problema de tratamiento más común encontrado en las pinturas sin barnizar y barnizadas fue alguna forma de limpieza para la eliminar la suciedad o marcas del vandalismo. Se identificó una amplia gama de materiales y métodos de limpieza, principalmente métodos secos, como cepillos y gomas de borrar, y métodos acuosos, como el agua, a menudo con pequeñas adiciones de amoníaco, tensioactivos o citrato de triammonio, o incluso toallitas húmedas para bebés. Sin embargo, también se citó una gama de solventes orgánicos y geles solventes. Algunas de las principales preocupaciones fueron la dificultad de eliminar la suciedad, la sensibilidad de la pintura, la lixiviación durante la limpieza acuosa, identificar los componentes específicos de los medios, la aplicación y la futura eliminación de barnices y la protección de pinturas sin barnizar.

Métodos para recolección de suciedad

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Monitoreo del proceso de limpieza del retrato acrílico de Andy Warhol de Brooke Hayward. Crédito: MOLAB.

Frecuentemente se menciona en la literatura, aunque rara vez se analiza, la tendencia de una película de pintura de emulsión acrílica a absorber la suciedad a través de la superficie. La suciedad puede entrar en contacto con la pintura a través de contaminantes en el aire, manipulación (como huellas digitales) y accidentes o vandalismo. Se ha sugerido que la contaminación del aire interior, que se acumula gradualmente en una superficie de pintura, puede tardar aproximadamente 50 años en hacerse perceptible para el ojo humano. Los principales factores que se cree que afectan la atracción de la suciedad a las pinturas acrílicas incluyen:

Tg, MW, MFT y punto de reblandecimiento de la resina acrílica. 

Si todos son bajos, entonces la película resultante exhibe una baja dureza a temperatura ambiente, formando una “trampa” pegajosa para la suciedad incidental.

Carga estática. 

Las películas de pintura acrílica son susceptibles de acumular una carga estática, atrayendo polvo del aire.

Concentración de pigmento 

Se ha sugerido que una alta carga de pigmento puede bloquear la acumulación de suciedad. Sin embargo, es probable que la superficie irregular resultante de una pintura de alta carga de pigmento atrape la suciedad mecánicamente y, por lo tanto, aumente significativamente la dificultad de eliminar la suciedad.

Sensibilidad a los disolventes

La sensibilidad de las películas de pintura de emulsión acrílica a los solventes orgánicos limita claramente la elección del conservador de técnicas de limpieza, materiales de pintura y opciones de barnizado y eliminación de barniz. Hay dificultades para eliminar la suciedad incrustada sin alterar la textura, el color y el brillo de la superficie. La limpieza mecánica como las migajas de goma de borrar a veces se utilizan antes de probar las técnicas de limpieza en húmedo.

Sensibilidad al agua

Incluso el agua o los métodos de limpieza a base de agua pueden afectar la superficie de la pintura. Las películas de emulsión acrílica pueden permanecer solubles al agua hasta una semana o más después de la aplicación. Al secarse, se vuelven menos solubles en agua. Sin embargo, es ampliamente conocido entre los conservadores de pinturas modernas que las películas de emulsión acrílica siguen siendo sensibles a hincharse por efecto del agua.

Conclusión

Aunque la discusión sobre la conservación de estas pinturas ha tenido lugar casi desde la introducción de la pintura acrílica de los artistas, claramente existe una falta de información sobre estos materiales y obras de arte que sea relevante para la conservación.

Es importante continuar la investigación y compartir la información entre conservadores, científicos conservacionistas, fabricantes de materiales de pintura artística y artistas. 

Lo único que es incuestionable respecto a la pintura acrílica es que es una pintura frágil, mucho más que la mayoría de las técnicas antiguas y, a la fecha no hemos logrado conservarla de manera exitosa ni producirla de tal forma que sea resistente al paso del tiempo en buenas condiciones.

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Puedes profundizar más acerca de este tema en los siguientes enlaces:

http://d2aohiyo3d3idm.cloudfront.net/publications/virtuallibrary/9780892369065.pdf

https://www.tate.org.uk/research/publications/tate-papers/02/conservation-concerns-for-acrylic-emulsion-paints-literature-review

PD: Gracias por tomarte el tiempo de leer esta publicación y espero que hayas aprendido algo nuevo! Si la publicación te pareció útil, compártela.

Elementos de la pintura en acuarela de John Singer Sargent y William Turner

octubre 1, 2019

En este artículo conocerás aspectos de la forma de trabajar la acuarela de los famosos artistas del medio J.M.W. Turner y John Singer Sargent.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851) es a menudo descrito como el mejor pintor de paisaje en acuarela del siglo XIX. Estaba fascinado por los poderes de la naturaleza y transfirió esta pasión al lienzo mediante sus vibrantes acuarelas.

Tampoco hay duda de que a Sargent (1856-1925) le encantaba la acuarela. Desde el momento en que estudió por primera vez a los maestros en museos y se enamoró de la pintura, utilizó la acuarela para pintar. Y como cualquier verdadero maestro, pudo transferir las técnicas de acuarela que dominó a todos los demás medios con los que trabajó.

J.M.W. Turner

Turner a lo largo de su vida artística implementó todo lo que se entendía como posible dentro del medio de la acuarela. Viajero empedernido, rara vez salía de casa sin un cuaderno de bocetos, lápices y una pequeña caja de acuarelas de viaje. Estos recuerdos de viajes, emociones y fragmentos de paisajes vistos durante sus largas estancias en el extranjero ilustran el desarrollo de su lenguaje estilístico centrado en la experimentación técnica y el potencial expresivo de la luz y el color.

Libertad de expresión

El carácter íntimo y personal de las obras de Turner también brinda la oportunidad de explorar al hombre mismo, obteniendo una comprensión de cómo los desarrollos radicales en su estilo de pintura anticiparon las tendencias de finales del siglo XIX. Desde su amor por las ciudades costeras hasta su interés en representar paisajes atmosféricos ingleses y alpinos, y su estudio detallado de interiores domésticos y relieves arquitectónicos, Turner se dedicó incansablemente a la experimentación, particularmente en acuarelas, con libertad compositiva y estilística innovadora.

El sorprendente uso de colores que hizo Turner durante la creación de sus obras, llevó a sus compañeros a creer que él “parecía pintar con los ojos y la nariz, así como con la mano”.

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Título: La puesta de sol escarlata (1830). Artista: Joseph Mallord William Turner. Medio: Acuarela y gouache sobre papel. Altura: 13,4 cm (5,28 pulg.), Ancho: 18,9 cm (7,44 pulg.)

Combina lo Real y lo Romántico

La Era de la Ilustración del siglo XVIII marcó un momento en que los científicos y artistas se centraron en la importancia de la observación y el estudio. John Ruskin, el gran escritor inglés y crítico de arte de la época, escribió que J.M.W. Turner (1775-1851) “solía caminar por una ciudad con un rollo de papel delgado en el bolsillo para hacer algunos esbozos en una hoja o dos, que eran una indicación taquigráfica de todo lo que deseaba recordar. Cuando llegaba a su posada por la noche, completaba rápidamente la obra y agregaba todo el color necesario para registrar su plan de la imagen”.

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Título: Estudios de color (1) Bocetos. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 1834–6 Medio: Acuarela sobre papel. Dimensiones: 77 x 101 mm. Colección: Tate

Sin duda, Turner fue influenciado por la Era de la Ilustración, pero también fue producto de la Era Romántica (1789-1837), una época en que el arte y la ciencia estaban inexorablemente vinculados. Al igual que otros artistas románticos, no solo estaba interesado en la observación, sino también en la emoción. Sus sujetos a menudo tenían connotaciones simbólicas y su pincelada eran tan subjetiva como objetivas.

Representando la furia de la naturaleza

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Título: La quema de las Casas del Parlamento de Londres. Artista: J. M. W. Turner. Fecha: 1834 o 1835. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 36.2 ″ (92 cm); Ancho: 48.5 ″ (123.1 cm). Colección: Philadelphia Museum of Art

Cuando las Casas del Parlamento de Londres fueron consumidas por las llamas el 16 de octubre de 1834, Turner estaba en alta mar en un bote de remos, registrando rápidamente la dramática escena en su cuaderno de bocetos.  La escena fue capturada desde numerosos puntos de vista, por lo que cada acuarela tiene una perspectiva diferente del suceso.

Cuando Turner pintó este gran monumento en llamas, no se centró en los detalles. Pintó la furia de las fuerzas de la naturaleza. En sus manos, el fuego, el agua y el cielo lleno de humo se convirtieron en un evento apocalíptico.

Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm
Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm.
Título: Incendio en la Torre de Londres. Artista: Joseph Mallord William Turner. Fecha: 184. Medio: Acuarela sobre papel blanco tejido, 235 x 325 mm.

Cuando miras la serie de bocetos del incendio que hizo en el sitio, puedes ver dónde literalmente atacó el papel con pinceladas furiosas. Y en un estudio del suceso realizado un año después, Turner todavía explora el tema de la furia de la naturaleza y lo desarrolla en versiones más ricas y complejas. De hecho, Turner estaba tan fascinado con el tema que lo pintaría una y otra vez tanto en acuarela como en óleos.

Creando atmósferas sublimes

Turner  “Se sintió particularmente atraído por los paisajes donde la tierra se encuentra con el agua, debido a los hermosos efectos causados ​​por la luz y el clima”.

En El lago de Lucerna de Brunnen, con un barco de vapor, Turner utilizó una acumulación de aguadas superpuestas para crear una vasta perspectiva, sumergiendo al espectador profundamente en el espacio de la imagen, con algunas masas de color definidas como sombras. Habiendo logrado este efecto, comenzó a agregar pequeñas manchas de color o detalles delineados usando un pincel muy fino. Drummond describe la serie de la que proviene esta obra como las acuarelas más sublimes, evocadoras y atmosféricas del artista que resultaron de sus viajes a Suiza.

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Título: El lago de Lucerna de Brunnen, con un barco de vapor. Artista: Joseph Mallord William Turner. Dimensiones: 9 ¾ x 12⅛ pulg. (24.8 x 30.8 cm).

Durante las décadas de 1830 y 1840, Turner utilizó pequeñas hojas de papel gris para algunos de sus bocetos más espontáneos. En estos, aprovechó el gris del fondo para exaltar las luces superficiales que colocaba con blanco y hacer que tanto ellas como los colores aparenten ser más vibrantes. Este sistema lo utilizó para crear imágenes de los espacios abiertos de Venecia, o vistas panorámicas sobre los ríos de Alemania.

Contraria a la forma en que hoy en día se trabaja la acuarela siempre sobre fondo blanco, Turner empleó muchos fondos distintos, dependiendo de lo que quería retratar sobre ellos. Así mismo Turner solía emplear en sus acuarelas el color blanco aplicado de distintas formas, práctica también contraria a lo que hoy en día muchos consideran la forma correcta de trabajar la acuarela.

Las hojas en que pintaba generalmente medían alrededor de 5 ½ x 7 ½ pulg., pero estaban dobladas y rasgadas de trozos de papel mucho más grandes.

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Título: Figuras a la orilla de Margate. Artista: Joseph Mallord William Turner. Medio: Acuarela. Dimensiones: 5¼ x 7¼ pulgadas (13.6 x 18.4 cm).

También utilizó las hojas grises de bolsillo, como en Figuras a la orilla de Margate (arriba), en este caso registró sus observaciones de la costa, cerca de su alojamiento en Margate en el sureste de Inglaterra. Además de la acuarela, creó las imágenes aplicando tizas, como reflejos blancos que sugieren tanto las olas espumosas cerca de la orilla como la caída de la luz en edificios distantes. Simultáneamente, el contraste entremezclado del tono más claro con los colores utilizados para las figuras crea una sensación dinámica de animación borrosa.

John Singer Sargent

“Vivir con las acuarelas de Sargent es vivir con la luz del sol capturada y mantenida”, dijo uno de los muchos biógrafos del artista.

John Singer Sargent tenía un enfoque fresco y seguro de la acuarela y para mantener expresiones fluidas, empleó gouache y cera resistente para crear reflejos.

Los caminos de Sargent

En Hombre con paños rojos, todo el espacio vibra con la energía de sus pinceladas.

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Título: Hombre con ropaje rojo. Artistas: John Singer Sargent. Fecha: Después de 1900. Medio: acuarela y grafito sobre papel blanco tejido. Dimensiones: 14 3/8 x 21 1/8 pulg. (36,5 x 53,7 cm)

El genio de la técnica de acuarela de Sargent radica en su capacidad para sugerir formas y detalles con solo unos pocos trazos. Un brillante ejemplo de su dominio y eficiencia es su representación del ombligo de la figura. Se deja un pequeño óvalo de papel en reserva; encima de él, un charco de pigmento más oscuro se reúne, como por accidente, para describir sus contornos.

Un gran pintor, un gran dibujante

Como lo demuestra su pincelada confiada, Sargent fue un excelente dibujante, como resultado de años de práctica constante. Un artista amigo, Adrian Stokes, al observarlo, señaló: “Una vez que se asentó su técnica… la rapidez y la franqueza con la que trabajó fue increíble… Su mano parecía moverse con la misma agilidad que cuando tocaba las teclas de un piano… fue mágico”.

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Título: Roma: un estudio arquitectónico. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1906-7. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimesiones: 34,9×50,2 cm

En Roma: un estudio arquitectónico (arriba) donde se ve un dibujo meticuloso (incluso se pueden ver sus trazos de lápiz en la parte superior de la base de la columna) y una aplicación más cuidadosa de la pintura. Sin embargo, permite que sus colores se mezclen libremente, insinuando la textura de la superficie de la piedra. Cada pintura muestra cómo Sargent se deleita en permitir que la acuarela haga lo suyo, definiendo todo el esquema con la menor cantidad de trazos posibles.

Usar bordes

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Título: Músicos ciegos. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1912. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 39,4×53 cm. Colleccion: Aberdeen Art Gallery & Museums.

En Músicos ciegos (arriba), las dos figuras se fusionan utilizando áreas húmedas con bordes lo suficientemente gruesos como para permitir que nuestra imaginación complete la imagen. Observa  cómo las áreas tonales claras, medias, oscuras y simples describen el sombrero, la cabeza y los hombros del músico de la derecha. También puedes observar su dibujo a lápiz inicial, particularmente en los dos instrumentos.

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Título: Grupo de soldados españoles convalecientes. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1903. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar, con color de cuerpo. Dimensiones: 29.9×40.7cm.

La obra Grupo de soldados españoles convalecientes (arriba) muestra las figuras fusionándose con el fondo oscuro. Su economía de trazo se ve claramente en la figura más cercana con los pliegues de los pantalones y las sandalias representadas con solo unos pocos movimientos del pincel. Con la tercera figura, Sargent ha usado gouache para separarla del fondo, pero, una vez más, ha empleado solo un par de golpes rápidos y seguros del pincel.

Crear áreas tonales

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Título (en inglés): Bed of a Torrent. Artista: John Singer-Sargent. Fecha: 1904. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 36x51cm.

Planear y vincular áreas tonales puede ser una de las tareas más desafiantes y en Bed of a Torrent (arriba) lo ha logrado de manera excelente. Le da sustancia a las piedras utilizando variaciones sutiles de color y tono creando la ilusión de docenas de piedras individuales, pero todas están unidas suavemente. En esta ocasión, ha usado el goache para crear los reflejos más brillantes y en ocasiones cera para bloquear áreas y mantener el color del fondo al trabajar wet on wet permitiendo que los brillos de ciertas piedras tomen el centro del escenario.

Jugar con la luz

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Título: Fuente española. Artista: John Singer Sargent. Fecha: 1912. Medio: acuarela sobre papel, sobre lápiz preliminar. Dimensiones: 53,3×34,6 cm.

Cualquiera de las acuarelas de Sargent no se vería fuera de lugar en una exposición moderna simplemente porque sus técnicas son tan emocionantes hoy como lo fueron en 1900. Su dominio de la luz probablemente se ilustra mejor en la obra Fuente española (arriba) donde ha logrado combinar de forma deslumbrante, directa y suave la luz reflejada.

A mi particularmente me encanta la representación de la cabeza y los hombros de la figura central. Observa cómo la luz del sol impactando la parte superior del cuerpo contrasta con la sombra proyectada en el hombro que a su vez contrasta con la sombra más oscura detrás. Sin embargo, en la escala tonal, este tono más oscuro no es más fuerte que el del medio. Esto sugiere perfectamente la luz reflejada y muestra qué tan bien pudo controlar este medio.

Si deseas seguir profundizando en el medio de la acuarela, te recomiendo consultar los siguientes artículos del blog:

Historia de la técnica de acuarela

Los mejores colores (pigmentos) para el medio de acuarela

La técnica mixta de Henri de Toulouse-Lautrec

PD: Gracias por tomarte el tiempo de leer esta publicación y espero que hayas aprendido algo nuevo! Si la publicación te pareció útil, compártela. Además, no olvides suscribirte en nuestro boletín semanal si deseas obtener más información sobre temas de pintura.

Las teorías del color según Van Gogh, Monet, Matisse y otros artistas.

septiembre 21, 2019

El fauvismo fue el primer movimiento de arte de vanguardia del siglo XX. Encabezado por un trío de jóvenes pintores con sede en París, Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, se caracterizó por un color intenso, expresivo y no naturalista, junto con pinceladas sueltas y formas simplificadas.

Activos desde 1905 hasta 1910, los fauvistas recurrieron y avanzaron varias corrientes de arte recientes: principalmente la de los impresionistas, postimpresionistas y puntillistas, haciendo particular énfasis en dos pintores; Gauguin y Van Gogh, quienes se negaron a usar los colores de una manera que literalmente correspondía a los temas que estaban describiendo.

En este artículo haremos un recorrido por las formas de uso del color por los impresionistas y posteriormente cómo fueron evolucionando en las obras de los fauvistas.

Teorías del color en el impresionismo

Los impresionistas consideraban que los colores utilizados por Eugene Delacroix (1798-1863) y los otros pintores románticos de principios del siglo XIX eran demasiado oscuros para sus propósitos. Prefirieron limitar su rango más o menos a los colores del espectro, y eligieron amarillo, naranja, bermellón, carmesí, violeta, azul y verde. Estos estaban en línea con los estudios científicos de Chevreul a principios de siglo, y con los estudios de Maxwell, Young y Lambert que habían transformado la química del color.

Teorías del color de Chevreul

Según la teoría de Chevreul, los colores se pueden dividir en dos grupos: los colores primarios, amarillo, rojo y azul; y los colores secundarios, naranja formado al mezclar rojo y amarillo, verde al mezclar amarillo y azul, y violeta al mezclar rojo y azul. Un color secundario parece más fuerte cuando está al lado del color primario no incluido en su mezcla. Por ejemplo, el naranja se intensifica cuando se coloca junto al azul, puesto que el azul es complementario del naranja; de la misma manera, el rojo es el color complementario del verde y el amarillo es el complementario del violeta.

Chevreul señaló que los colores complementarios se anulan entre sí cuando se mezclan en proporciones iguales, lo que desde el punto de vista del pintor significa que producen un gris neutro. También notó que cuando se mezclan en proporciones desiguales, dos colores complementarios dan un color degradado, es decir, un color neutro que tiende hacia el marrón, gris u oliva. De todo esto resulta una serie de leyes ópticas que pueden enunciarse en términos cuasi algebraicos:

  • Complementario puro adyacente a complementario roto = dominio de uno y armonía de los dos.
  • Puro complementario en un tinte claro adyacente al puro complementario en un tono oscuro = diferencia de intensidad y armonía.
  • Dos colores similares uno al lado del otro, uno puro y el otro degradado, hacen un sutil contraste entre sí.
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Ejemplos de los tipos de contraste antes mencionados

Pintura impresionista: estudio del color tal como se produce en la naturaleza

Los impresionistas fueron los primeros pintores de la historia del arte en tener relación directa con la teoría científica del color. Si bien su aproximación a la misma fue más intuitiva que académica, ella les influyó considerablemente. Estudiaron la naturaleza, y cualquier ecuación científica se utilizó para adaptarse a su conveniencia en su lucha por la luminosidad. Las leyes de la ciencia dieron un apoyo moral al pintor impresionista. Ahora se atrevió a hacer lo que Delacroix no habría hecho. El científico estudió la luz para analizar sus cualidades o buscar medios artificiales para producirla, pero el pintor intentó expresar su cualidad poética.

La mezcla negativa de colores en la paleta reducía su “pureza”, por lo que el artista trató de lograr la mezcla positiva recibida por el ojo, en la que los colores conservaron su pureza y parecieron vibrar, exaltándolos aún más mediante el uso de los contrastes correctos. Cuando se ve desde una distancia adecuada, los colores “puros” yuxtapuestos colocados en relación a colores contrastantes parecen mezclarse en la superficie del lienzo para dar combinaciones ópticas positivas (que exaltan la “pureza” y luminosidad del color”). La pintura impresionista se formó por la yuxtaposición de distintos colores, dispuestos de acuerdo con las leyes ópticas de los colores complementarios. La técnica impresionista da la apariencia de una atmósfera con luminosidad exaltada conformada por colores de pureza acentuada que remite a la experiencia directa de la luz y el color en la naturaleza.

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Título: Paisaje cerca de Montecarlo. Artista: Claude Monet. Fecha: 1883

Monet y la teoría del color

Uno de los pintores con una comprensión profunda de la teoría del color fue Monet. Sus esquemas de color siempre parecen estar perfectamente controlados. Él tenía una jerarquía, lo que es importante tenerlo en cuenta al jugar con los colores. Por supuesto, es mucho más fácil de controlar cuando se pinta en comparación con la fotografía, pero entender cómo el color puede atraer la atención o completar una paleta es valioso para cualquier artista que intente crear una obra artística de colores armoniosos.

El color rojo es bien conocido por llamar nuestra atención. Aquí podemos ver cómo Monet lo usa no solo para llamar la atención sobre las flores (lo que agrega una buena repetición a la composición de la escena), sino que hace algo más importante. Enciende el esquema de color con su paleta limitada y da vida a la pintura mediante contrastes. Vemos principalmente colores “fríos” (azules luminosos y verdes agrisados), luego un toque de “calor” para encenderlo (rojos, naranjas y amarillos).

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Artista: Claude Monet. Título: Campo de amapolas rojas en Argenteuil. Fecha desconocida. Técnica: óleo sobre tela. Dimensiones Altura: 500 mm; Ancho: 650 mm. Colección: Museo de Orsay

Equilibrio en la paleta de colores

Monet emplea tres tipos de contraste en la escena:

  • Entre colores obscuros y claros (verde obscuro en relación a colores claros)
  • En medio de colores complementarios (vedes y rojos, azules y naranjas)
  • Entre colores puros y agrisados (verdes agrisados y rojos naranjas puros)

La luminosidad en el cuadro se logra aprovechando todos los contrastes antes mencionados para exaltar la luminosidad de los colores más puros de la escena.

El uso del color de Van Gogh

Vincent van Gogh es quizás uno de los pintores postimpressionistas más famosos en el mundo actual. Un pintor semi autodidacta a menudo asociado con colores vivos y llamativos debido a las pinturas de su carrera posterior en Francia. Su teoría del color, derivada de las teorías del color de Eugène Delacroix, se basó en gran medida en la yuxtaposición de colores primarios y secundarios conocida como la ley del contraste simultáneo, y la contraposición de colores puros en relación a colores muy agrisados. Un concepto descrito por primera vez por Michel Eugène Chevreul, la ley del contraste simultáneo, así como los contrastes tonales y la relatividad del color formaron la base de la teoría del color de Van Gogh como se ve en su obra (ahora altamente desteñida) Dormitorio en Arles.

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Título: Dormitorio en Arles. Autor: Vincent van Gogh. Fecha: octubre de 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 72,4 cm (28,5 ″); Ancho: 91,3 cm (35,9 ″). Colección: Museo Van Gogh

Van Gogh y la ley del contraste simultáneo

El contraste simultáneo es más evidente cuando los colores complementarios se colocan uno al lado del otro. Piensa en el uso de Van Gogh de azules brillantes y naranjas amarillos en la pintura “Café Terraza en la Place du Forum, Arles” (1888) o los rojos y verdes en “Café de la noche en Arles” (1888).

En una carta a su hermano Theo, van Gogh describió el café que representó en “Café nocturno en Arles” como “rojo sangre y amarillo opaco con una mesa de billar verde en el centro, cuatro lámparas de color amarillo limón con un brillo naranja y verde. En todas partes hay un choque y un contraste de los rojos y verdes más dispares”. Este contraste también refleja las” terribles pasiones de la humanidad” que el artista observó en el café.

Van Gogh utiliza un contraste simultáneo de colores complementarios unido a un contraste entre colores puros y colores muy agrisados para transmitir emociones fuertes. Los colores chocan entre sí, creando una sensación de intensidad luminosidad y calor.

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Artista: Vincent van Gogh. Título: Café nocturno en Arles Fecha: septiembre de 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 72,4 cm (28,5 ″); Ancho: 92,1 cm (36,2 ″). Colección: Galería de Arte de la Universidad de Yale

Contrastes tonales

La segunda parte de la teoría del color de Van Gogh es el uso de contrastes tonales y la relatividad del color. Los contrastes tonales (no confundir con valores tonales), también conocidos como tonos rotos, y la relatividad del color son aspectos importantes de la teoría del color complementario. Los contrastes tonales, como lo describe Charles Blanc en su ensayo sobre Delacroix, ocurren al mezclar colores complementarios en proporciones desiguales. Esto hace que los colores se destruyan solo parcialmente, lo que da como resultado un tono roto que será una variedad de grises.

En una carta a su hermano Theo, Van Gogh describe este concepto con el uso de verde y rojo. Una mezcla igual de verde y rojo, por ejemplo, produce gris, mientras que proporciones desiguales resultan en gris rojizo o gris verdoso. Tales mezclas desiguales, conocidas como tonos rotos, se debilitan entre sí cuando se yuxtaponen. Sin embargo, si un tono roto, como un gris rojizo, se coloca junto a un tono completo, rojo, por ejemplo, el resultado será un contraste.

Relatividad del color

En el ensayo de Blanc, se analiza la relatividad del color y el hecho de que el efecto de un color depende de quienes lo rodean. Este concepto tuvo una impresión duradera en Van Gogh, ya que era relevante por su uso de colores complementarios para crear contrastes simultáneos además de la aplicación de contrastes tonales en una pintura. Entendió que podía pintar un color muy oscuro y, sin embargo, hacer que pareciera claro, siempre que los tonos de color circundantes fueran aún más oscuros. Dado que el color es relativo y depende de los colores que lo rodean, no es necesario elegir un color que coincida con la realidad.

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Título: Florero con catorce girasoles. Artista: Vincent van Gogh (1853-1890). Fecha: 1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 92.1 cm (36.2 ″); Ancho: 73 cm (28.7 ″). Colección: National Gallery

Los colores vívidos del Fauvismo

¿Qué es el fauvismo?

Fauvismo, estilo de pintura que floreció en Francia a principios del siglo XX. Los artistas del fauvismo utilizaron colores puros y brillantes aplicados agresivamente para crear una sensación de explosión en el lienzo.

Nada tenía prioridad sobre el color para los Fauves. El color puro y crudo no era secundario a la composición, definía la composición. Por ejemplo, si el artista pintó un cielo rojo, el resto del paisaje tenía que seguir su ejemplo. Para maximizar el efecto de un cielo rojo, podría elegir edificios de color verde lima, agua amarilla, arena naranja y barcos de color azul real. Podría elegir otros colores igualmente vívidos. La única cosa con la que se puede contar es que ninguno de los Fauves representó paisajes con colores realistas.

Los Fauves pintaron directamente de la naturaleza, como los impresionistas lo habían hecho antes que ellos, pero las obras fauvistas fueron investidas de una fuerte reacción expresiva a los temas retratados. Exhibidas formalmente por primera vez en París en 1905, las pinturas fauvistas conmocionaron a los visitantes del Salon d’Automne anual. Uno de estos visitantes fue el crítico Louis Vauxcelles, quien, debido a la violencia de sus obras, llamó a los pintores fauves (“bestias salvajes”).

Henri Matisse

El líder del grupo era Henri Matisse, quien había llegado al estilo Fauve después de experimentar con los diversos enfoques posimpresionistas de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Sus estudios lo llevaron a rechazar las representaciones tradicionales del espacio tridimensional y a buscar un nuevo espacio de imagen definido por el movimiento del color. Expuso su famosa obra Mujer con el sombrero (1905) en la exposición de 1905. En esta pintura, los trazos vivos de color —azules, verdes y rojos— forman una visión enérgica y expresiva de la mujer. La aplicación de pintura cruda, que dejó expuestas áreas de lienzo en bruto, fue espantosa para los espectadores en ese momento.

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Mujer con el sombrero (1905). Henri Matisse.

La característica más prominentemente asociada con el fauvismo es un uso brillante y audaz del color. La pintura a gran escala de Matisse, Le bonheur de vivre, ilustra este interés. Aunque la escena se basa en un entorno natural, Matisse renunció casi por completo a tonos neutros para un esquema de color caleidoscópico. Además de los naranjos, la hierba azul y un cielo rosa pálido, también representaba las figuras en un arco iris de tonos.

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Título: Le bonheur de vivre. Fecha: 1905-1906. Artista: Henri Matisse. Óleo sobre lienzo, 176,5 x 240,7 cm (69 1/2 x 94 3/4 pulg.). En la colección de la Fundación Barnes.

Uno de los mejores coloristas del siglo XX

Involucrado en la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura, Matisse utilizó los colores de la manera más expresiva y decorativa. Sus pinturas Fauve se caracterizan por el uso de colores puros contrastados y el blanco del lienzo expuesto que creó una atmósfera llena de luz. Como fue influenciado principalmente por el arte de varias culturas, a menudo incorporó elementos decorativos del arte islámico, japonés y africano. Puso un gran énfasis en la figura humana y la trató de varias maneras. El pintor se centró principalmente en temas como la naturaleza muerta y el desnudo. Una vez escribió que quería crear arte que fuese “una influencia calmante y relajante en la mente, algo así como sentarse en un buen sillón”.

Para Matisse, la relación entre los colores en un lienzo es intrínseca al proceso de selección de colores. “Hay una gran proporción de tonos que pueden inducirme a cambiar la forma de una figura o transformar mi composición”, escribió en Notas de un pintor. “Hasta que haya alcanzado esta proporción en todas las partes de la composición, me esfuerzo por seguir y seguir trabajando. Entonces llega un momento en que cada parte ha encontrado su relación definitiva, y desde ese momento en adelante sería imposible para mí agregar un trazo a mi imagen sin tener que pintarla de nuevo”.

Andre Derain

Pintor y escultor francés, Andre Derain fue cofundador del fauvismo con Henri Matisse. Las pinturas fauvistas de Derain traducen cada tono de un paisaje en color puro, que aplicó con pinceladas cortas, contundentes y vibrantes.

Sus pinturas se caracterizan por el uso expresivo de colores, la simplificación de la forma y la fascinación por el arte primitivo. Este interés por el arte primitivo surgió después de la exposición en el Museo Negro de Londres que dio como resultado el inicio de una colección de arte tribal de África. A lo largo de su práctica, buscó encontrar arte que no necesitara un contexto para ser valorado y que influyera en varias generaciones en el futuro. Este enfoque lo acercó al simbolismo. Derain jugó un papel clave en el desarrollo de otro movimiento artístico significativo. Su asociación con Pablo Picasso y Georges Braque fue parte integral del cubismo temprano.

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Título: La danza. Artista: Andre Derain. Fecha: 1906. Medios: óleo, lienzo. Dimensiones: 175 x 225 cm. Ubicación: Colección Privada

Teorías en el uso del color durante el neo y post- impresionismo.

agosto 13, 2019

Durante el siglo XIX, escritores como Michel Eugéne Chevreul y Charles Blanc  escribieron tratados sobre color, efectos ópticos y percepción. Adaptaron la investigación científica de Hermann von Helmholtz e Isaac Newton a una forma accesible para el común de la gente.  Estos tratados sobre la teoría del color se dice que influyeron en la base de la técnica de los pintores post-impresionistas y neoimpresionistas.

Michel-Eugene Chevreul

Su gran contribución fue producir una rueda de colores de matices primarios e intermedios. Chevreul fue un químico francés y director de los trabajos de tintura en Gobelins, la fábrica real de tapices. Su interés en la teoría del color comenzó con una queja de los tejedores de la fábrica. Estos afirmaron que las muestras de hilo negro tenían un tono diferente o al menos se veían diferentes cuando se veían junto con otros colores en un tapiz.

Chevreul investigó y descubrió que la causa no era el color en sí mismo, sino la percepción del mismo cuando se veía junto con otros colores. Basado en esto, produjo las primeras reglas generales de los efectos psicológicos del color.

Las teorías del color de Chevreul

Ley de contraste simultáneo

Chevreul describió su teoría del contraste simultáneo en Los Principios de Armonía y Contraste de Colores y su Aplicación a las Artes publicada en 1839.

Contraste simultáneo de dos tonos.

Señaló que el cerebro exagera las diferencias para percibirlas mejor. Si por ejemplo, dos muestras del mismo tono, una más clara y otra más oscura, se colocan una al lado de la otra, la muestra más clara aparecerá aún más clara y la muestra oscura aún más oscura que si se vieran por separado.

Contraste simultáneo de color

Esta observación se aplicó tanto a la claridad de las muestras como a los tonos y para explicar esto Chevreul utilizó el concepto de colores complementarios. Chevreul produjo una rueda de colores que muestra los colores y sus complementarios. A continuación se muestra la rueda de colores publicado en su libro.

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Rueda de colores de Michel-Eugene Chevreul

Contraste simultáneo de colores complementarios.

Se puede percibir un efecto similar con colores complementarios. Por ejemplo, si el rojo y el verde se yuxtaponen, el rojo aparecerá más rojo ya que está siendo influenciado por la percepción del color complementario del verde, que es el rojo.

Contraste simultáneo de colores similares.

Con dos colores similares se aplica la misma regla: el complementario de cada uno afectará al otro. Sin embargo, el efecto es diferente. Por lo tanto, si el rojo se coloca junto al naranja, se verá como un rojo más violeta debido al tinte azul que induce el naranja. Si se coloca el mismo rojo junto al violeta, se verá más naranja debido al tinte amarillo del violeta.

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Contraste simultáneo de colores similares.

Contraste sucesivo

El contraste sucesivo es similar al contraste simultáneo, excepto que esto último ocurre inmediatamente mientras que el contraste sucesivo está relacionado con las imágenes posteriores. Por ejemplo, un observador mira fijamente un color y luego mira hacia otro lado, se puede ver una imagen posterior del color complementario.

Imagen de tiras amarillas y azules. Todos los rojos son del mismo rojo, y todos los verdes son del mismo verde, su percepción cambia según los colores adyacentes.

Contraste mixto

La ley del contraste mixto se aplica si, por ejemplo, observa un área de color rojo anaranjado e inmediatamente después observa un área de color amarillo. El amarillo aparecerá en verde ya que se habrá mezclado con la imagen posterior azul del rojo. Por lo tanto, este concepto se aplica mucho a obras de arte a gran escala o murales que se ven “sucesivamente” y que, en general, tienen áreas más grandes de colores fuertes.

teoría-color-neoimpresionismo

Charles Blanc

El libro de Blanc, Gramática de las artes del dibujo (Grammaire des Arts du Dessin), publicado en 1867 presentó, entre otras cosas, su teoría del color, fueron estudiados por artistas de ese período, incluidos Van Gogh, Gaugin y Seurat. Los escritos de Blanc se declaran como “los textos más influyentes en la teoría del color de la segunda mitad del siglo XIX”. Por lo tanto, él y sus teorías tuvieron una influencia significativa especialmente en los artistas que formaron parte del movimiento Impresionista y Neo-Impresionista.

La rueda de colores de Charles Blanc Charles Blanc contribuyó a la teoría del color a través de su desarrollo posterior de las leyes de contraste simultáneo presentadas originalmente por Michel Eugène Chevreul.

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Extracto de la Portada del libro Grammaire des Arts du Dessin de Charles Blanc

La influencia de Chevreul y Charles Blanc en el arte neo y post impresionista

Es difícil medir cuántos artistas habrían leído las teorías de Chevreul de primera mano. En muchos casos, parece que descubrieron sus teorías de fuentes secundarias, como el Grammaire de arts du dessin de Charles Blanc. Se sabe que Seurat, Signac, Gaughin y Van Gogh leyeron el texto de Blanc y, a través de esto, llegaron saber sobre las teorías del color de Chevreul. Asimismo, existen testimonios de que Delacroix compró notas que alguien había hecho en una de las conferencias de Chevreul.

Cromoiluminarismo

Durante la década de 1880 la pintura comienza a realizarse como un un fiel reflejo de la naturaleza y un interés en la organización de los colores en el lienzo. Esto provocó un renovado interés en las teorías de Chevreul. Camille Pissarro (1830-1903), Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1935) comenzaron a explorar un enfoque más científico del color que resultó en el uso de pequeños puntos de color complementario para “aumentar” la luminosidad de sus pinturas.

El estilo de pintura neoimpresionista conocido como cromoluminarismo (también llamado divisionismo) utilizaba puntos o parches de color individuales que interactuaban ópticamente para crear colores en lugar de mezclar los colores en la paleta. Los cromoluminaristas creían que esto les daba a sus pinturas la máxima luminosidad científicamente posible. Fue este uso de las reglas científicas y las teorías de los colores lo que separó a los neoimpresionistas de los primeros impresionistas quienes en su mayoría se valieron del instinto y la intuición para crear colores en sus pinturas.

George Seurat

Seurat experimentó con diferentes formas de aplicar pintura a medida que avanzaba hacia un enfoque más científico para la aplicación del color.

Con el paso del tiempo, desarrolló la técnica de pequeños puntos de color puro aplicados uno junto a otro en el lienzo, una técnica que se conoció como puntillismo. Esta fue su interpretación del trabajo de Chevreul y al hacerlo, estaba trabajando con la idea de que el ojo del espectador “mezclaría” los colores en lugar del color específico que se mezclaba en la paleta.

Mujer joven empolvándose (1888-1890) Georges Seurat. Óleo sobre lienzo, 95 x 79 cm, Courtauld Gallery, Londres

En esta imagen de su amante, Madeleine Knobloch, Seurat explotó completamente su técnica puntillista. Los puntos finos están completamente separados y se colocan junto a colores similares ó complementarios para crear una sensación de sombra y profundidad. Este enfoque muy estructurado tiende a crear un efecto plano y decorativo. Parte de lo que Seurat buscaba era crear una mayor luminosidad de color. Sin embargo esta técnica parece no funcionar del todo debido a que el color de la pintura no es tan vibrante como el logrado por otros postimpresionistas o los fauvistas posteriores.

Camille Pissarro

Pissarro estaba interesado en la teoría del color incluso hasta el punto de enmarcar sus pinturas en marcos blancos que no influirían en los colores del lienzo. También tiñó los bastidores con el color complementario del color más dominante en la imagen.

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La petite Bonne de campagne (1882). Camille Pissarro. Pintura al óleo sobre lienzo. Soporte: 635 x 530 mm. COLECCIÓN: Tate

En La petite Bonne de campagne, la luz de la criada proviene de la izquierda iluminando a la criada que cepilla el piso. Muy probablemente haciéndose eco del trabajo de Chevreul, los azules de su blusa y falda complementan los colores ocres del piso, las sillas y la carpintería y crean una atmósfera rica y brillante.

Las pinceladas parecen estar sueltas y similares a la técnica de balayé entrecruzado que utilizó Seurat. La paleta limitada, de azules, ocres y cremas, ayuda a unificar la imagen. Además, la pincelada en esta imagen muestra por qué Pissarro influyó en una generación de jóvenes artistas en la década de 1880 y por qué estaba abierto a la técnica puntillista que Seurat y Signac explotaron por completo.

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh (1853-1890) había leído las teorías de Charles Blanc sobre el color. Su retrato de Alexander Reid muestra algunas de estas influencias. Los colores principales son terracota, ocres, cremas y verde. El verde del traje de Reid y la silla en la que se sienta contrastan con el fondo de terracota. Van Gogh usa una mezcla de tiras de color más largas y más cortas, algo entre puntillismo y balayé. La sensación de movimiento es muy típica de su estilo y el barrido del fondo se repite en la línea del cabello de Reid, lo que obliga a mirarlo a la cara. También hay casi un efecto de claroscuro contrastante con la palidez de la cara de Reid que emerge de los trazos del fondo oscuro.

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Retrato de Alexander Reid (1887). Vincent Van Gogh. Medios: aceite, cartón. Ubicación: Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, Reino Unido

Es obvio por las referencias en las cartas de Van Gogh que él tenía conocimiento de la teoría del color y que había leído el Grammaire de arts du dessin de Charles Blanc. Instintivamente, supo cómo hacerlo suyo y, en los 3 años restantes de su vida, se alejó del trabajo plano e ilustrativo de algunos de sus contemporáneos. Su objetivo era crear un estilo que fuera verdaderamente original y una mejor expresión de su yo interior.

Goethe y el origen de la psicología de los colores.

agosto 13, 2019

¿Alguna vez has sentido curiosidad sobre cuál es el vínculo existente entre las emociones y el color? Es decir, ¿qué colores son los más idóneos para expresar felicidad, calma, vitalidad o dramatismo? Antes de Goethe, nadie había intentado vincular científicamente los colores y las emociones. Su libro “Teoría del color” (Zur Farbenlehre, 1810) tenía como objetivo explicar los efectos sensuales que el espectro visual puede tener en la mente humana.

Un hecho curioso es que incluso hasta el día de hoy, las opiniones de Goethe no han perdido relevancia. Su investigación y conclusiones sobre los vínculos entre la psicología humana y los colores se convirtieron en un punto de referencia para muchos hombres y artistas respetados de la talla de Georg Hegel, Wassily Kandinsky, Aleksei Losev, Max Lüscher y más.

Punto de vista de Goethe sobre el color

Goethe siempre mantuvo los efectos emocionales individuales de los colores en foco. Esto empujó sus teorías lo suficiente como para que prevalecieran en el campo científico desde los días de Newton. Con el tiempo, sus descubrimientos fueron mejorados y modificados, pero preservando su propósito original.

Goethe y las teorías de Newton sobre el color

Mientras Newton realizó su investigación sin tener en cuenta el ojo humano, Goethe describió sus puntos de vista desde el punto de vista de la experiencia humana de los colores. El gran escritor no compartió el mismo entusiasmo que el resto del mundo sobre las opiniones de Newton. Según Goethe, los círculos intelectuales ignoraban por completo el aspecto crucial y emocional del tema.

No se puede negar que vivimos en un mundo ahogado en contenido visual. Tú, en este momento, eres un excelente ejemplo de eso. Tal vez el color rojo o amarillo de la imagen destacada fue lo que captó tu atención para abrir este artículo y desear leerlo. La forma en que la psicología de los colores abarca el arte de la persuasión es realmente notable. De hecho, todos estamos rodeados por las diversas aplicaciones y mejoras de las teorías de Goethe.

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Ramas de un almendro en flor rojo. Vicent Van Gogh

Rueda de colores de Goethe

El círculo de colores de Goethe fue una forma de ilustrar el orden natural del espectro visible de colores. Además fue el primer intento documentado de vincular el tono y el brillo de los colores con un estado emocional único.

Goethe asocia el rojo con lo “bello”, el naranja con lo “noble”, el amarillo con lo “bueno”, el verde con lo “útil”, el azul con lo “común”. Por último y cerrando el círculo estaba la imaginación asociada tanto con el rojo como con el púrpura. Estos atributos fueron asignados a cuatro categorías de cognición humana.

Goethe creía que la exposición prolongada a un color específico restringiría la mentalidad del espectador, que por sí solo busca constantemente el equilibrio. Estas mismas creencias pronosticaron algunos de los mayores descubrimientos científicos de la neurología del siglo XX.

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Rueda de color simétrica de Goethe con cualidades simbólicas asociadas, 1809

Contraste entre Luz y oscuridad

Uno de los principios clave en el sistema de Goethe era la existencia de un equilibrio siempre presente. A diferencia de sus colegas, Goethe vio la oscuridad no como un estado ausente de luz, sino más bien como una forma de interacción con la luz. El resultado de estas interacciones fueron los colores.

Según sus propias palabras, “La luz y la oscuridad, el brillo y la oscuridad, o en una expresión más general, la luz y su ausencia, son necesarias para la producción de color. El color en sí mismo es un grado de oscuridad”.

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Mezclas espectrales “claras” y “oscuras” de. Franjas “primordiales” publicadas en el libro de Goethe, Zur Farbenlehre (1810)

Experiencia subjetiva

El color puede influir en nuestro estado de bienestar, cómo nos sentimos y cómo disfrutamos la vida. Aunque gran parte de la apreciación y percepción de los colores puede depender de las experiencias personales, en general existe evidencia anecdótica firme que muestra que ciertos colores evocan sentimientos y estados de ánimo más fuertes que otros, lo que afecta el comportamiento, las emociones y más.

La psicología del color en términos prácticos.

Aunque las reflexiones del poeta, artista y político alemán Johann Wolfgang von Goethe fueron rechazadas por la mayoría de la comunidad científica, muchas de las más brillantes mentes de la comunidad artística se han interesado apasionadamente en ellas desde la publicación de su libro “Teoría del color” (Zur Farbenlehr, 1810).

Muchos años después, su trabajo se presenta como una exploración agradable y perspicaz de los colores y lo que pueden significar para un artista y un individuo. Sus pensamientos sobre las emociones comunicadas por los colores permiten al lector comenzar a pensar en el color sin restricciones; explorar las conexiones y las ideas filosóficas que rodean por qué nos atraen ciertos colores y las razones por las que un artista puede elegir una determinada paleta.

La psicología del color en el arte, el diseño y el marketing

La psicología detrás del color se usa ampliamente, no solo en el arte y el diseño de interiores, sino también en los negocios; es utilizada en publicidad y marketing en todo el mundo. El debate sobre el vínculo entre el color y la emoción ha sido muy disputado por varios científicos, pero muchos otros artistas y diseñadores lo toman muy en serio.

Percepción: el color está en el ojo del espectador

Dado que el color no es tangible, puede parecer realista de manera diferente para cada uno de nosotros, dependiendo de cómo nuestros propios ojos interpreten los rayos de luz. Los ojos humanos tienen tres receptores de color diferentes con forma de conos: cada uno de estos conos está diseñado para captar diferentes longitudes de onda de luz; rojo, verde y azul. Esto permite que el arte sea una experiencia enormemente personal, ya que se revela a cada uno de nosotros de una manera única.

Además, la percepción también puede entrar en juego en base a experiencias pasadas. Una persona puede tener una reacción negativa a cierto tono de verde porque le recuerda algo triste en su pasado. Las diferencias culturales también pueden introducir respuestas alternativas.

Sin embargo, en general, se dice que ciertos colores evocan sentimientos o significados específicos a nivel universal. Esto puede ser tan amplio como el color rosa asociado con el romance o el blanco considerado puro.

Colores cálidos

Los tonos más cálidos como el rojo, el naranja y el amarillo generalmente evocan sentimientos de comodidad, pero igualmente, colores ardientes como estos pueden elevar la presión arterial y provocar ira y hostilidad.

Rojo

El rojo, notable por su uso en las culturas orientales, se considera un color significativamente lucrativo para las obras de arte; cuando se usa en pinturas, estas piezas alcanzan un precio mucho más alto que las que no tienen este tono particular. La importancia de este color es notable en el trabajo de Piet Mondrian; sus pinturas con bloques de color rojo son muy codiciadas. Considerado como un color poderoso, Goethe comentó que el rojo transmite una “impresión de gravedad y dignidad, y al mismo tiempo de gracia y atractivo”.

Wee Blue Coo (Abstracto Rojo).Piet Mondrian

Amarillo

Cuando se habla de amarillo, parece que la cantidad de verde u otra combinación de color pueden afectar en gran medida la forma en que se percibe el amarillo. Goethe señala que la superficie en la que aparece el amarillo también puede afectar la forma en que se percibe el color; convirtiendo algo soleado y alegre, en un efecto más negativo y “repulsivo”.

Naranja

El naranja está asociado con la energía, quizás debido a la asociación de la fruta del mismo nombre. Este color puede llamar la atención y traer a la mente la vitalidad. También es a menudo sinónimo de movimiento; hojas de otoño anaranjadas que significan el cambio de la estación de verano a otoño.

Colores fríos

Los colores fríos en el lado azul del espectro generalmente se consideran relajantes. Sin embargo, al igual que esos colores en el espectro más cálido, estos colores también pueden traer a la mente emociones opuestas como la tristeza y la indiferencia. Ciertamente es un equilibrio delicado que el artista debe considerar.

Verde

A menudo se piensa que el verde significa nuevos comienzos y crecimiento; conectado a la naturaleza como el color de la clorofila en las hojas y el pasto. Este enlace al mundo natural invoca sentimientos de equilibrio y armonía.

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El puente en Maincy (1879). PAUL CEZANNE. Óleo sobre lienzo

Azul

Del mismo modo, el azul puede tener un efecto igualmente relajante; con su afinidad al cielo y al agua, imágenes como el flotar o la ingravidez pueden ser traídas a la mente. Es importante tener en cuenta que el tono y la intensidad del azul pueden afectar fuertemente su mensaje; mientras que el azul claro puede sentirse como refrescante y amigable, el azul oscuro puede transmitir confianza y fortaleza.

Nocturno, azul y plata: Chelsea (1871). JAMES MCNEILL WHISTLER Óleo sobre madera

Colores positivos y negativos

Los colores activos y positivos como el rojo, naranja y amarillo mejorarán sus efectos cuando estén en presencia de negro. El contraste entre luminosidad y oscuridad amplifica nuestra impresión de ellos. Retrospectivamente, el amarillo es una luz que ha sido amortiguada por la oscuridad.

Al contrario de los colores positivos, el lado negativo del espectro toma fuerza de su interacción con el blanco. Si tomamos colores como Azure Blue y Violeta, la situación es la opuesta, ya que están más cerca de la oscuridad total. Su presencia se desvanecerá al no tener suficiente energía para mantener el contraste cuando estén rodeados de un entorno más oscuro. El azul es la oscuridad debilitada por la luz.

Criticas a las teorías del color de Goethe

Goethe entregó en su totalidad lo prometido por el título de su excelente trabajo: Datos para una teoría del color. Son importantes, completos y un importante material rico en datos para una futura teoría del color.

Sin embargo, no se ha comprometido a proporcionar la teoría misma; por lo tanto, como él mismo comenta y admite en la introducción de su libro, “Teoría del color” (Zur Farbenlehre), no nos ha proporcionado una explicación real de la naturaleza esencial del color, sino que realmente lo postula como un fenómeno, y simplemente nos dice cómo se origina nuestra percepción del mismo, no lo que es.

Nunca ofreció ninguna teoría en el sentido formal de la palabra; más bien, su sentido intuitivo de sobre cómo interpretamos el color fue su contribución final.

Explorando la razón

A pesar de algunos avances en las exploraciones científicas sobre el color, aún queda mucho por descubrir para explicar exactamente por qué un determinado color nos atrae a cada uno de nosotros, y por qué algunos colores pueden provocar reacciones tan fuertes en comparación con otros tonos. Sin embargo, lo que está claro es que el arte sigue siendo muy subjetivo y personal, con colores que hablan al individuo basándose no solo en la ciencia y las asociaciones naturales, sino también en la perspectiva individual.

A pesar de las críticas, la teoría del color ha sido alabada por muchos durante siglos y es una ciencia que finalmente comienza a tomarse en serio. La psicología del color funciona en un nivel subconsciente; El color es el primer criterio que utilizan muchas personas cuando compran arte, incluso si no lo saben.

La visión de J.M.W. Turner del Color

agosto 5, 2019

El carácter envolvente y etéreo de la obra de J.M.W. Turner no se concibe sin su formación académica en la Royal Academy, donde perfeccionó sus estudios de arquitectura y su interés en el paisaje, el color, la luz y los distintos humores del mar. Sus detallados dibujos de sus expediciones a través de gran parte de Europa, son nítidas expresiones de un viaje que lo llevó a moverse de lo arquitectónico a lo épico, de lo pastoral a lo histórico y lo romántico a lo naturalista.

Turner fue un artista pintoresco, con la claridad de distinguir la elocuencia de la naturaleza, plasmar la lucha constante de los elementos y luchar constantemente por la disolución del plano físico, dando paso a una idealización del entorno. Todo ello le llevó a convertirse en el artista inglés más influyente de su época. Prueba de ello es que el premio más importante de arte contemporáneo otorgado por el Reino Unido, lleva su nombre. Por todas estas razones, decidimos dedicar un artículo exclusivamente para examinar todos los detalles acerca de la visión de Turner sobre el color.

La visión de Turner respecto al color

La visión de Turner respecto al color era una combinación de Conocimiento heredado con una actitud personal altamente intuitiva.

Su primera fuente de inspiración fue Moses Harris, el pintor-entomólogo, cuyo Sistema Natural de Colores, encomendado por Reynolds, se había vuelto a publicar en 1811. 

El circulo de colores de Harris

Moses Harris [entemólogo grabador 1730 – 1788] examinó el trabajo de Isaac Newton e intentó descubrir toda la variedad de colores que se puede determinar a partir de los colores primarios: rojo, azul y amarillo

Harris presume que estos colores, cuando se mezclan entre sí, pueden formar todos los colores y matices (660 según sus estudios) en la naturaleza.

La naturaleza fue su guía y asistente, ya que la disposición de los colores principales se sistematiza de acuerdo con los reflejados por el prisma, donde encontramos el color naranja que se encuentra entre el rojo y el amarillo, el verde entre el amarillo y el azul y el púrpura entre el azul y el rojo.

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El Circulo Cromático de Moses Harris

Naturaleza prismática y compuesta

Estos colores que vienen en sucesión continua le dieron la primera idea de qué deberían colocarse en un círculo. Según él, la naturaleza del todo puede ser clasificada en prismática y compuesta. Notó que:

Colores primitivos: el amarillo, el rojo y el azul son los más comunes, especialmente en la naturaleza salvaje.

Colores mediadores: el verde naranja y el púrpura son los colores que la madre naturaleza decoró en la mayoría de las flores.

Para mostrar toda la variedad de colores, Moses Harris creó un círculo segmentado. Aplicó acuarelas en capas, lo que permitió la transición sutil entre colores y sombras.

Según la explicación de Harris, los colores prismáticos primitivos utilizan tres partes de un solo color (rojo, amarillo o azul), mientras que los colores prismáticos mediadores son combinaciones de dos a uno de las primarias, determinadas por su posición en el círculo.

Turner y el círculo de colores de Harris

Aunque Turner estudió profundamente  a Moses Harris, no tenía ningún interés en la lógica de su círculo. Simplemente tomó el motivo central de los tres triángulos primarios y lo utilizó para ilustrar la luz y la oscuridad en términos de pigmentos materiales.

El amarillo representaba el tono claro de la luz, mientras que el azul y el rojo la oscuridad, de modo que los tres colores primarios mostraban, como él decía, “luz y sombra, día y noche, o gradaciones de luz y oscuridad“. Multiplicados juntos, creaban negro.

Turner modifica el circulo de colores de Harris

Turner tomó el círculo de colores de Harris y lo adaptó a sus propias necesidades en dos diagramas. El diagrama tal como estaba no le servía de nada; requería amarillo en la posición dominante en la parte superior, donde Harris tenía rojo. El anillo de colores “primarios” y secundarios alrededor de la circunferencia, con “complementarios” armonizadores opuestos entre sí, evidentemente no tenía ningún significado en sí mismo. Lo alteró eliminando el púrpura, un color que nunca le importó y que, además, era considerado por él como el enemigo del amarillo.

En el centro del círculo de Harris, tres triángulos mostraban la mezcla de los tres colores primitivos que producen el negro. Turner complementó su versión del diagrama, que marcó como No. 2, con una muy distinta, marcada como No. 1 y etiquetada en sus notas Mezclas de luz. El amarillo ahora ocupaba la mitad de la circunferencia. Los triángulos se agrandaron y se dispusieron para mostrar las mezclas de amarillo con rojo y azul, no más oscuros que sus componentes. La mezcla de rojo y azul se evitó naturalmente. Estas fueron las combinaciones puras de los colores “aéreos” (relacionados con la perspectiva atmosférica), como Turner los llamó. El segundo diagrama mostraba las mezclas de “color material denso”.

Diagrama de la conferencia: Círculo de colores No.1 (1824-8) Joseph Mallord William Turner.

Diagrama de la conferencia: Círculo de colores No.2 (1824-8) Joseph Mallord William Turner…

Mezclas de colores aditivos y sustractivos

El principio de las mezclas de colores aditivos y sustractivos permaneció desconocido hasta Hclmholtz. La excéntrica anticipación de Turner probablemente se debió a su propia intuición. Para él, la teoría del color sostuvo una profunda riqueza imaginativa:

“…la mezcla de nuestros colores materiales se convierte en lo contrario, es decir, la destrucción de todo, o en otras palabras – la oscuridad. Por lo tanto, la luz es el color y la sombra es su privación por la eliminación de los rayos de color, que se encuentran en toda la naturaleza… los principios dominantes de las variaciones diurnas, el amanecer gris azulado, la salida del sol de la mañana amarilla y el rayo de salida rojo, en una combinación siempre cambiante. Estas son las combinaciones puras de los colores “aéreos”.

Turner conocía el verdadero carácter del abismo entre el color de la luz y los colores del arte, con una claridad que es rara entre los pintores en cualquier momento. Uno puede reconocer en sus imágenes, particularmente las imágenes del amanecer amarillo, no solo la pureza del color sino también la sensación de tensión, como si registraran una aspiración continua hacia un orden de pureza que es imposible en el pigmento. 

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Italia antigua – Ovidio desterrado de Roma (1838). J. M. W. Turner. Óleo sobre lienzo

 

Turner se alimenta de la Teoría del color de Goethe

La inmersión de Turner en el calor y la frialdad de los colores lo preparó para las teorías de Goethe, cuyo libro se tradujo en 1840. Goethe dividió su círculo de colores en dos mitades. Amarillo, naranja y rojo fueron llamados los colores “más”; ‘los sentimientos que excitan son rápidos, vivaces, aspirantes’. En el otro lado estaban los colores “menos”, azul-verde, azul y púrpura, que según él producen la sensación de “inquieto, sensible, ansia”.

Turner siempre había sido escéptico acerca de las connotaciones emblemáticas del color, pero el drama de la teoría de Goethe le atraía. Los colores negativos fueron incorporados en sus obras  sobre atardeceres y diluvios y los colores positivos en las obras sobre la mañana y el amanecer. 

El vórtice en el que los matices de Goethe se arremolinan en la mañana es quizás la “combinación pura de colores aéreos”; en la tarde el color material denso hace la oscuridad. Color y luz fueron evidentemente identificados con agua y vapor en la obra de Turner.

El agua como un medio para reflejar la luz

Tal vez toda la esencia de las últimas obras de Turner podría estar reunida a partir de los significados infinitos que le dió al agua. No era solo, a menudo, su tema, fue en muchos sentidos su medio. El agua tipificó el mundo como él lo imaginó, un mundo de ondulantes ecos de luz.

La década de 1820 fue un punto culminante en sus reproducciones acuáticas con acuarelas de colores en, por ejemplo, Puertos de Inglaterra (1825–8) y el llamado Little Liber, así como la gran serie grabada con líneas, Vistas pintorescas en Inglaterra y Gales (1826–38).

 

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Vistas pintorescas en Inglaterra y Gales (1826–38). Joseph Mallord William Turner. Acuarelas

Los colores del espectro según Turner

Pero es el diagrama No. 1 el que es de particular interés aquí, ya que intenta introducir un argumento newtoniano que generalmente era incongruente, e incluso incomprensible, para los pintores. Muestra, según Turner, los colores ‘de luz solo por posición’ (como en los colores del espectro, aunque notamos la ausencia de violeta): ‘Combinando los colores múltiplos de luz estos son incorruptibles, pero cuando se mezclan todos, son capaces de producir blanco’.

En esta conferencia, Turner estaba resumiendo la idea del color aditivo y sustractivo, los colores contrastantes de la luz y los pigmentos. Esta es una idea que, aunque había sido mencionada por el fabricante de la impresión en color JC Le Blon un siglo antes, fue investigada a fondo por Científicos ópticos solo después de la muerte de Turner a mediados del siglo XIX, en la obra de James Clerk Maxwell y Hermann von Helmholtz.

Turner se vio obstaculizado en el desarrollo de la idea, incluso si hubiera querido, por su confianza en la tríada primaria tradicional de los pintores, rojo, amarillo y azul, que en su conferencia él caracterizó directamente con los efectos del paisaje: “mañana gris, mediodía amarillo y noche carmesí’. Desconocía el descubrimiento temprano de la síntesis aditiva (color luz) mediante los colores primarios rojo, verde y azul o violeta, alrededor de 1800 por Wuench en Alemania y Young en Inglaterra.

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Castillo Norham, salida del sol (1845). Joseph Mallord William Turner

Criticas a las teorías de Turner

Si, en teoría, Turner no era capaz de articular la relación de los colores en la luz blanca de acuerdo con los descubrimientos ópticos más actualizados, en la práctica, su trabajo se acercó a un concepto aún más revolucionario. Hubo una crítica muy agresiva a la obra de Turner alrededor de 1826. Se decía que la paleta de Turner era “nada más que amarillo contrastado violentamente con azul”. Y es verdad que en los años veinte, treinta y cuarenta, sus composiciones, especialmente en acuarela, podrían construirse completamente sobre la base de este par, que, por supuesto, combinaba los contrastes de tonalidad con los contrastes máximos de tono. Esa luz blanca podría estar constituida por tonalidades claras de estos dos colores.

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Margate (1826-1828). J.M.W. Tornero. Acuarela. Museo Ashmolean, Universidad de Oxford

Esto solo fue establecido firmemente por Maxwell en la década de 1860, aunque ya había sido observado por el matemático alemán J.H. Lambert un siglo antes. Cuando a principios de la década de 1840, Turner encontró a este par como las primarias únicas y fundamentales en la Teoría de los Colores de Goethe, se mostró incrédulo. Por ejemplo, donde Goethe distinguió entre la transformación “superior” de azul y amarillo en rojo, y la “inferior” en verde, Turner, en una nota marginal, reconoció solo la inferior.

Colores primarios aditivos

Pero las versiones de la idea amarillo-azul de los colores primarios aditivos tenían una historia mucho más larga y, como suele suceder, los artistas ya las habían criticado antes de que fueran investigadas por los científicos, o incluso por Goethe.

Debates sobre el color y la luz

En una de las primeras conferencias en la Academia Francesa de Pintura, Escultura y Arquitectura, en 1667, el pintor Charles Le Brun, analizando la obra de Poussin Los israelitas reuniendo maná en el desierto (1630), decía: “Dado que el amarillo y el azul son los colores que más participan en la luz y el aire, M. Poussin ha vestido a las figuras principales en amarillo y azul; y en todas las demás capas, siempre mezcla algo de estos dos colores principales, ordenando que el amarillo domine más que cualquier otro, ya que la luz que se extiende sobre la imagen es muy amarilla”.

A Turner también le impresionó la pintura de Poussin cuando la vio en el Louvre en 1802, e hizo un análisis sorprendentemente sofisticado de su color: “Las figuras llevan sus satélites de color hasta el centro de la imagen, donde Moisés los une. Me parece el alma del cuadro, ya que crea una confusión armoniosa, una confusión de partes tan dispuestas como cayendo alrededor. Todo esto mediante un fuerte color que se encuentra en el fondo con las figuras laterales, en azul y amarillo, dispuestas de manera tan ingeniosa que el arte de causar esta confusión sin distracción se oculta por completo.”

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Los israelitas recogen maná en el desierto (1638). Nicolas Poussin

Como pintores, tanto Le Brun como Turner subrayan los valores pictóricos de estas combinaciones de color, pero Le Brun agrega la noción de que el azul y el amarillo son emblemáticos del aire y la luz; y al hacerlo, se inserta en un debate sobre la relación de los colores con la luz, que era muy activo en la comunidad científica contemporánea.

El Suprematismo, Kazimir Malevich y el Arte Contemporáneo

agosto 4, 2019

Todos los movimientos artísticos tienen su herencia: todos influyeron en otros artistas y movimientos; de lo contrario, no serían movimientos. Sin embargo, algunos movimientos en la historia del arte estuvieron activos durante un período de tiempo muy limitado. El suprematismo es uno de estos movimientos: duró menos de dos décadas, pero no significa que desapareció sin dejar una gran herencia. Siendo uno de los movimientos artísticos más radicales de la historia, el suprematismo ha seguido viviendo a través de sus influencias en otros movimientos e influyendo en varias generaciones de artistas. 

Este movimiento artístico se encuentra entre los que se pueden vincular con un solo artista; en este caso, es Kazimir Malevich. Por supuesto, hay otros grandes artistas que formaron parte de este movimiento, pero Malevich es el más famoso. En este artículo, explicaremos brevemente los principales conceptos, ideas, influencias, principales artistas y legado del suprematismo.

Malevich y el Suprematismo

El suprematismo fue un movimiento de arte abstracto ruso, fundado por el pintor nacido en Kiev, Kasimir Malevich (1878-1935) alrededor de 1915. Consistía principalmente en formas geométricas elementales (cuadrados, círculos). Fue uno de los varios movimientos de arte moderno desarrollados en Rusia a principios del siglo XX. Otros incluyeron el futurismo ruso (c.1912-14) fundado por Vladimir Mayakovsky (1893-1930), el rayonismo (1912-15) fundado por Mikhail Larionov (1881 -1964); y constructivismo (c. 1919-1930) fundado por Vladimir Tatlin (1885-1953). El suprematismo eclipsó al rayonismo y coexistió con el constructivismo de Vladimir Tatlin durante el período de la Revolución rusa hasta 1921.

Malevich, un nihilista que buscaba desafiar todas las teorías tradicionales del arte, es visto como uno de los pintores abstractos rusos más importantes del arte moderno. En noviembre de 2008, una pintura de estilo suprematista de Malevich (Composición suprematista, 1916) se convirtió en la pintura más valiosa de un ruso que se haya vendido en una subasta.

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Composición suprematista (1916). Kazimir Malévich. Óleo sobre tela. Tamaño: 88,5 cm × 71 cm

Influencias en el surgimiento del Suprematismo

Las primeras obras que podrían estar relacionadas con el suprematismo fueron creadas en 1913. Malevich diseñó bocetos de fondo y vestuario para Victory Over the Sun, una ópera futurista realizada en San Petersburgo. En ese momento, el artista todavía estaba bajo una fuerte influencia del cubo-futurismo, que era la principal escuela de pintura y escultura practicada por los futuristas rusos. De hecho, tanto el futurismo como el cubismo influyeron en la aparición del suprematismo en Rusia.

El suprematismo es la extensión lógica del interés del futurismo en el movimiento y las múltiples perspectivas del cubismo. Finalmente, el suprematismo rechazó por completo el movimiento artístico del realismo, que Malevich consideró una distracción de la experiencia trascendental que el arte debía evocar. La misma palabra “suprematismo” fue acuñada para describir un movimiento que es superior a todo el arte del pasado. El Suprematismo es un movimiento que conduciría a la supremacía del sentimiento o la percepción pura en las artes pictóricas.

Desarrollo del Suprematismo

Con ideales utópicos, el suprematismo fue artísticamente revolucionario y buscó una nueva libertad de expresión en la abstracción total. Malevich usó por primera vez el nombre Suprematismo en un manifiesto que acompañó a “0.10 La última exposición futurista”, la exposición que lanzó el movimiento en 1915. Realizada en  en diciembre, en San Petersburgo, la muestra incluía treinta y cinco pinturas abstractas de Malevich, muchas en vivos colores. Su pieza central, desarrollada a partir de sus escenografías de ópera de 1913, era la imagen Cuadrado negro en fondo Blanco (1913).

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Cuadrado negro en fondo Blanco, (c. 1923). Kazimir Malévich Óleo sobre lienzo, 106 × 106 cm. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

En 1916 se publicó una versión ampliada del manifiesto titulada “Del cubismo y el futurismo al suprematismo: el nuevo realismo en la pintura”. En este manifiesto expone sus teorías acerca del Suprematismo: “Me he transformado en la forma pura y emerjo de la nada a la creación, esto es, al suprematismo, al nuevo realismo de la pintura: la creación no-objetiva”.

Claramente, el suprematismo debía algo a los estilos del arte vanguardista europeo anterior, pero Malevich tenía la intención de ir más allá. Quería desarrollar un tipo de arte no objetivo que le permitiera abandonar todas las referencias al mundo natural y centrarse exclusivamente en la forma pura.

El nacimiento de la abstracción pura

Esto lo hizo produciendo una serie de pinturas rigurosamente abstractas, empleando formas geométricas fundamentales como cuadrados, rectángulos, círculos, cruces y triángulos, en una gama limitada de colores.  El principal interés del suprematismo era buscar el llamado grado cero de pintura, el punto más allá del cual el medio no podía ir sin dejar de ser arte. Como consecuencia, utilizaron motivos, temas y formas extremadamente simples. 

El desarrollo del suprematismo fue trazado en tres etapas: primero, negra, luego en colores y finalmente blanca. La fase negra marcó el comienzo del movimiento y el grado cero de pintura, como lo demuestra el famoso Cuadrado negro en fondo Blanco (c. 1923). La etapa coloreada, a veces denominada Suprematismo dinámico, se centró en el uso del color y la forma para crear la sensación de movimiento en el espacio. La etapa final fue ejemplificada por su serie de imágenes en blanco sobre blanco de 1918, extinguiendo la relevancia del color. Véase, por ejemplo, Composición suprematista: Blanco sobre blanco (1918, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

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Blanco sobre blanco (1918). Kazimir Malevich. Óleo sobre lienzo. Dimensiones 79.4 × 79.4 cm (31.2 × 31.2 ″). Colección: Museo de Arte Moderno

En términos muy simples, el arte suprematista intentó eliminar la pintura de todas las asociaciones con el mundo real. Se decía qué solo haciendo esto, el arte podría liberarse de una sociedad moralmente en bancarrota y alcanzar la pureza.

El movimiento de arte abstracto más radical de la historia

Uno de los elementos cruciales que llevaron al surgimiento del suprematismo fue la poesía de vanguardia y la crítica literaria. Malevich estaba muy interesado en las reglas del lenguaje. Creía que solo había vínculos delicados entre palabras o signos y los objetos que denotan, y a partir de esto, vio las posibilidades de un arte totalmente abstracto. Por lo tanto, no debería sorprendernos que el artista haya creado el movimiento de arte abstracto más radical de la historia. Malevich también se inspiró en el arte popular ruso, e incluso en la tradición de la Iglesia Ortodoxa Rusa.

Artistas suprematistas

Entre otros reconocidos representantes del suprematismo se encuentran artistas rusos de vanguardia de las décadas de 1910, 1920 y 1930, como Mikhail Menkov, Ivan Puni, El Lissitzky y Lyubov Popova. Lissitzky es particularmente importante porque él fue quien hizo popular el movimiento en Occidente. Este artista también colaboró ​​con representantes de movimientos similares, como De Stijl y la Bauhaus. Desde mediados de la década de 1920, la vanguardia rusa (incluido el suprematismo) experimentó críticas directas y duras de las autoridades comunistas, ya que el realismo socialista se convirtió en la política oficial. Entonces, la mayoría de los suprematistas cambiaron el estilo.

En 1918, otros artistas rusos del grupo Supremus, que se reunieron para discutir la filosofía del suprematismo y su relevancia para otras áreas de la vida intelectual fueron incluidos. Entre ellos: Ksenia Boguslavskaya, Ilya Chashnik, Aleksandra Ekster, Anna Kagan, Ivan Kliun, Olga Rozanova, Nikolai Suetin y Nadezhda Udaltsova. El arte de Malevich influyó durante un tiempo incluso en los artistas con mentalidad más materialista. Incluso los constructivistas como Aleksandr Rodchenko (1891-1956) que ayudaron con propaganda y algunos trabajos de diseño.

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Proun 93, (c. 1923). El Lissitzky. Fundación Museo de Arte Moritzburg del Estado de Sajonia-Anhalt Halle (Saale).

Pinturas suprematistas importantes

Afortunadamente, Malevich sacó la mayoría de sus pinturas de Rusia durante la década de 1920, en caso de que fueran tomadas por las autoridades soviéticas. Sus obras más famosas incluyen:

• Suprematismo (Supremus No. 58) (1916) Museo de Arte de Krasnodar

• The Knife Grinder (1912) Galería de Arte de la Universidad de Yale

• Cabeza de un campesino (1912) Museo Stedelijk, Amsterdam

• Cuadrado negro sobre fondo blanco (1913, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo)

• Círculo negro (1913) Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

• Amarillo, naranja y verde (1914) Museo Stedelijk, Amsterdam

• Composición del suprematismo: cuadrado rojo y cuadrado negro (1915) MoMA, NYC

• Suprematismo (1915) Museo Stedelijk, Amsterdam

• Blanco sobre blanco (1918) MoMA, Nueva York

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El afilador de cuchillos o principio de brillo (1913). Kazimir Malevich. Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 79.5 × 79.5 cm (31.2 × 31.2 ″). Colección: Galería de Arte de la Universidad de Yale

Movimiento de arte místico

Aunque era partidario de la Revolución sin una fe religiosa fuerte, el enfoque de Malevich en el arte era relativamente místico, incluso visionario. Desafortunadamente, estaba buscando el secreto del arte en un momento en que el dogma bolchevique decretó que el arte era una actividad utilitaria en beneficio de la sociedad. Como resultado, a partir de 1921, el suprematismo dejó de tener influencia estética. Prácticamente abandonando la pintura, fue nombrado para varios puestos oficiales por el Instituto oficial de Cultura Artística INKHUK, donde se involucró en el diseño y los planos arquitectónicos, sin gran sinceridad. Como explicó en su libro El mundo no objetivo, que fue publicado por la Bauhaus en 1927, no pudo suprimir sus propias ideas en aras de conceptos socialmente correctos de utilidad artística.

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Cuadrado negro’, ‘Cruz negra’ y ‘Círculo negro’ (1923), de Kazemir Malévich.

Críticas y popularidad

El suprematismo ha sido criticado a menudo por ser nihilista, esotérico, e incluso estuvo relacionado con algún tipo de misticismo. ¿Por qué es arte? Muchos críticos de arte estaban planteando la pregunta. Muchas controversias han estado rodeando todo el movimiento. Sin embargo, la influencia y la herencia del suprematismo ha sido significativa, y es imposible comprender algunos desarrollos en el arte contemporáneo (particularmente aquellos relacionados con el arte abstracto) sin algún conocimiento básico sobre el suprematismo. Aunque muy criticado, el Suprematismo también ganó gran popularidad en Occidente, donde se organizaron varias exposiciones y donde (incluso hoy) las obras de arte suprematistas son muy populares entre los coleccionistas de arte.

El legado del Suprematismo

El suprematismo todavía “vive”, principalmente a través de su influencia en otros movimientos artísticos. El constructivismo es muy similar al suprematismo, pero el movimiento sobre el que más influyó el suprematismo es sin duda el arte abstracto. Sin embargo, es muy difícil hacer una distinción entre estos dos movimientos. Finalmente, lo más importante es que muchos artistas de hoy pueden ser etiquetados como suprematistas. Parece que el espíritu de la herencia de Malevich es bastante influyente en la práctica del arte contemporáneo. Para las personas que desean saber más sobre Kazimir Malevich y sus declaraciones sobre el arte, recomendamos esta lectura de Kazimir Malevich: El mundo no objetivo: el manifiesto del suprematismo.

El Manifiesto del Suprematismo es un libro que incluye las obras más notables de Malevich. Con el suprematismo como una de las declaraciones de teoría estética más intensas del siglo XX, este manifiesto definió el estilo radical de Malevich. La declaración de propósito e intención del arte escrita en su Manifiesto en 65 declaraciones expresó sus puntos de vista sobre la creatividad, el artista como persona y el arte en sí mismo. También describe cómo el realismo que esperaban los amantes del arte no tenía valor en el tipo de arte que vale la pena crear. Para Malevich, se supone que el arte expresa todo el alcance de los sentimientos y las emociones e ignora los resultados esperados y la familiaridad que exigen los espectadores. En palabras de Malevich, el Suprematista no observa ni toca, el Suprematista siente. 

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Portada del libro de Kazimir Malevich: El mundo no objetivo: el manifiesto del suprematismo.

Kazimir Malevich murió de cáncer en Leningrado en mayo de 1935, a la edad de 56 años.

La teoría del color según Newton, Goethe, Turner y otros grandes artistas

julio 16, 2019

Examinaremos rápidamente la teoría del color y cómo algunos de los gigantes del arte y otras áreas la han puesto en práctica.

 

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Rueda de color simétrica de Goethe con cualidades simbólicas asociadas, 1809

 

Piensa en Turner en su estudio de Londres y, 100 años después, en el estudio de Mondrian en París, Malevich en Moscú y Paul Klee en Weimar. Los tres artistas se sientan con una gama de colores frente a ellos. Miran sus paletas, toman sus pinceles, ¿y luego qué? Las elecciones de esos pintores hicieron de cada uno de ellos algunos de los artistas más emblemáticos de la historia, ¿cómo lo hicieron?

Ni Isaac Newton ni los que modificaron su rueda de colores durante siglos pueden reclamar todo el mérito, pero su trabajo ha sido una fuente de inspiración para los artistas durante cientos de años.

 

Newton

Nuestra comprensión moderna de la luz y el color comienza con Isaac Newton (1642-1726) y una serie de experimentos que realiza para entender el “fenómeno de los colores”. Este científico es el primero en entender el arco iris. Para ello, crea un hoyo en la pared de un cuarto oscuro. Seguidamente, refracta la luz blanca con un prisma, que resulta la proyección de sus colores componentes en una pared blanca al fondo del cuarto: magenta, rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta. Además, para probar que el prisma no estaba coloreando la luz, volvió a unir la luz, realizando el experimento a la inversa.

 

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Experimento de Newton con el prisma

La luz, el color y la pintura

Pero, por supuesto, la luz es diferente a la pintura, como explica Matthew Gale, el sabio curador del Tate: “Como descubrió Newton, cuando todos los colores se juntan en la luz, se obtiene blanco, pero cuando todos los colores se juntan en la pintura, se obtiene negro. Esencialmente, es casi imposible igualar exactamente lo que nuestros ojos ven en el mundo. Es por eso que el impresionismo es una cosa tan extraordinaria; estaban tratando de capturar el impacto de la luz a través de esta cosa material, la pintura”.

Los descubrimientos de Newton fueron claramente de gran importancia para estos artistas, pero fue otro logro histórico que capturó la imaginación modernista a principios del siglo XX.

Goethe

“El error de Newton fue confiar a las matemáticas las sensaciones de su ojo.”

El pensador alemán Johann Wolfgang von Goethe ya era un hombre de estado, poeta, autor y filósofo establecido cuando publicó sus teorías del color en 1810. No convencido por la creencia de Newton de que los colores estaban contenidos dentro de la luz, pensó que surgían mediante la interacción de la luz y la oscuridad. También consideró que los colores surgían a través de la interacción de atmósferas como el polvo y el aire.

En verdad, Goethe no era el científico más acertado, pero fueron sus teorías fisiológicas, particularmente sobre cómo vemos el color, lo que realmente cambió el juego. Por ejemplo, mira fijamente el punto en el círculo amarillo durante 15 segundos, luego mira el punto negro a la derecha. ¿Qué color ves?

 

Un experimento para mostrar imágenes posteriores, descubierto por Goethe.

Evidentemente, la respuesta es púrpura. Goethe descubrió esto (también con azul a naranja y rojo a verde) e hizo una nueva rueda de color simétrica, poniendo estos colores primarios frente a sus complementarios.

 

Goethe y la psicología del color

De manera crucial, Goethe también señaló que el color puede impactar el estado de ánimo y la emoción. Señaló una división entre los colores “más” y “menos”. El amarillo y el amarillo-rojo eran colores “positivos”, porque (según él) son positivos y mejoran la vida, mientras que el azul, el violeta y el azul verdoso son colores “negativos”, porque (supuestamente) evocan ansiedad e inquietud.

 

Triángulo de Goethe

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Triángulo de Goethe

 

Goethe creó un triángulo analítico del color. En él, los tres colores primarios rojo, amarillo y azul están dispuestos en los vértices del triángulo. Las otras subdivisiones del triángulo se agrupan en triángulos secundarios y terciarios, donde los colores del triángulo secundario representan la mezcla de los dos triángulos primarios a cada lado de él, y los colores del triángulo terciario representan la mezcla del triángulo primario adyacente a él y triángulo secundario directamente a través de él.

Para Goethe, era muy importante comprender la reacción humana al color, y su investigación marca el comienzo de la psicología del color moderno. Creía que su triángulo era un diagrama de la mente humana y vinculaba cada color con ciertas emociones.

Aunque, por supuesto, sus asociaciones se encuentran en el campo de la subjetividad asociada a la experiencia de cada individuo, la idea de que el color podría desplegarse como una fuerza emocional es poderosa, y fue adoptada por muchos artistas durante los siguientes cien años. Entre los primeros estaba JMW Turner.

 

Turner

“El grado más alto de luz, como la del sol es en su mayor parte incoloro. Esta luz, sin embargo, vista a través de un medio  ligeramente engrosado, nos parece amarilla. Si su volumen aumenta, veremos que la luz asume gradualmente un tono amarillo-rojo, que al final se convierte en un color rubí.”

Esta es la teoría de Goethe de cómo el ojo percibe la luz como color, pero casi podría describir la pintura que Turner pintó en homenaje 33 años después, Luz y color (la teoría de Goethe) – la mañana después del diluvio – Moisés escribiendo el libro del Génesis , en 1843.

 

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Luz y color (Teoría de Goethe) – La mañana después del diluvio – Moisés escribiendo el libro del Génesis (1843). Joseph Mallord William Turner. Tate

 

Turner poseía y era estudioso de la traducción al inglés de la Teoría de los Colores, y estaba fascinado por ella en muchos aspectos, en particular la comprensión emocional del color por parte de Goethe. Aquí, además de describir la idea de Goethe de la luz vista a través de la atmósfera, lo que resulta en una variedad de colores, Turner despliega una paleta decididamente “positiva”, supuestamente con la intención de evocar los alegres sentimientos de despertar espiritual sugeridos en el título.

 

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Círculo de color No.1 (1824–8). Joseph Mallord William Turner.

 

Círculo del color de Turner

Inspirado por la rueda de colores de Goethe, Turner también creó su propio diagrama para mostrar cómo se comportan los colores primarios en la luz cuando se representan en materiales de acuarela, y cómo se pueden usar para representar la dimensión de profundidad. El azul y el rojo representan grados de sombra, mientras que el amarillo sugiere la luz misma. Turner usó este y otros diagramas para ilustrar sus teorías sobre el color y la perspectiva.

 

Matisse

No pensaste que hablaríamos de color sin mencionar a Matisse, ¿verdad?

A finales del siglo XIX, impresionistas como Monet utilizaron las lecciones de Newton para recrear escenas de la vida moderna. Desafiando la tradición, comenzaron con un lienzo en blanco y utilizaron pinceladas contrastantes de color para crear un efecto prismático de la luz que juega entre los pajares y los lirios de agua.

 

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Meules (1890). Claude Monet

 

Luego vino un pintor francés y volvió de nuevo trizas la tradición de pintura. Henri Matisse fue uno de los fundadores de lo que se denominó peyorativamente Fauvismo, es decir, las bestias salvajes, un nuevo uso del color que era brillante, no naturalista y, bueno, salvaje. Él y su amigo André Derain se pintaron retratos mutuamente para anunciar su nuevo uso radical del color. No usaron una rueda de colores para elegirlos, pero sus elecciones emocionantes y llamativas forman parte de un estado de ánimo nuevo, expresivo y místico en las artes que en parte simpatizaba con Goethe.

 

Retrato de Andre Derain (1905). Henri Matisse. Pintura al óleo sobre lienzo. Soporte: 460 x 349 mm. Marco: 710 x 595 x 112 mm. Colección: Tate

 

Retrato de André Derain (1905). Henri Matisse. Pintura al óleo sobre lienzo. Soporte: 394 x 289 mm, marco: 550 x 471 x 75 mm. Colección: Tate

 

Nacimiento del expresionismo

Mientras tanto, los contemporáneos de Matisse en toda Europa, pero particularmente en la Alemania natal de Goethe, estaban ocupados fundando el movimiento expresionista. En escenas cada vez más abstractas, los colores se aplicaron con trazos pictóricos libres, y una vez más, no se seleccionaron para representar la naturaleza sino para expresar las emociones del artista.

Muchos expresionistas alemanes, como Wassily Kandinsky y Paul Klee, desarrollaron su uso del color en la Bauhaus, la icónica escuela de diseño de Alemania.

 

Bauhaus

Situados en la ciudad natal de Goethe, Weimar, muchos maestros de la Bauhaus adoptaron con gran entusiasmo sus teorías. Arraigada en el expresionismo y abierta justo después de la Primera Guerra Mundial en 1919, la filosofía Bauhaus aspiraba a un ideal mejor, más armonioso y utópico de la sociedad, con un buen toque de misticismo inspirado en Goethe.

 

Johannes Itten

Johannes Itten, uno de los miembros fundadores, tuvo algunas lecciones particularmente prácticas para agregar al canon de color. Hizo una nueva rueda de color de 12 partes y enseñó que hay cuatro cualidades del color: tono (matiz), intensidad (cuán saturado está), valor (luminosidad u oscuridad) y la temperatura (calor o frialdad). De hecho, puedes ver la teoría del color de Itten en práctica cada vez que juegues con el tono y la saturación de las fotografías de tu teléfono móvil. También enseñó siete métodos útiles para combinar colores, y el impacto que estos podrían tener en el espectador.

 

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Círculos. Johannes Itten

Paul Klee

Adoptando los complementarios de Goethe, Klee se interesó por las relaciones entre los colores y enseñó que, al igual que las formas en una composición, los colores también afectarían el “equilibrio” de un lienzo, algo que le preocupaba particularmente en su propio trabajo. Observa los ritmos rojo-verde y violeta-amarillo en el cuadro de abajo: es un ejemplo de dos pares de complementarios utilizados para crear un balance general. Los cuadrados pequeños y potentes de color amarillo cálido emergente se compensan con áreas más grandes de violeta, mientras que el verde y el rojo se usan en proporciones similares.

 

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Ritmo rojo, verde, violeta y amarillo (1920). Paul Klee

 

 

Wassily Kandinsky

El amigo de Klee, Wassily Kandinsky, como Goethe, quería precisar el impacto emocional del color.

En 1922, él ya tenía su propio conjunto de teorías sobre lo que significaban los colores individuales, y desarrolló teorías sobre las relaciones entre formas. Emitió una encuesta a los estudiantes, solicitando asociar los colores primarios rojo, amarillo y azul con el cuadrado, el triángulo y el círculo. La respuesta correcta esperada era triángulo=amarillo, círculo =azul, cuadrado=rojo). Kandinsky creía que esto se basaba tanto en las “fuerzas” que estos elementos de forma y color emanaban, y por una razón u otra, la mayoría de los encuestados estuvo de acuerdo con él. Utilizó esta teoría y su sentido de los significados detrás de los colores para crear sus composiciones abstractas.

 

Rojo fuerte (1967). Wassily Kandinsky. Tamaño en pulgadas: 23.6 x 18.9. Tamaño en centímetros: 60 x 48

Mondrian

Casi al mismo tiempo, un modernista holandés empleó esos mismos tres colores para hacer las cosas de manera diferente una vez más.

A medida que surgió su estilo distintivo, Mondrian fue parte de una marea de cambios más amplios en el mundo del arte. Reaccionando ante el caos de la Primera Guerra Mundial, muchos comenzaron a buscar orden en su trabajo, buscando significados más profundos y universales y examinando su lugar en el universo. Mondrian también se vio influenciado por un creciente interés en la Teosofía, que enseñó que cada pensamiento genera un aura de color que rodea a cada persona. Recordó en 1941:

“Lo primero que cambió en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Había llegado a sentir que los colores de la naturaleza no se pueden reproducir en el lienzo. Instintivamente, sentí que la pintura tenía que encontrar una nueva forma de expresar la belleza de la naturaleza”.

 

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Composición C (No. III) con rojo, amarillo y azul (1935). Piet Mondrian

Neoplasticismo

Y su nueva forma era dejar de pintar cosas gradualmente en el mundo real y comenzar a tratar de capturar la belleza “universal” que había debajo de ellas. Para ello, Mondrian volvió a los fundamentos del color. En la década de 1920, estaba desplegando esa triada familiar de colores primarios, aquellos que se pueden mezclar para crear todos los demás colores, incrustados en una simple rejilla negra. Llamó a su enfoque “Neoplasticismo”, la base del movimiento De Stijl que fundó con su amigo Theo van Doesburg. Era para expresar “la esencia del espacio a través de la relación de un plano de color con otro”.

Mientras tanto, con un trasfondo social y político de la revolución ligeramente modificado, uno de los contemporáneos de Mondrian enfrentaba desafíos ideológicos similares en Moscú.

 

Malevich

En la década de 1850, el científico James Clerk Maxwell había descrito una versión ligeramente diferente de los “colores primarios”, afirmando que el rojo, el azul y el verde son los colores primarios de la luz. Escribió que estos tres colores, junto con el amarillo, el blanco y el negro, eran todo lo que el pintor necesitaba para imitar los colores de la naturaleza en el espectro.

Malevich se había graduado a principios del siglo XX en una tendencia neo-impresionista en la que los artistas utilizaban hallazgos científicos relativamente recientes como el de Maxwell para idear métodos más estructurados de recreación de la luz en el lienzo (por ejemplo, el puntillismo de Seurat, usando redes de puntos, es su famoso Le Bea du Hoc).

 

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Le Bec du Hoc (1885). Georges Seurat

Suprematismo

Pero alimentado por un espíritu burbujeante de la inminente revolución rusa, como Mondrian, Malevich se mostró insatisfecho con el uso del color para imitar a la naturaleza, y para 1915 había llegado a un estilo completamente contrastante. El “Suprematismo”, como él lo llamó, tenía como objetivo crear un arte nuevo y autónomo que estuviera libre de siglos de convención y, en cambio, impartiera un significado directo, casi meditativo a su espectador.

Malevich estaba tan interesado en los avances científicos recientes como sus contemporáneos, pero los usó para seguir su nuevo estilo y un nuevo significado directo. Abandonando rápidamente las imágenes representativas y el color naturalista, adoptó el esquema de Maxwell en su forma más pura, y pintó formas geométricas refinadas en esta paleta primaria y limitada.

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El vuelo de un avión (1915). Kazimir Malevich

 

Los tubos de pintura al óleo en la época del impresionismo

febrero 14, 2019

En la década de 1870, un grupo de artistas en París se llamaron a sí mismos la Sociedad Anónima de Pintores y Escultores. Desafiaron las normas aceptadas de belleza estética y técnica. En 1874, la pintura de Claude Monet Impresión: Amanecer, se puso en exhibición. Los críticos no sabían qué hacer con esta pieza inusual. Un crítico llamó a esta obra, y al artista que la creó, impresionista. Este término estaba destinado a ser un insulto; estas pinturas al óleo fueron consideradas inconclusas, desordenadas, de pinceladas erráticas, líneas borrosas y manchas de pintura. Sin embargo, Monet y sus contemporáneos abrazaron el título de impresionistas.

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Amanecer (1840–1926) .Claude Monet. Óleo sobre lienzo. Altura: 48 cm (18.8 ″); Ancho: 63 cm (24.8 ″). Museo Marmottan Monet

Desde la época de Aristóteles, la labor de la pintura había sido la de imitar de la naturaleza y la realidad, pero en el siglo XIX esta visión comenzó a cambiar. El impresionismo es un gran ejemplo del cambio que se produjo en el siglo XX. Los artistas continuarían desafiando las tradiciones, la estética e incluso las estructuras en la que se fundamentaba el arte.

El impresionismo era una nueva forma de ver la realidad

Los eventos contemporáneos siempre se reflejan en cambios de pensamiento y sentimiento estético. La revolución industrial en 1848 marcó el final de un régimen y el final de un estilo de vida, cuyo timbre ya había sonado sesenta años antes en la Revolución Francesa de 1789. Sin embargo, esta vez toda la civilización de Europa occidental estuvo involucrada en la catástrofe.

Durante los veinte años anteriores, la estructura económica de la vida había ido cambiando. Los hombres habían aprendido a utilizar la energía que estaba latente en la naturaleza y a aplicarla a las máquinas recién inventadas que se convertirían en la base de la industria. Los descubrimientos científicos y su aplicación práctica durante la primera mitad del siglo hicieron posible una nueva civilización.

El hombre ahora controlaba su propio destino y podía remodelar, reorganizar o convertir sus herramientas para sus propios fines utilitarios. Todo esto tendría un gran impacto en la estética contemporánea y en el desarrollo del arte en toda Europa. Los avances tecnológicos de la era industrial también revolucionaron las técnicas y materiales de producción de pinturas al óleo y otras técnicas, marcando un hito en la historia del arte moderno.

Antecedentes de la pintura al óleo impresionista

 Durante la Edad Media y el Renacimiento, el pintor compraba los pigmentos crudos en las tiendas de boticarios (o directamente de las canteras, etc.). Posteriormente el artista o, si era reconocido y acaudalado, su aprendiz, trituraría, tamizaría y mezclaría el pigmento con aceite de nuez o de linaza para preparar las pinturas al óleo. Con la llegada de los coloristas, los artistas finalmente se liberaron de la difícil tarea de abastecerse, fabricar, moler y probar todos sus pigmentos, tintes, superficies y suministros.

El taller de los artistas

El conocimiento necesario para moler pintura se adquiría a través de la tradicional relación maestro-aprendiz. Moler la pintura fue una de las principales tareas diarias del aprendiz. Delegar tal tarea dejó al maestro mayor tiempo y energía para invertir en el acto creativo de pintar. Las materias primas se podían adquirir de diversas fuentes. En el estudio, estas materias primas tenían que prepararse adecuadamente para hacer pintura.

En El Estudio del artista, (1750) de Platzer, se muestra el interior del estudio de un artista. Se puede detallar un asistente que utiliza una moleta, en el extremo derecho, para preparar pintura al óleo fresca.

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El estudio del artista (1740-59), Johann Georg Platzer. Óleo sobre cobre, 41.9 × 60 cm. Museum de arte, Cleveland.

En El Taller del Pintor (antes de 1790), Horemans El Joven pinta al asistente en el centro moliendo un óleo, aunque parece estar distraído por su familia.

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El Taller del Pintor (antes de 1790). Jan Josef Horemans el Joven. Óleo sobre lienzo, 62 x 59 cm. Ubicación desconocida.

Durante la década de 1700, un nuevo comercio se extendió por Europa: el colorista de los artistas.

El comercio del color

El colorista de los artistas puede haber sido un asistente experto en un gran taller. Este personaje luego se daría cuenta de que podía ganarse la vida suministrando lienzos preparados, pinturas al óleo preparadas y otros materiales a varios talleres más pequeños, individuos (que podrían ser aficionados adinerados, quizás), y eventualmente incluso a talleres más grandes. Es así como surgen medios de conservación, almacenamiento y trasporte de las pinturas al óleo.

Un problema que tenían que resolver era cómo conservar las pinturas al óleo fresca después de prepararse, pues tendían a secarse. En algún momento alguien descubrió que la pintura al óleo se mantendría fresca al estar contenida en una bolsa pequeña, como la vejiga de un cerdo. A finales de la década de 1700, los coloristas o mercaderes de toda Europa vendían sus pinturas al óleo en estas vejigas.

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Pintura al óleo almacenada en una vejiga de cerdo

Cuando los coloristas comenzaron a vender pinturas al óleo premezcladas, venderían aproximadamente 1 onza de cada color atado en un pequeño trozo de vejiga de cerdo limpia. El artista perforaría la vejiga con un alfiler y la exprimiría en la paleta.

Limitaciones de la pintura al óleo en vejigas de cerdo

Las pinturas al óleo en vejigas de cerdo se veía como un globo de juguete moderno muy pequeño con un tapón grueso sujeto con algún tipo de cordel.

Las vejigas de cerdos eran una pesadilla para llevar, imposibles de cerrar correctamente después de abrir y susceptibles de reventarse en cualquier momento. Estas limitaciones significaban que los artistas se limitaban en gran medida a pintar en sus estudios. Sin embargo, las pinturas a menudo se secaban antes de que pudieran usarse.

En la ingeniosa obra de Quadrone, Toda oportunidad es buena (1878), se nos permite un vistazo detallado a la parafernalia del pintor, que incluye varias vejigas de pintura en la mesa baja detrás del caballete y una en el piso. Aunque este cuadro se pintó bien después de la introducción de los tubos de pintura, las vejigas continuaron siendo relativamente baratas y populares a fines del siglo XIX.

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Toda oportunidad es buena, 1878. Giovanni Battista Quadrone. Ubicación desconocida.

Artistas de pintura al óleo que influenciaron el arte impresionista

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Estudio del paisaje marino: barco y cielo tormentoso, (1776–1837). John Constable

John Constable y William Turner se destacan porque ambos tuvieron una profunda influencia en el nacimiento del impresionismo. La forma en que rompieron las convenciones de la pintura tradicional para tratar de capturar la frescura, el cambio y la realidad de la naturaleza ayudaron a inspirar a los impresionistas y dieron a estos dos maestros del paisaje un lugar en el corazón de la historia del arte moderno.

El pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851) anticipó en sus últimas obras el estilo impresionista de la pintura, donde las formas se disuelven en atmósferas de colores.

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Campo Santo, Venice (1842). Joseph Mallord William Turner. Oleo sobre lienzo.

En 1870, James  Whistler comenzó a pintar sus primeras obras sobre el río Támesis inspirados en obras similares de Turner, que llamaría “Nocturnos” a partir de 1872.

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Nocturno en azul y plata: Chelsea, 1871. James McNeill Whistler. Óleo en panel. 50.2 cm (19.7 ″); Ancho: 60.8 cm (23.9 ″). Colección Tate Gallery

Whistler desarrolló un estilo único que tenía mucho en común con los impresionistas. Usaba pinceladas muy sueltas y una huella creativa similar a la que usaron los impresionistas mucho más tarde. Sin embargo, nunca hizo el mismo uso de colores brillantes, y pocos de sus cuadros son tan ricos en luz. Fue fuertemente influenciado por el orientalismo o el japonismo, como más tarde se hizo popular entre los impresionistas franceses. En este sentido, fue un pre-impresionista que anticipó varias de las características clave del impresionismo.

Surgimiento de pinturas al óleo impresionistas

La década de 1860 fue una década de enmiendas dinámicas en la pintura al óleo. Fue un período en el cual la tradición y la innovación se fusionaron con el trabajo de importantes e independientes artistas precursores como Edouard Manet (1832-1883) y Edgar Degas (1834-1917). En la siguiente década, 1870, este movimiento se desarrolló y se estableció como el impresionismo.

Bajo el Segundo Imperio de Louis Napoleón (1852-1870), la cara de París se transformó. Las estrechas calles medievales y empedradas de las casas en el centro de la ciudad fueron arrasadas para dar paso a los nuevos bulevares arbolados, diseñados por el arquitecto de Napoleón III, Baron Haussmann (1809-1891). A lo largo de estas amplias avenidas, al igual que la rue de Rivoli, los bulevares St. Germain y St. Michel y la avenue de l’Opera, los cafés con terraza proliferaron, y en este entorno de paseos soleados, la vida del romántico artista francés tuvo un nuevo significado.

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Izquierda, Pintura: Terraza de la cafetería en Arles por la noche, 1888. Vincent Van Gogh. Óleo sobre lienzo. Derecha: Espacio original que inspiró la obra.

El artista parisino de vanguardia ya no era el pintor al óleo de la vida agrícola o los campesinos, sino de la vida urbana reciente: el sofisticado mundo de cafés, hipódromos, parques, conciertos, la ópera y el ballet. Estos temas comenzaron a dominar el argumento principal de los artistas del impresionismo desde la década de 1860. Pero los nuevos temas, una representación más directa de los temas modernos, exigían nuevas técnicas.

Nuevos métodos vanguardistas de pintura al óleo

A lo largo del siglo XIX, se establecieron métodos distintos para la reproducción de la luz solar. Los tonos sofisticados, los colores brillantes se aplicaron con un pincel cargado. Al mismo tiempo que las sombras se profundizaron y enriquecieron solo en las últimas etapas de las obras mediante la adición de capas translucidas de color.

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Crepúsculo en San Giorgio Maggiore , 1908. Claude Monet. Óleo sobre lienzo. Altura: 65,2 cm (25,6 ″); Ancho: 92.4 cm (36.3 ″). Colección: Museo Nacional de Cardiff

Los artistas del impresionismo rechazaron que sus pinturas fueran terminadas con el colorido gris que la academia privilegiaba. Los desarrollos tecnológicos en la década de 1860 abrieron el camino para este y otros cambios. Cada uno de estos nuevos cambios también se asociarán con las nuevas características de la pintura al óleo, que diferían notablemente de aquellas que habían hecho posible las técnicas de los Maestros Antiguos.

Durante la década de 1860, los artistas del impresionismo encontraron alternativas que fueron más adecuadas para sus necesidades estéticas. Tres factores fueron de particular importancia para el desarrollo de las nuevas pinturas que utilizaron: el esmerilado mecánico, la invención del tubo de estaño y las variantes en aglutinantes y aditivos utilizados para mantener la pintura con una consistencia homogénea en los tubos contenedores nuevos.

Del muller manual a la molienda mecánica de los pigmentos.

Tradicionalmente, los asistentes profesionales trituraban a mano los pigmentos para preparar la pinturas al óleo, empleando una desbrozadora en una losa plana hecha de piedra impermeable. La molienda mecánica llegó a ser factible alrededor de 1800, cuando un inglés de apellido Rawlinson, patentó un molino de molienda de un rodillo manual.

Al principio, se consideraba que el esmerilado mecánico era una fuente de pigmentos demasiado gruesos para el trabajo de los artistas. A pesar de que en los primeros días de la molienda mecánica una sustancia demasiado espesa fue producida para ser utilizada por los artistas, la creciente sofisticación pronto resolvió este problema técnico y en cambio, la molienda extra fina se convirtió en una práctica popular. La invención del moderno molino de tres rodillos contribuyó a este hecho.

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Molino de 3 rodillos para moler pintura al óleo.

Invención del tubo de pintura al óleo

El tubo de pintura al óleo fue patentado en 1811 por John Goffe Rand. Luego fue producido en masa a partir de 1841. Esta nueva innovación sustituyó las vejigas de cerdos y las jeringas de vidrio como principales herramientas de almacenamiento. Los artistas, o sus ayudantes, previamente molieron cada pigmento a mano, mezclando cuidadosamente el aceite aglutinante en las proporciones adecuadas.

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Boceto de la patente del tubo para pintura artística por John Goffe Rand

Las pinturas ahora podrían producirse a granel y venderse en tubos de estaño con una tapa. La tapa podría volver a atornillarse y preservar las pinturas para su uso futuro. Este hecho proporcionó flexibilidad y eficiencia a la pintura al aire libre. Las pinturas fabricadas tenían una consistencia equilibrada que el artista podía adelgazar con aceite, trementina u otros medios, o bien engrosarla si así lo requería.

Diferencias significativas entre la preparación de óleos antiguos y óleos modernos

El punto antes mencionado es de particular importancia. La pintura al óleo de los grandes maestros era considerablemente distinta a la pintura moderna entubada por una razón particular. El aceite usado en la pintura al óleo entubada y el aceite usado en la pintura preparada en los talleres era distinto.

Cuando se pinta un cuadro al óleo con el sistema de magro a grasso, que es la forma antigua de pintar al óleo, es muy importante usar distintos aceites. Cómo su nombre lo indica, en las primeras capas de pintura de un cuadro (las capas magras) debe usarse menos aceite o aceite más delgado. Conforme se trabaja, las capas superiores de pintura deben ser cada vez más aceitosas o de aceites más gruesos.

Cada tipo de aceite tiene una función dentro del proceso de la pintura al óleo

Cuando se preparaban pinturas al óleo dentro de los talleres de pintura se preparaban con distintos aceites, dependiendo la finalidad que dichas pinturas iban a cumplir dentro del cuadro. Sin embargo esas mismas pinturas, al prepararse para ser almacenadas en tubos de estaño, debían ser preparadas con aceite de linaza del más delgado y tratado de forma diferente. Si se utilizaba aceite grueso para preparar óleos que serán entubados sería dificil exprimir la pintura de los tubos. Peor aún si se utilizaran aceites tratados de secado veloz como el megilp o el aceite negro tan empleados durante el barroco. Con dichos aceites la pintura al óleo secaría dentro de los tubos aún antes de que los mismos se vendieran.

Por dicha razón, cuando se pinta al óleo es importante utilizar medios como barnicetas de distintos grosores. El aceite refinado utilizado para preparar las pinturas al óleo es muy delgado y a la larga, si es el único aceite que se utiliza, puede traer problemas estructurales a nuestros cuadros. Por eso los grandes maestros de la antiguedad usaban muchos aceites diversos (y de hecho muchos pintores modernos también, solo que no en sus tubos de pintura).

Los problemas de no usar barnicetas para enriquecer nuestros óleos

El pegamento que adhiere los pigmentos de la pintura al óleo al lienzo, es el aceite. Si pintamos con óleos de tubo y los adelgasamos solo con aguarraz o tremetina la cantidad de partículas de aceite que pegará los pigmentos al lienzo será mínima.

De hecho, aún si utilizamos barnicetas para adelgazar nuestra pintura al óleo, si dichas barnicetas son de aceite refinado sin espesar, a la larga el aceite podría seguir siendo escaso. Con el paso del tiempo, conforme nuestro óleo ya pintado seque completamente sobre el lienzo (proceso que tarda alrededor de 70 años), llegará el punto en que la película de óleo colapse y se vuelva frágil.

Por esta razón es de suma importancia trabajar nuestra pintura al óleo con distintas barnicetas que enriquezcan las grasas de nuestros tubos de óleo.

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Tubo de pintura de estaño

Gracias a la invención del tubo de pintura al óleo, los artistas pintaron fácilmente al aire libre por primera vez. El nuevo tubo de pintura les permitió pintar en cualquier lugar e hizo posible explorar el efecto de la luz natural como nunca antes.

El impacto de esta simple tecnología fue profundo. Según Renoir: “Sin la pintura  en tubos, no habría Cézanne, ni Monet, ni Pissarro, ni impresionismo”.

Quizá el único inconveniente fue que el artista quedó alejado del conocimiento íntimo de los materiales que utilizaba para pintar. Tal oficio era esencial para los antiguos maestros y las obras maestras que producían.

Otros desafíos técnicos de las pinturas al óleo en tubos

Los colores de los artistas se habían preparado tradicionalmente en el momento en que se necesitaban, por lo que el almacenamiento a largo plazo presentaba pocos problemas. Sin embargo, la rápida expansión de la molienda de pigmentos comercial en el siglo XIX dio lugar a dar una vida útil más larga el producto. Era necesario encontrar métodos para asegurarse de que las pinturas al óleo conservaran una consistencia aceptable. También era indispensable que el pigmento permaneciera completamente disperso dentro del aceite.

En la década de 1860, los comerciantes de colores también justificaron la inclusión de cantidades superiores de cera en el fondo, lo que hizo que los colores fuesen mejores para pintar al óleo con un cuchillo de pintar. Manet utilizó la aplicación de color con cuchillo en la década de 1860, especialmente para amplias áreas de fondo.

Esta técnica fue explotada en esta década y principios de la década de 1870, especialmente por Camille Pissarro (1830-1903) y Paul Cézanne (1839-1906) en sus obras Still Life. Sin embargo, la pintura con cuchilla atrae el aglutinante de aceite a la superficie de la pintura. Por lo tanto, agrava el factor del amarilleo del óleo al acumularse en una película sobre la superficie. Este inconveniente, junto a la creciente preferencia de los pintores del impresionismo por el cepillo asimétrico, resultó en el abandono de la técnica en la década de 1870.

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Still life, Jarrón y Fruta. Paul Cézanne. Óleo sobre Lienzo

Reinvención moderna de la química y  pinturas al óleo

La invención moderna de la química, a principios de 1800, dio lugar a una gran cantidad de subproductos. Uno de ellos era la paleta moderna, un espectro de nuevos pigmentos como nadie había visto antes. Esta nueva paleta de colores, hizo posible el impresionismo y las escuelas luministas. Los pigmentos como el azul de cobalto, el verde de óxido de cromo, el amarillo de cadmio, el amarillo de cromo, el amarillo de bario, el amarillo de cinc, el azul cerúleo, el azul de ultramar (sintético), el blanco de cinc, el viridian y el violeta de cobalto eran estables y relativamente asequibles.

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Óleo verde viridian

Los tubos al óleo en nuestros dias

La evolución de pinturas al óleo pre-envasadas no se ha dado sin algunos sacrificios de calidad. Las pinturas al óleo actuales han sido reformuladas en los nuevos tubos de estaño para dar una vida útil razonable a la pintura (en la fabricas y los anaqueles, no en los cuadros). Las pinturas de aceite de linaza han sido reformuladas por las empresas comerciales para secarse a una velocidad similar que permita el enclavamiento adecuado de las películas de pintura. Por la misma razón, muchos de los materiales tradicionales que acompañaban al aceite de linaza han sido, en su mayor parte, abandonadas a favor de resinas sintéticas.

Debido a las distintas variaciones de los tiempos de secado entre los pigmentos, los secadores químicos han sido utilizados para compensar la pérdida de resina. Sin embargo ya en los cuadros, estos nuevos óleos pueden ser más peligrosos en cuanto a su fragilidad e inconsistentes en su comportamiento. Sin embargo a lo largo de las décadas, los fabricantes de pinturas de la más alta calidad hemos tratado de mantener la recetas antiguas sin grandes variaciones para ofrecer óleos de calidad similar a la de aquellos utilizados por los “Maestros Antiguos”, pero en un formato contemporáneo.

La técnica plein air

Plein air es un término francés que significa “al aire libre”. Muchos artistas pintaron paisajes en ambientes exteriores (observando lo real, no utilizando una fotografía como referencia).

Muchos pintores de este estilo realizaban una serie de bocetos rápidos hechos con pinturas al óleo, antes de desarrollar una pintura final en su estudio. El humor, el color y la atmósfera nunca se pueden capturar completamente en una fotografía de la misma manera en que un artista los experimenta sentado al aire libre, absorbiendo realmente su entorno.

Una vez que se inventaron los tubos de pintura en la década de 1800, pintar al aire libre se hizo mucho más fácil y se convirtió en una tendencia entre los pintores que querían capturar la luz natural y las escenas al aire libre.

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Amapolas rojas, 1880. Mary Cassatt. Óleo sobre lienzo.

La técnica de plein air es particularmente importante para la escuela Barbizon (Francia, c. 1830-1870, pinturas de paisajes realistas). También fue empleada por los impresionistas (finales de 1800, más enfocados en capturar la luz que el paisaje en sí). Algunos artistas notables de plein air incluyen: Mary Cassatt, Camille Pissarro (Impresionismo); John Constable, Eugène Louis Boudin, Jean-François Millet.

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Pescadores en marea baja, por el pintor francés Eugène-Louis Boudin. Imagen cortesía de The Athenaeum. Fecha desconocida

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